Dans sa simplicité et son évidence, cette oeuvre de Marco Godinho, dont il nous a autorisé la reproduction pour l'affiche de l'exposition, rencontre succès et interrogations de la part des visiteurs.

Pour moi, c'est devant la carte que commence le fantasme du voyage et celle de Marco Godinho invite à une réflexion en mise en abîme à propos du mouvement et du nomadisme.

Marco Godinho

Le monde nomade #1, 2006
Planisphère découpé en 60 bandes verticales
150 cm de long, autres dimensions variables
Courtesy Marco Godinho / 49 Nord 6 Est
FRAC Lorraine

«Le monde nomade», c’est le monde en mouvement, et le mouvement sur le monde, l’appel au départ, au voyage et à la découverte, un idéal de mobilité dans un monde mobile!
Une mappemonde en papier a été découpée en soixante bandes verticales individuelles, correspondant à la mesure du temps, en secondes et en minutes, comme autant de fuseaux, de longitudes, arbitraires. Les minces bandes, qui s’enroulent sur elle-mêmes, se déroulent lentement selon la température et composent une cartographie mouvante, changeante, et un portrait éphémère du monde.
Ce dessin d’un monde en transit, en transition,est lui-même nomade, car l’oeuvre peut aussi se transporter, enroulée dans un petit étui, significatif du mode de vie, et du mode de vie des oeuvres, de Marco Godinho. Ce simple détournement suscite autant d’appels au voyage et à l’imaginaire que de réflexions possibles sur
l’état du monde et les conséquences nées de ces télescopages fictionnels.

En quête permanente de nouveaux horizons, Marco Godinho est un explorateur du monde, de ses marges et de ses seuils – géographiques, politiques et philosophiques – dans lesquels lui-même évolue. La mer, les migrations, le déplacement, la vie nomade, sont au coeur de son travail, qui déploie un univers singulier et poétique sur la subjectivité de notre expérience du temps et de l’espace. Il aborde avec sensibilité une pratique post-conceptuelle, les questions d’exil, de mémoire et de géographie inspirées par sa propre expérience de vie nomade, suspendue entre différentes langues et cultures et nourrie par la littérature et la poésie. À partir d’installations et de vidéos, en passant par ses écrits et oeuvres collaboratives, son travail forme une carte d’un monde façonné par des expériences personnelles et le multiculturalisme.

Son travail est montré partout dans le monde et il a représenté le Luxembourg à la dernière Biennale de Venise.
Né à Salvaterra de Magos (Portugal) en 1978, il vit et travaille entre Luxembourg et Paris.

LE GRAND TOUR

Exposition collective du 19 mai au 25 juillet 2021
H2M - Espace d’art contemporain, 5, rue Teynière à Bourg-en-Bresse
Entrée libre et gratuite, du mercredi au dimanche
de 13 h à 18 h (pas de réservation nécessaire
pour visiter l’exposition).

Allez, c'est parti pour la grande visite guidée "virtuelle" du Grand Tour. On ouvre l'exposition dès l'entrée, au bas de l'escalier 18e, avec cet ensemble d'oeuvres d'Arnaud Cohen, entre tourisme vintage et archéologie du futur.

Arnaud COHEN

Remains of the day #1, 2011 - Aluminium, fibre de verre, et résine - h 103 cm x 67 cm x 125 cm- Remains of the day #2, 2011 - Aluminium, fibre de verre, et résine - h 94 cm x 105 cm x 105 cm - Remains of the day #3 - Le Fantôme du Stylite (a - former tribute to Rauschenberg), 2011-2020 - Aluminium, fibre de verre, et résine
h 259 cm x 105 cm x 105 cm - Courtesy Arnaud Cohen

Trois colonnes de style antique, évoquant un de ces sites archéologiques prisés des touristes, accueillent le visiteur au bas de l’escalier menant aux salles d’exposition. Echo de souvenirs d’enfance de l’artiste, ils rappellent aussi à tous les férus d’art et d’histoire leurs propres souvenirs d’excursions ensoleillées en Grèce,
en Italie, ou en Tunisie... Pourtant, à y regarder de plus près, si ces ruines épousent bien une forme identifiable, elles ressemblent davantage à des bouteilles de Coca-Cola®, tronquées, qu’à des colonnes doriques...Ces vestiges, alors, ne seraient-ils pas ceux de notre civilisation plutôt que d’un ancien monde ? Ne serions-nous pas devant les traces d’une archéologie du présent ou, autrement dit, devant les vestiges -déjà- de notre société de consommation parvenue à bout de souffle de sa décadence ?
Comme dans un roman ou un film d’anticipation, nous voici touristes du futur, découvrant au détour d’un monument, ces vestiges d’un temple dont les marchands ont fui. Ou, à l’instar du Capitaine Taylor, dans la dernière scène du film « Planet of Apes » (« La Planète des singes », Franklin Schaffner,1968), découvrant sur la plage, horrifié, les vestiges à moitié ensevelis de la statue de la Liberté, devant les restes d’un monde qui doit disparaître...
Un étrange animal hybride, mi chèvre mi léopard, joue le stylite, la vigie, le phoenix, le gardien de la mémoire du site ou l’annonciateur d’un monde nouveau...

L’oeuvre d’Arnaud Cohen aborde le sujet de la responsabilité individuelle dans l’édification de destins collectifs. Il puise ses références autant dans les pratiques situationnistes que dans les mythes et allégories. Sa pratique, relevant souvent de l’appropriation, le porte vers des formes sociales et esthétiques diverses,
depuis des objets identifiés tels que sculptures ou installations jusqu’à des « objets » plus iconoclastes, comme une fondation, une piste de danse ou une émission de télé-réalité. Son travail, entre Histoire et fiction, est régulièrement présenté dans des évènements internationaux, tels que les Biennales de Dakar, de Venise, d’Amérique du Sud, du Caire, et en France, au Palais de Tokyo, au Mémorial de la Shoah, en résidence au Musée de la Chasse et de la Nature.
Son travail a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles, notamment au Musée Synodal de Sens, à Berlin, à Cologne, et cette année, au Musée National d’Art Contemporain de Bucarest ainsi qu’à la biennale de Kampala.
Né en 1968, Arnaud Cohen vit et travaille entre Palma de Majorque, en Espagne, et son île-usineatelier
du Poitou.
 

LE GRAND TOUR

Exposition collective du 19 mai au 25 juillet 2021
H2M - Espace d’art contemporain, 5, rue Teynière à Bourg-en-Bresse
Entrée libre et gratuite, du mercredi au dimanche
de 13 h à 18 h (pas de réservation nécessaire
pour visiter l’exposition).

Je suis ravie d'ouvrir cette saison "si particulière" avec ce texte rédigé pour "Le temps qu'elle fait",  la première exposition solo de Francine FLANDRIN à la Galerie L'Oeil Histrion, à Caen.

Vernissage vendredi 18 septembre: j'y serai!

FRANCINE FLANDRIN  - «Le temps qu'elle fait»

«Là où on croyait voir du sublime, on découvre seulement la dérision»

Sarah Kofman, à propos de Nietzsche

Pourquoi rit-on?

Editions Galilée, Paris,1986

Pour sa première exposition personnelle à la Galerie L'Oeil Histrion, l'iconoclaste Francine Flandrin déploie toute la mesure d'un travail dont l'esprit hétérodoxe frappe dès le premier regard. Peintures et dessins, sculptures et objets réunis en cabinets de curiosité (ou en plus désinvoltes «chambres des merveilles»), qui rendent sans aucun doute la vie plus intéressante que l'art : l'art de Francine Flandrin est un palimpseste habité d'un inassouvi appétit d'images et de mots qui tous convergent vers l'impossible conjonction du temps qui passe et de la liberté qui fuit.

Voilà pourquoi, sonate plutôt profane ou pièce en trois actes, se déploie, se noue et se dénoue le «temps qu'elle fait». Cette approximation syntaxique polysémique, clin d'œil à la fusion des genres, dévoile d'emblée l'intention de se laisser submerger par delà l'anodin en même temps que par une réappropriation ludique de l'ordinaire, passé aux filtres et ravages de sa créativité, de son humour et de son sens de la dérision, dans la glorieuse lignée de Dada et Fluxus. «Le temps qu'elle fait» est une totalité, un manifeste à l'intense foisonnement, moins démiurgique qu'il n'en a l'air - Francine Flandrin ne fait ni la pluie ni le beau temps -, mais plus réjouissant pour l'œil et l'esprit que notre épidémique horizon.

Le temps qu'elle fait I - Le temps qu'elle fait c'est d'abord le temps qu'elle prend. Le temps de l'œuvre comme on dit, celui, incompressible - cet espace dans l'espace de l'atelier - dans lequel l'artiste cherche, tâtonne, essaie, se confronte aux matières, aux matériaux et aux questions techniques à résoudre pour produire l'œuvre qu'elle a en tête. Chez Francine Flandrin, il y a cette démarche, partagés par de nombreux artistes contemporains, de multiplier les médiums pourvu que l'idée prenne forme. Et chez elle, cela va de la sculpture au moulage pâtissier, de la céramique au chocolat, de l'ex-voto à la peinture de grand format, de la photographie au dessin, de l'entomologie au jeu de société… Puisque «tout est art», tout est bon à prendre dans les objets d'un quotidien passé ou présent qui tous peuvent, par glissement pratique ou sémantique, devenir autres, dire quelque chose de nouveau, ou dont, plus exactement, elle s'ingénie à donner  /  masquer un sens, dans cet écart permanent, qui est un peu sa marque de fabrique, entre le visible et le signifié.

De ses origines familiales elle garde un sens aigu du travail, non pas la glorification du travail - police que condamnait Nietzsche mais celle du travail agissant sur le réel, qui prend chez l'artiste la forme de la poïétique. Ainsi par exemple le triptyque Painting - Performance - Working (2018) : sa tenue de travail, une peinture détruite, et les restes d'une performance, emballés ficelés façon globes de mariée 19ème, «capsules», dit-elle, «de temps et d'énergie». Forces créatrices que Francine Flandrin dépense sans compter.

Le temps qu'elle fait II - Le temps qu'elle fait signe sa liberté, tandis que la rigoureuse érudition qui sous tend la plupart de ses œuvres ne masque jamais le souffle dionysiaque qu'elle entend leur donner.

Chez Francine Flandrin, l'invention est toujours au service d'une audace, que l'on retrouve autant dans ses actions performatives (Portier de Nuit pour Accessoires Indispensables (2012), Parachutée, une performance dégonflée qui tombe à pic (2013), Marseille à tous points de vue (2013), Légendaires Apostrophe(s) (2017)) que dans, par exemple, l'inattendue L'Ecce Homo (2012), sein de faïence surmonté d'un téton de chocolat blanc, déclarée première sculpture léchable et rechargeable, se promenant librement entre détournement à l'esprit Dada, sculpture éphémère très Fluxus, et Eat Art.

Francine Flandrin ose. Faire du cul un bijou pour les mains (et par la même occasion ravager en trois lettres le discret charme bourgeois d'un innocent jeu de Scrabble®) avec son désormais célèbre Mot compte triple (depuis 2012) qu'elle n'hésite pas à proposer en version (poule) de luxe, en or et ivoire gravé.

Sorte de Clara Tice de notre temps, la voici se lançant dans un commentaire tout personnel, à la gouache, d'illustrations érotiques des années 30, hors textes d'un mystérieux et bien nommé (!) Jean-Martinet, auteur d'ouvrages aussi pertinents que "Matée par le fouet" et "Venez ici, qu'on vous fouette !" (Quand je fais mon Lavier BDSM : Flandrin /  Martinet, 2020)

Elle ose, donc, les sauts sémantiques les plus improbables au premier regard, l'incorrect, les oxymores et les ellipses, dans lesquels sens réel et sens métaphorique, sens et non sens se confrontent et se répondent, et il semblerait qu'elle ne craigne jamais les jeux de mots, jeux d'esprit et calembours.

Les mots justement. De son Manifeste Hue Dada - redoublant la référence historique et l'absurde -, aux titres soigneusement choisis de ses œuvres, Francine Flandrin joue de l'histoire de l'art comme d'un alphabet. Mais au delà, on retrouve souvent chez elle quelque chose de cette jouissance immédiate et enfantine du bruit des mots (ce qui fit dire que Tzara avait choisi ce mot, «dada», pour mimer le balbutiement d'un enfant - mais aussi ce qui place Flandrin quelque part aux côtés des lettristes). Entre Rrose Sélavy et Charles Dreyfus, l'innocence est feinte (son C.U.L en apporte la preuve) mais le jeu, fut-il hermétique, règne. DIY poetry (2015), coffret précieux rempli de pâtes alphabet, se présente tout à la fois comme un hommage à la poésie tout entière (et en particulier, donc, à Stéphane Mallarmé («Un coup de dé jamais n'abolira le hasard»)) et comme un défi ludique: il y a dans ce coffret de quoi écrire quelques vers éphémères, jetons en une poignée sur la table pour voir si un poème est possible...

Ouvrir ce coffret rempli de lettres qui ne demandent qu'à signifier, c'est un peu soulever le couvercle de la boîte de Pandore, découvrir ce que les mots recèlent de sens inconscients. Une des peintures présentées dans l'exposition intitulée Un pot de fleurs / Un flot de pleurs : lapsus (2019) lève le voile sur cette partie du travail de Flandrin. Elle explique «Je lis “Les Enténébrés” de Sarah Chiche, quant, à la page 205, je lis et relis à quatre reprises «un pot de fleurs coula de la serrure» au lieu de «un flot de pleurs coula de la serrure». Alors en pleine dépression, je nie l'évidence de la tristesse et de la mélancolie, je comprends mon lapsus... Éclat de rire... J'ai envie de peindre cet éclat». Cette anecdote montre combien sa pratique de la peinture, à la différence du reste de son travail qui relève d'un sérieux champ de réflexion, constitue une activité pour elle directement connectée à son inconscient, dans un élan de «lâché prise». Liberté que l'on retrouve autant dans le geste, ample et déstructuré (ce qui pourrait justifier le titre de la série : «Les explosives»), que dans la diversité des sujets traités, qui n'opèrent aucun continuité apparente, si ce n'est ce fil psychanalytique du lapsus ou du jeu d'image et de mot. N'a-t-elle d'ailleurs pas peint le divan de son psychanalyste menacé d'une imminente et très symbolique explosion (Nan, nan, je t’assure ça va très bien. (2019)) ?

Du lapsus au mot d'esprit, du mot d'esprit à l'ironie, il n'y a qu'un pas que Francine Flandrin, Freud ou Lacan à ses côtés, franchit allègrement, s'il est vrai que le recours aux mécanismes de la dérision reste une efficace dynamique de création.

Ainsi ose-t-elle encore manier l'hommage et l'irrévérence, lorsqu'elle s'approprie Dada pour inventer «Hue dada», sorte de baseline personnelle qui signe son univers, et pour lequel, avec un bel esprit de sérieux de pacotille, elle aura produit le Manifeste, proclamé la République et dont chacun peut devenir citoyen si toutefois on promet allégeance à ses principes et préceptes.

Elle sait manœuvrer pour qu'explosent en douce les prohibitions et que se démasquent les mythes. Car l'humour et l'ironie ici à l'œuvre sont souvent sous-tendus d'une dimension politique. Si, à l'instar de Fluxus, il s'agit toujours, par le renversement ou le n'importe quoi, de garder l'œil révolutionnaire ouvert sur les dérives et les aliénations de la «société du spectacle», son Rikiki Brother, son passeport Hue Dada ou son L'Ecce Homo abordent l'air de rien quelques uns des enjeux du monde contemporain, à l'heure de la surveillance numérique, des drames migratoires ou du renouveau du combat féministe.

Si elle choisit parfois d'être frontale, son travail s'écrit le plus souvent dans une sorte de rhétorique de l'esquive, stratégie qu'elle reconnaît emprunter aux érudits libertins dont la lecture la passionne, s'emparant du politique, ou de l'existentiel par l'investissement symbolique des objets. Ainsi par exemple de l'œuvre Entre la poire et le fromage (2014), sculpture en or et faïence émaillée qui sous l'allure d'un emprunt à une austère et tranquille nature morte «à la Morandi» fait écho pour elle à une réflexion sur le corps, sa dimension forcément politique et sa fragilité, que souligne ce couteau prêt à choir.

Car ce mystère de la chute qui vient, dont sourd l'urgence d'un Carpe Diem : tout est là.

Le temps qu'elle fait III- Le temps qui la traverse n'est pas tant celui de la chronologie que celui de la durée, une durée malmenée, compressée, disjointe, comme dirait Derrida reprenant la célèbre phrase d'Hamlet «The time is out of joint»*. Semblable au roi assassiné qui hante et dérange la vie d’Hamlet en errant sur les remparts d’Elseneur, le temps convoque les fantômes, le passé poursuit le présent de ses questions, et tous nous nous assignons à questionner la persistante présence de ce qui n'est plus. Cette condensation du temps / des temps qui «disjoint» l'ordre chronologique est bien ce qui est à l'œuvre dans la série de dessins de grand format que présente Francine Flandrin dans l'exposition. Elle a ressorti des cartons des photos de famille et en redessine l'image sur des papiers de grand format. En 1961, Jacques et Rose filaient le parfait amour, après qu'il lui ait volé un baiser dans le noir. L'histoire familiale en eut-elle été différente si Tinder avait existé ? Et l'oncle Christian, perdu par la fureur de la guerre, aurait-il su davantage qui il était s'il avait connu Grindr ? En rajoutant sur le dessin le logo d'une de ces applications qui font aujourd'hui notre quotidien, l'artiste souligne combien celles-ci s'incrustent dans nos trajectoires de vie à tel point que la vie de nos aïeux, et la notre par là même, auraient été autres... si elles avaient existé à l'époque. A quoi tiennent les destins ?

Ce n'est guère un hasard si Flandrin s'est longtemps passionnée pour les Vanités, et leurs versions contemporaines, ni qu'elle en appelle si souvent au texte de l'Ecclésiaste. Vapeur, buée, fumée... Car en deçà de l'apparente légèreté de son travail, se trame une conscience - conquérante mais forcément inquiète - de l'irréversible et de la disparition. Cette intime et puissante conscience du temps qui dévore et consume traverse bien la plupart de ses œuvres, qu'elle compile ici des objets du passé (ses ex-votos), pose là un insecte sur sa langue (l'autoportrait sculptural Mulholland Dive, 2019), produise une œuvre destinée à disparaitre sous les coups de langue (L'Ecce homo)...

Cette conscience aigue de la temporalité, la conviction d'être «de passage», et la certitude de l'absurde ne peuvent alors conduire qu'à une seule injonction : celle de l'Ici et maintenant. C'est Maintenant, œuvre datée du 26 septembre 2013, jour de l'anniversaire de l'artiste, maintenant ou jamais, maintenant pour toujours, comme un talisman, un serment, une promesse. Car puisqu'aucune conjuration n'est possible, il ne reste donc qu'une seule chose à faire : jouir, dans la mesure du possible. Rire, dans la mesure du possible. «Si le “patatras” est inévitable», écrit-elle, «et que la catastrophe sera fatale, l’ironie se révèle bien plus qu’un simple déclencheur, plutôt une arme absolue, un démultiplicateur de jouissance.»

Francine Flandrin est bien plus sage qu'on ne le pense, car il n'y a probablement rien de plus sage que de s'efforcer de jouir de la vie et de se saisir du jour présent.

Francine Flandrin est une artiste frivole. Mais la frivolité est un état sérieux. Au-delà des apparences, ce n'est, écrit le philosophe Alain, ni légèreté, ni insouciance, ni ignorance, ni naïveté. «Qui n'a pas chanté la nuit pour se donner du courage?»**

* W. Shakespeare- Hamlet (Acte 1, scène 5) – 1603, première publication

** Alain – Propos in La revue Libres Propos (1921-1924)

TEXTE PARU DANS LA REVUE TK 21 N°111 - https://www.tk-21.com/Le-temps-qu-elle-fait

La seconde oeuvre formant le "dyptique" "Emporter le paysage", de Catherine Burki, était présentée dans le hall de la salle de spectacle l'Atalante. 

On remercie Christian et Jérôme, pour leur précieux travail de montage!

Et on espère pouvoir montrer à nouveau cette oeuvre bientôt...

Catherine BURKI

Emporter le paysage - Photographie, tirage sur papier affiche– 250 x 150 - 2012- Copyright Catherine Burki ( Présenté à l'Atalante)

Qu'allons- nous chercher dans le voyage et surtout que remportons-nous avec nous ?

Autre façon d'emporter avec soi le paysage, le marquer sur son corps. Sur le dos d'Ivan, un palmier comme inscrit sur sa peau de vacancier, marque pour un temps son lien intime avec ce paysage étranger qu'il ramène avec lui, insolite souvenir de voyage.

Les deux œuvres composant «Emporter le paysage» sont un peu à part dans le corpus d'oeuvres de Catherine Burki. Avec le dessin comme médium privilégié, son travail s'inspire entre autres du livre de la biologiste américaine Rachel Carson, «Printemps Silencieux», ouvrage qui, il y a plus de cinquante ans, alertait déjà sur ce qui est devenu aujourd'hui une urgence écologique. L' artiste entretient avec la nature une relation faite d'émotions, de retenues, de passions, et de questions, avec une fascination, une attention respectueuse pour le vivant et les formes que prend la vie. Renouer avec la nature, dans tout ce qu'elle est, y compris l'insignifiant, le minuscule, le presque rien, contribuer à une forme de réenchantement du monde, tels sont les desseins de Catherine Burki. Par son incessante et perspicace attention à son milieu, par sa volonté d'en partager la sensibilité, au travers de ses résidences, rencontres et projets collectifs, dans une simplicité de moyens, qu'il s'agisse de dessin, de peinture ou d'installation, Catherine Burki nous rappelle œuvre après oeuvre que «la terre que (nous foulons) n'est pas une masse inerte et morte» (H.D Thoreau) et contribue à l'élucidation d'une nouvelle écologie.

Née en 1976, Catherine Burki vit et travaille à Marseille, France

Peut-être passerons nous l'été privés de la vision enchanteresse d'un beau coucher de soleil sur la mer...un été impossible, en quelque sorte.

Avant même la pandémie, l'oeuvre d' Emmanuel Régent pouvait déjà amener à une réflexion sur la "mythologie" esthétique du coucher de soleil, dans l'histoire de l'art mais aussi dans l'histoire de nos vacances réelles ou fantasmées - nos mythologies personnelles-, aux prises avec l'accidentelle et inaccessible beauté de l'essentiel.

Emmanuel REGENT

Série Le dernier soleil – Aquarelles sur papier – Dimensions varaibles – 2016 – 2020 – Courtesy l'artiste

Un beau coucher de soleil sur la Méditerranée est probablement un imparable argument pour un touriste en villégiature sur la Côte d'Azur. Emmanuel Régent, lui, vit et travaille face à ce paysage de carte postale, qui, d'éternelle source d'émerveillement, est aussi devenu source d'inspiration et de travail. S'engageant dans la tradition picturaliste de la peinture de motif, comme aurait pu le faire Turner ou un impressionniste, il s'installe face à l'Ouest, sur la terrasse de son atelier dominant la rade de Villefranche-sur-Mer, et durant une heure ou deux, peint de la manière la plus classique qui soit, à l'aquarelle, ses visions du soleil couchant. «Je travaille les teintes du ciel sans aucun détail, sans aucun autre motif ajouté aux variations de la couleur», dit-il. Il se confronte ainsi non seulement à un sujet récurrent dans l'histoire de l'art mais aussi et surtout à l'un des clichés populaires les plus éculés. Peut-on faire autre chose qu'un cliché de carte postale, ou qu'une aquarelle du dimanche, d'un millionième couché de soleil sur la Méditerranée? Dans le même temps, les clichés ont toujours une raison d'être, et il n'y a probablement rien de plus beau que cette vision chaque soir renouvelée. Il faut alors se confronter à l'insaisissable splendeur de ce paysage, de ce perpétuel «dernier soleil» du jour, dont l'essence échappera toujours, impossible.

Vaine tentative, défi perdu d'avance que manifeste le geste de l'artiste qui, le lendemain, choisit la plus belle des aquarelles de la veille et la déchire en morceau, comme un aveu d'échec, de l'artiste lui même, comme de l'art, à restituer l'indicible. « Déchirée », dit l'artiste, « dispersée et jetée au vent telle une lettre d'amour impossible.»

Cette déchirure, et les fragments qui en résultent peuvent être appréhendés comme «la marque de l'artiste, qui préfère le vide au plein, l'absence à la présence, l'effacement à l'affirmation». (P. Scemama) Connu pour ses impressionnants dessins au feutre noir, au rendu lacunaire (files d’attente, rochers de bord de mer, vestiges archéologiques ou villes en ruines...), faits de milliers de hachures et laissant une large place au blanc et à la réserve, Emmanuel Régent produit une oeuvre dans lequel le retrait prévaut toujours sur sur l'ajout, de ses «Nébuleuses»,, toiles poncées révélant la couleur sous le noir, jusqu'à ces fragments d'épaves -proches formellement de ses aquarelles de soleil- qu'il remonte du fond de la Méditerranée et expose sans y toucher. Dans un processus de révélation, d'apparition, mais aussi d'effacement, d'attente et de manque, son œuvre porte une dimension à la fois romantique et fragile. “J’essaie de construire des échappatoires, d’organiser des fuites, d’ouvrir des sorties par le blanc du papier, de construire des espaces de suppositions, de divagations, d‘égarements…”

Diplômé de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris en 2001, Emmanuel Régent est lauréat en 2009 du Prix Découverte des Amis du Palais de Tokyo. Il expose régulièrement en France et à l'étranger.

Né en 1973 à Nice, il vit et travaille entre Villefranche-sur-Mer et Paris.