Une vidéo peu connue de mounir fatmi présentée ici, qui, avec une économie de moyens très efficace, nous place dans la position de l'autochtone qui regarderait de loin, comme par effraction, ce qui lui est ordinairement interdit: le bord de la piscine d'un resort de luxe, réservé aux touristes. Tournée à Tanger, elle fut montrée en 2006 à la Biennale de Gwangju, en Corée.

Je reposte ici l'intégralité du texte que j'avais rédigé sur cette oeuvre il y a plusieurs années. Si certains enjeux ont évolué depuis, le fond reste d'une grande actualité, posant entre autres les questions du post / neo - colonialisme induit dans l'industrie touristique occidentale, mais aussi la duplicité des attitudes que cela induit, la question des "mondes" - le monde du touriste n'est pas le "tout-monde"-, et celle de l'impossible rencontre du touriste et du migrant, évoquée par ailleurs dans l'exposition.

mounir FATMI

La terre moins chère – Vidéo 9 mn 59 – SD, 4/3, couleur, stéréo – 2004 – Courtesy l'artiste et Jane Lombard Gallery, New-York

L’image est un peu floue, filmée de très loin, comme par effraction. Des touristes s’ennuient autour de la piscine d’un grand hôtel, de ces « hôtels-clubs » qui fleurissent partout au Maroc, dans les pays arabes, mais aussi dans tous les pays "émergents" où européens et américains, attirés par des promesses de soleil, de rencontres et de farniente pour pas cher, affluent en masse.

Cela commence par une accroche en grosses lettres sur la vitrine d’une agence de tourisme parisienne : « La terre moins chère », par ce décor kitsch de « souvenirs de vacances », bocaux remplis de sables de toutes les plages du monde, étiquettés des noms des pays où chaque sable a été récolté.
« La terre moins chère » : les chiffres de l’Organisation Mondiale du Tourisme dévoilent que, malgré la crainte du terrorisme, aiguisée depuis les attentats en Egypte et le 11 Septembre, les catastrophes naturelles et les alertes sanitaires, le tourisme de masse notamment vers l’Afrique du Nord , ne cesse de progresser. C’est que pour remplir les hôtels vidés par la peur de ne pas en revenir, les prix des voyages se sont effondrés, ouvrant à ceux à qui cela était inaccessible un espace de consommation nouveau. Cet homme nageant dans cette luxueuse piscine pourrait-il seulement accéder au bar d’un tel hôtel en France ? Ici le touriste veut tout : l’illusion de richesse, de sécurité –ce pour quoi il ne sort pas de l’hôtel-, de folklore, avec une volonté d’insouciance confinant à l’aveuglement.
Ce touriste-là déplace avec lui son pan de monde, son territoire, sans jamais le confronter à la réalité, à l’étrangeté d’un autre monde, n’a que faire de la rencontre des altérités : pas besoin, pas envie, il est là pour se reposer, pour dépenser, pour jouir sans entraves idéologiques de sa liberté, loin des soucis et du sérieux de « son » monde « réel ». Il s’agit, écrit Yves Michaud, d’une « liberté négative où il cherche à se débarrasser du quotidien, de la routine, des obligations, sans échapper pour autant, bien au contraire, aux déterminations du plaisir, (…) aux charmes du stéréotype et du cliché. Le touriste réclame l’immunité : il ne devrait être victime ni des voyous, ni des terroristes, pas même des raz-de-marée et des catastrophes naturelles. »*

La terre moins chère pose un regard critique sur les ambiguités de ce tourisme nourri au post-colonialisme. Si d’un côté on vient avec ses devises acheter à bas prix un peu de rêve formaté, de l’autre, l’économie commande de jouer pour le touriste les scènes attendues, non sans un certain cynisme. Du bazar traditionnel déplacé au cœur de l’hôtel à la chanteuse folklorique au buffet exotique du soir, tout est fait pour qu’il amasse ce qu’il faut de lieux communs, et en revienne la tête pleine d’images conçues tout exprès pour ses yeux, sans avoir rien vu.

 « Quand je serai grand je veux être touriste » dit un jeune écolier de Serrekunda en Gambie. Etre touriste, pour Fatou, c’est pouvoir se déplacer sur terre sans visa ni frontières. Telles sont les relations ambigües entre tourisme et immigration : même charters, mêmes destinations, mais dans un tout autre sens. Si pour quelques uns la migration représente un pouvoir sur le temps et l’espace, une liberté de vivre, de travailler, de se distraire, de rêver ailleurs, elle est pour des milliers d’autres un rêve impossible ou un arrachement.

 * Yves Michaud, préface au catalogue de l’exposition « L’œil du touriste », Galeries Patricia Dorfmann, Frédéric Giroux et Alain le Gaillard, Commissariat : Jeanne Truong, Paris, 2005

Artiste à la reconnaissance internationale, mounir fatmi passe son enfance dans le marché aux puces de Casabarata, un des quartiers le plus pauvres de la ville de Tanger où sa mère vendait des vêtements pour enfants. Un environnement qui multiplie jusqu’à l’excès les déchets et les objets de consommation en fin de vie. L’artiste voit par la suite cette enfance comme sa première éducation artistique et compare ce marché aux puces à un musée en ruine. Cette vision a également valeur de métaphore et exprime les aspects essentiels de son travail. Influencé par l’idée de médias morts et l’effondrement de la civilisation industrielle et consumériste, il développe une réflexion sur le statut de l’œuvre d’art entre Archive et Archéologie. Il utilise des matériaux obsolètes tels que les câbles d’antenne, les anciennes machines à écrire, ou les cassettes VHS, et travaille sur la notion d’une archéologie expérimentale en examinant le rôle de l’artiste au sein d’une société en crise. Ses vidéos, installations, peintures ou sculptures mettent au jour nos ambiguïtés, nos doutes, nos peurs, nos désirs.

Né en 1970 à Tanger ( Maroc), mounir fatmi vit et travaille entre Paris, Majorque et Tanger.

On peut retrouver ce texte, ainsi que d'autres que j'ai pu rédiger au fil des ans, sur le site de l'artiste:

Merci à mounir fatmi pour son indéfectible confiance au cours de ces nombreuses années!:)

Du bleu, du bleu, du bleu, donc...couleur de l'abstraction mais aussi du ciel et de la mer, réunis ici dans cette deuxième oeuvre de Marco Godinho présentée dans l'exposition. On y retrouve cette simplicité radicale et efficace du geste et de l'esthétique propre à son travail. De loin, on dirait un monochrome, 12 carrés bleus... On se rapproche et on découvre, sous les nuances outremer, des paysages paradisiaques, dont la vision est patiemment mais sûrement oblitérée... A la fois masquant le rêve et le révélant, d'une certaine manière. Un rêve banal de sable fin et de palmier, un rêve de calendrier qu'on accroche au mur de la cuisine, comptant les jours qui séparent de la plage, un rêve de touriste en mal de cliché de paradis et d'été permanent...

Marco GODINHO

Summer Dreams (Hidden) #1-12 - Stylo BIC bleu sur calendrier (Summer Dreams Art & Image Grid Calendar 2012) - 30 x 30 cm chacun – 2012 – Courtesy l'artiste

Douze images banales et artificielles d’un calendrier intitulé « Summer Dreams, 2012 » servent ici à questionner les failles et les désirs échoués d’une société contemporaine en quête permanente d’Eldorado. Chaque mois du calendrier est associé à l’image d’un endroit idyllique et vante le rêve – et l’espoir – d’une destination paradisiaque à tout moment de l’année. L’artiste accentue l’idée de ce mirage, de cette illusion en recouvrant l’ensemble des images au stylo à bille bleu, jusqu’au point limite de rupture du papier. Cette « dissimilation » agit à la fois comme une sorte de filtre, une mise à distance, et en même temps ouvre la voie à tous les imaginaires et à toutes les géographies possibles. 

En quête permanente de nouveaux horizons, Marco Godinho est un explorateur du monde, de ses marges et de ses seuils – géographiques, politiques et philosophiques – dans lesquels lui-même évolue. La mer, les migrations, le déplacement, la vie nomade, sont au cœur de son travail, qui déploie un univers singulier et poétique sur la subjectivité de notre espérience du temps et de l'espace. Il aborde avec sensibilité une pratique post-conceptuelle, les questions d’exil, de mémoire et de géographie inspirées par sa propre expérience de vie nomade, suspendue entre différentes langues et cultures et nourrie par la littérature et la poésie. À partir d’installations et de vidéos, en passant par ses écrits et œuvres collaboratives, son travail forme une carte d’un monde façonné par des expériences personnelles et le multiculturalisme.

Son travail est montré partout dans le monde et il a représenté le Luxembourg à la dernière Biennale de Venise.

Né à Salvaterra de Magos (Portugal) en 1978, il vit et travaille entre Luxembourg et Paris.

La proximité de Mitry Mory avec l'aéroport de Roissy m'avait motivée à proposer ici cette exposition, sachant que près de 1500 avions passent chaque jour devant les fenêtres de l'espace d'art. Parfois, malgré les doubles-vitrages, on entend distinctement la poussée des réacteurs des avions qui décollent...C'est pourquoi il me paraissait indispensable d'évoquer l'activité aéroportuaire dans l'exposition.

Cette oeuvre d'Arnanud Cohen était à ce titre intéressante par sa pluralité sémantique, qui s'enrichit indéniablement d'un sens nouveau au regard de ce que nous vivons...Cet avion vide, l'étrangeté de l'atmosphère - cette lumière verte- et ce "machin rose" comme un blob envahissant dont on ne sait que faire... et la sensation de menace, figurée par ce bras armé, prennent aujoud'hui un autre sens encore...

Arnaud COHEN

Bird of pray ( Travelling with the inner enemy) – Aluminium, fibre de verre, résine, plastique, lumière LED – 25 x 127 x 27 cm – 2013 – Courtesy l'artiste

Oeuvre à double détente, « Bird of pray » se présente d'abord comme la maquette d'un intérieur d'avion : bienvenue à bord ! Mais, contournant la carlingue vers son nez, on se retrouve face à un bras armé qui pointe, menaçant.

Polysémique, comme souvent les oeuvres de Cohen, on ne sait s'il s'agit là d'une évocation de la peur du terrorisme – lorsque chaque passager devient potentiellement pour les autorités comme pour soi, un possible kamikaze-, ou de cette dissonance cognitive entre injonction à voyager, de plus en plus pour de moins en moins cher, et culpabilité. Aujourd'hui, en montant dans un avion, on emporte avec soi non seulement sa paranoïa mais aussi sa flygskam, mot suédois désignant «la honte de prendre l'avion». Nul ne peut ignorer l'impact climatique de l'aviation de masse, mais peu, parmi ceux qui ont les moyens de se payer un billet, sont capables de se priver de ce plaisir coupable. Pour le citoyen « responsable », l’avion fait partie de ces petits arrangements avec la conscience écologique. Pourtant, s'offrir des voyages en avion et proclamer en même temps vouloir préserver la planète, nous sommes sommés de choisir, sous la menace de notre bilan carbone.

L'oeuvre d'Arnaud Cohen aborde le sujet de la responsabilité individuelle dans l'édification de destins collectifs. Il puise ses références autant dans les pratiques situationnistes que dans les mythes et allégories. Sa pratique, relevant souvent de l'appropriation, le porte vers des formes sociales et esthétiques diverses, depuis des objets identifiés tels que sculptures ou installations jusqu'à des « objets » plus iconoclastes, comme une fondation, une piste de danse ou une émission de télé-réalité. Son travail, entre Histoire et fiction, est régulièrement présenté dans des évènements internationaux, telles que les Biennales de Dakar, de Venise, d'Amérique du Sud, du Caire, et en France, au Palais de Tokyo, au Mémorial de la Shoah, en résidence au Musée de la Chasse et de la Nature. Son travail a fait l'objet de plusieurs expositions personnelles, notamment au Musée Synodal de Sens, à Berlin, à Cologne, et cette année, au Musée National d'Art Contemporain de Bucarest ainsi qu'à la biennale de Kampala.

Né en 1968, Arnaud Cohen vit et travaille entre Paris et son île-usine-atelier du Poitou.

Dans le cadre de l'exposition "Pavillon de l'Exil", co-curaté avec mounir fatmi pour l'Institut français de Saint-Louis au Sénégal ( pour la Biennale de Dakar), nous avions montré pour la première fois en 2018 deux chemises Touriste, issue de la réédition organisée par Michèle Didier en 2015. Ces deux chemises, installées à l'étage de la Galerie du Fleuve, comme deux touristes au bastingage d'un navire de croisière, rappelaient la douloureuse rencontre du tourisme et de la migration, dans cet espace qui, ouvert sur le fleuve Sénégal, semblait un perpétuel appel au départ, de la tragédie au loisir. Cet aspect, essentiel, se retrouve ailleurs dans l'exposition Touriste!, et sera développé plus avant dans le second volet. 

Revoilà donc la chemise Touriste, dans un autre contexte. J'avais très envie d'approfondir sur le travail d'UNTEL autour des performances Touriste, datant de 1978, à la fois "vintage" et d'une incroyable modernité.

Dans le cadre de l'exposition, l'idée a été de suggérer une sorte de "boutique", ou de comptoir d'aéroport, dans lequel on trouverait de quoi se transformer en touriste avant de prendre l'avion: badges, autocollants à coller sur ses valises, passeports de touriste, etc...ainsi que bien sûr les fameuses chemises, et une sélection de photographies issues de la documentation d'UNTEL à propos de la performance de Cahors et du défilé dans la Grande Galerie du Louvre.

Je voulais ici particulièrement remercier Philippe Cazal pour avoir suggéré et permis l'utilisation de cette superbe photo pour l'affiche et l'invitation de Touriste!

Ce fut une belle aventure qui m'a permis aussi de découvrir de manière plus approfondie le travail historique d'UNTEL et de rencontrer Jean-Paul Albinet et Alain Snyers. Merci à eux pour leur enthousiasme!

UNTEL (Albinet / Cazal / Rouff, pour la performance « Touriste » - Albinet/ Cazal/ Snyers, pour UNTEL)

Untel, la chemise Touriste- Deux chemises homme / femme - Polycoton blanc sérigraphié quadrichromie – Ré-édition 2015 – © UNTEL et mfc- michèle didier – Collection particulière

Untel, la pochette Touriste – 6 Séries d'éléments sous pochette plastique: un dépliant, un passeport, un badge, un magnet, 4 autocollants – Dimensions variables – 2015- © UNTEL et mfc- michèle didier

Les artistes se rêvent souvent en voyageurs, sans doute sont-ils le plus souvent touristes, eux aussi. Certains, comme les artistes d'UNTEL, choisissent de revêtir (au sens propre) le costume du touriste et d'en faire matière à performance.

Dans la première salle de l'exposition est présenté un ensemble d'objets et de documents, sous la forme d' un comptoir de vente qui pourrait prendre place dans un terminal d'aéroport, permettant d'acquérir tout ce qu'il faut pour se préparer à être « touriste », avant de prendre l'avion : passeports, vêtements adéquats, et signes de reconnaissance. Tous ces objets ont été imaginés par Untel, un collectif de trois artistes qui furent actifs entre 1975 et 1980.

En juin 1978, UNTEL réalise une performance intitulée "Touriste". Elle consistait à déambuler dans les rues de Cahors et à se faire prendre en photo en duo par un passant, cette action étant simultanément photographiée par le troisième membre du trio. Chacun était vêtu d’une veste et d'un pantalon de peintre en bâtiment blanc, tee- shirt blanc, intégralement sérigraphiés du mot TOURISTE. « Le lettrage et la disposition fait penser à ces anciennes valises, recouvertes d’étiquettes au nom des destinations parcourues – Shangaï, Berlin, Las Vegas, London…- Mais, là où la valise bruisse de noms multiples et exotiques, le statut imprimé sur le costume est, lui, obstinément répété – Touriste, Touriste, Touriste – comme une identité à laquelle il serait impossible d’échapper.» (N. Léger).

Puis, le 16 octobre 1978, lors de leur performance FASHION SHOW, dans la Grande Galerie du Louvre, UNTEL défile, présentant sa collection TOURISTE, détournant un temps le public des chefs d'oeuvre de l'Histoire de l'art.

En 2015, l'exposition «L'art d'être touriste» réactive la performance et donnant lieu à la production des objets et vêtements présentés ici.

Depuis 1978, le contexte a changé mais les propositions radicales d'UNTEL interrogeant l'acte consumériste restent d'une grande actualité. Les enjeux complexes de l'industrie du tourisme sont devenus cruciaux, et le monde de l'art contemporain n'y échappe pas, transhumant de foires en biennales.

UNTEL TOURISTE avec la participation de Wilfrid Rouff – Paris, Octobre 1978

Fashion Show, 1978 - Présentation et commentaire à haute voix de la Collection Touriste - Performance, Grande galerie, Musée du Louvre, Paris

En avant-première / UNTEL présente aujourd’hui / dans la grande galerie du musée du Louvre / sa collection très colorée / « TOURISTE » / JEAN-PAUL / N°1 / veste blanche / pantalon ajusté blanc / au motif répétitif / au graphisme étudié / maillot de corps cerise / encolure ras du cou / harmonisé au costume / N°2 / PHILIPPE / porte un ensemble neige / très confortable / imprimé de couleurs vives et dynamiques / veste décontractée / boutonnée sur le devant / pantalon droit / T-shirt, coloris abricot / Le 3 / WILFRID / a revêtu un complet white tout simple / veste aux poches surpiquées / pantalon sport / polo 100% coton / manches courtes / impression polychrome / le tout reste très original et jeune / À la ville comme en week-end / ces tenues très légères / à porter en toutes circonstances / restent néanmoins très classiques / Les badges et accessoires / sont aussi une création UNTEL.

UNTEL est un groupe d’artistes constitué de Jean-Paul Albinet, Philippe Cazal et Alain Snyers qui, de 1975 à 1980, donnèrent vie à de nombreuses actions dans l’espace public. L’investigation d'un quotidien moderne et urbain – une investigation critique, très imprégnée de mai 68 et de la pensée situationniste- constitue l'essence de ces actions et positionne historiquement UNTEL comme post-Fluxus. Mettant en évidence, avec une douce ironie, la banalité et l’insignifiance de ce qui constitue notre quotidien dans ses contradictions et ses aliénations, UNTEL utilise tous les supports et modes d’expression: photographies, films, enregistrements sonores, environnements, gestes, actions corporelles, objets fabriqués, etc. systématiquement documentés et pouvant être réactivés. Ainsi, «La ville 365 jours par an» collecte photographiquement des (non) évènements quotidiens tandis que «Faits divers» documente les actions du groupe. En 1975, au Grand Palais, ils rejouent le «Déjeuner sur l'herbe». En 1977, «Vie quotidienne», au musée d’art moderne de la Ville de Paris, présente 2500 objets du quotidien (journaux, tracts, objets trouvés dans la rue), conditionnés sous vide, à la manière d'un supermarché. Dans «Plus rien à vendre, tout à échanger», ce sont des centaines de déchets qui sont plastifiés et exposés sur un étal du marché de Chalon-sur-Saône. Le groupe se dissout en 1981, apposant pour l'occasion une plaque «commémorative» au Jardin des poètes à Paris.

3ème oeuvre évoquant la cartographie comme point de départ du "rêve de partir", cet Atlas dessiné de Bogdan Pavlovic aborde de manière très personnelle l'infinie diversité du monde.

En accord avec l'artiste, nous avions envie que le public puisse tourner les pages de cet Atlas , plutôt que de le tenir "confiné" dans une vitrine..d'où les gants blancs!

Puis, se dessinait l'idée, avec la découverte d'un continent inconnu, "l'astralia", d'un "tourisme" nouveau, d'un tourisme de l'avenir peut-être: puisque le monde terrestre est à peu près entièrement dévoilé et potentiellement objet de tour operators, il nous reste les abysses et l'espace...

Bogdan PAVLOVIC

Another Country Project- Atlas – Dessins, techniques mixtes sur atlas – 40 x 28 x 3 cm – 2018 – Courtesy l'artiste

Qui n'a jamais rêvé devant les pages ouvertes d'un Atlas de contrées lointaines, de paysages merveilleux, d'espaces inconnus? Rien de plus propice à nos imaginaires touristiques que ces cartes du monde et souvent, nos envies de voyage commencent là. Avec « Another country project- Atlas », Bogdan Pavlovic explore la cartographie de son propre imaginaire, en recouvrant les pages d'un Atlas de dessins, représentations diverses, scènes, animaux, personnages, comme une multiplicité de points de vue sur un monde à la fois limité dans son espace et infini par ses représentations et ses possibles. Puis au fil des pages, les espaces imaginaires, entre ciel et terre, prennent le pas sur une cartographie réelle. Avec « Astralia », l'artiste redessine la carte d'un monde nouveau, d'un autre monde encore à explorer, qui, dans le même temps, n'est pas sans faire penser à l'Ile d'Utopie, que Thomas More dessina au XVIè siècle.

Bogdan Pavlovic est un artiste pluridisciplinaire travaillant le dessin, la peinture et le collage, ainsi que la photographie, l'animation vidéo et l'installation. Depuis 2008, il utilise un type de moquette spécifique comme support pour la réalisation de plusieurs séries de peintures. Le noir & blanc, et le rouge, omniprésent dans ses oeuvres, sont des éléments récurrents de son langage. A travers ses créations, de manière expressive et simple, Bogdan Pavlovic fait la connexion entre l'universel et le personnel, le documentaire et l'imaginaire.

Ses œuvres font partie de nombreuses collections publiques notamment en France et en Serbie. Né en 1969 à Belgrade, en Serbie, diplômé de l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts (ENSBA) de Paris en 1997, Bogdan Pavlovic vit et travaille à Paris.