Tout vient à point à qui sait attendre, dit-on , je crois! Et en ces temps de...confinement...recevoir les éditions numériques des trois éditions des trois escales du Pavillon de l'Exil (Paris (2016), Marseille (2017), et bien sûr Saint-Louis (2018)) est un plaisir!

On y retrouvera certains de mes textes, et puis une vision, un panorama, de la belle escale de Saint-Louis que j'ai eu le plaisir de curater avec mounir fatmi. 

Disponible sur Amazon / Kindle

PAvillon de l'Exil 01 - Paris

Pavillon de l'Exil 02 - Marseille

Pavillon de l'Exil 03 - Saint-Louis

Dans l'attente de prochaines aventures et éditions, que la pandémie aura infléchi d'une manière ou d'une autre...

Au travers de la fenêtre, dans le ciel mytrien, il ne reste plus à voir aujourd'hui...que les deux avions rutilants et kamikazes d'Arnaud Cohen. Les autres, ceux du Roissy tout proche et qui, à leur façon, faisaient partie de mon décor, s'en sont retournés au sol sagement alignés sur le tarmac, cloués à la piste par un machin rouge aussi, et rond, et si minuscule...David contre Goliath, et Goliath qui ouvrirait un bar à Kérozène avec happy hour 24/24 -il ne sait plus quoi en faire-

Dans l'oeuvre de Cohen, le Goliath, c'était la collusion de ces deux puissances monstrueuses, le Coca et le tourisme mondial, dans un baiser de la mort fascinant et beau comme un Jeff Koons (private joke)

Arnaud COHEN

The Kiss – Red Kiss ( Down with the Pop Art Series) – Tirage 8 + 4 EA – Fibre de verre, résine, laque, vernis epoxy – Hauteur 60 cm – 2008 – Courtesy l'artiste

Dans une rutilante association, tel un baiser de la mort, deux avions semblent fondre sur une bouteille de Coca-Cola®, liant dans le même mouvement un monstre économique made in usa et l'évocation d'une attaque terroriste – celle du 11.09.01- dont tout le monde a encore la mémoire : le choc de deux images, celle d'une économie triomphante brutalement mise en opposition par une idéologie non moins mortifère, le clash violent de deux mondes, de deux manières de voir le monde et de partir à sa conquête.

Au-delà de cette interprétation, l'oeuvre, qui se veut polysémique, peut aussi être comprise, aujourd'hui surtout, sous d'autres prismes. Celui, par exemple, de l'écologie. S'il ne faut désormais « plus que » 2,5 litres d'eau pour produire 1 litre de cette boisson gazeuse, Coca-Cola prélève chaque jour 750 000 litres d'eau dans la nappe phréatique de San Cristobal, au Mexique, asséchant toute une région pour inonder le marché américain...Et combien de litres de Kérozène faut-il pour étancher la soif d'un des ces 1500 avions passant chaque jour dans le ciel mitryen?

Ce « Red kiss » scelle ainsi le mariage de deux icônes de la globalisation : celle de la marchandise, et celle des corps consommants avec l'avion de tourisme.

L'artiste s'amuse d'ailleurs à rappeler que, dans de nombreux guides touristiques, le Coca-Cola®, que l'on trouve absolument partout dans le monde, est la seule boisson recommandée aux touristes, et le meilleur remède contre ... la tourista! 

L'oeuvre d'Arnaud Cohen aborde le sujet de la responsabilité individuelle dans l'édification de destins collectifs. Il puise ses références autant dans les pratiques situationnistes que dans les mythes et allégories. Sa pratique, relevant souvent de l'appropriation, le porte vers des formes sociales et esthétiques diverses, depuis des objets identifiés tels que sculptures ou installations jusqu'à des « objets » plus iconoclastes, comme une fondation, une piste de danse ou une émission de télé-réalité. Son travail, entre Histoire et fiction, est régulièrement présenté dans des évènements internationaux, telles que les Biennales de Dakar, de Venise, d'Amérique du Sud, du Caire, et en France, au Palais de Tokyo, au Mémorial de la Shoah, en résidence au Musée de la Chasse et de la Nature. Son travail a fait l'objet de plusieurs expositions personnelles, notamment au Musée Synodal de Sens, à Berlin, à Cologne, et cette année, au Musée National d'Art Contemporain de Bucarest ainsi qu'à la biennale de Kampala.

Né en 1968, Arnaud Cohen vit et travaille entre Paris et son île-usine-atelier du Poitou.

Je collabore étroitement avec Sadek Rahim depuis plusieurs années maintenant, toujours avec passion et enthousiasme; et je fus avec fierté commissaire de sa grande exposition monographique "Gravity3" au MAMO d'Oran, première exposition de cette envergure d'art contemporain d'un artiste vivant en Algérie, première exposition post-Bouteflika aussi...Une exposition qui réunit de nombreux superlatifs et de "première fois" dans l'Histoire, et sur laquelle nous travaillons encore puisque nous sommes actuellement en train de préparer un ouvrage et espérons pouvoir faire tourner tout ou partie de l'exposition dans le monde.

Parmi les nombreuses oeuvres produites pour l'exposition, il ya eu cette oeuvre - une parmi d'autres - qui était présentée au MAMO sous une vitrine en forme de "cabinet de curiosité"

Dans ce "cabinet de curiosités", se trouvaient divers objets, expérimentations, matières..j'écrivais , pour le cartel: "(...)des « Artificialia », objets repris ou créés par l'artiste rappelant son univers esthétique : petites pièces mécaniques, fragments, poussières ou fibres de tapis, cubes de béton ou de graphite...Tous revêtent un sens pour l'artiste, faisant écho à des gestes du quotidien ou des objets familiers, tels que le tapis, présent dans tous les intérieurs, ou le cube de béton, que l'on voit sur les ports ...Un abrégé de l'univers de l'artiste, son monde en miniature, en quelque sorte."

Il y avait donc cette dimension d'objet curieux, à laquelle s'ajoutait celle de l'usage inédit de la fibre de tapis, désagrégé et reformé,  de l'expérimentation sculpturale, et du résultat - un objet fragile, semblant au bord de la désintégration...

Et puis cette petite sculpture de la statue de la Liberté, ô combien symbole, a commencé à faire parler d'elle: on l'a vue à New-York, à la Wallach Gallery, on la verra à Marseille peut-être après le déconfinement, elle a fait la Une du magazine Artaïs, la voici dans Touriste! Sa préciosité, son apparente fagilité ne dissimulent pas la richesse de ses significations. Une très belle oeuvre qui, colosse de poussière ou presque, peut aussi se voir aujourd'hui comme le présage de la fragilité extrême du monde occidental et en particulier des Etats-Unis, dont la pandémie a révélé de manière radicale l'immense précarité économique du plus grand nombre.

Sadek RAHIM

Liberty enlightening the world – Fibres de tapis – 7 x 7 x 29 cm – 2019 – Courtesy de l'artiste

Auscultant l'Histoire de l'Algérie, ses richesses et ses renoncements, ses illusions, ses drames et aujourd'hui, plus que jamais, ses espoirs, dans des œuvres profondément inspirées par les matériaux et les formes iconographiques liés à la culture algérienne, Sadek Rahim traite de manière sensible et critique des problématiques de la jeunesse algérienne, des relations complexes entre Orient et Occident, du déracinement, du désir d'exil, et de l'illusion de l'eldorado.

Cette Statue de la Liberté, dont le véritable nom est «Liberté éclairant le monde» représente pour de nombreux candidats à l'exil, le symbole d'un autre monde, celui de la liberté, mais aussi d'un Eldorado qui pour l'artiste n'est souvent qu'un mythe et une illusion.

Cette sculpture dont on pressent d'emblée la fragilité est réalisée avec des fibres de tapis. Elément domestique commun à tous les intérieurs algériens, le tapis cristallise, matérialise, l'idée du départ au travers du mythe de la lévitation qui lui est attaché, le tapis « volant » étant l'objet qui permet littéralement, de s'arracher à la pesanteur, de voler vers une destination meilleure. Chez Sadek Rahim, l'utilisation du tapis comme moyen plastique récurrent est une manière de « mettre en échec le mythe du tapis volant comme métaphore de l'échec du mythe de l'eldorado ». Il y fait appel de multiples manières, même les plus inattendues. Ici, il est effilé, désagrégé et sa fibre devient comme une nouvelle matière avec laquelle jouer. De simples particules provenant d'un objet familier, les fibres de tapis se resolidarisent en sculpture précieuse et fragile et se font symboles de l' « autre monde », celui du rêve, du fameux « Eldorado » que peuvent constituer, aux yeux d'un jeune algérien, New York ou Paris. Ici donc, l'espoir et le rêve d'exil se substituent au cliché touristique. Symboles de la liberté, la statue de Bartholdi au large de Manhattan, ou sur l'Ile aux Cygnes, à Paris, non loin de la Tour Eiffel, autre symbole puissant, paraissent pourtant ici bien précaires et les rêves, comme les mythes, se désagrègent peu à peu...

Sadek Rahim est un artiste pluridisciplinaire, faisant appel au dessin, à la peinture, à la sculpture, à l'installation, la photographie ou la vidéo au gré de ses projets. Dans les années 90, il voyage en Syrie et en Jordanie, avant d'entamer des études à l’école des Beaux-Arts de Beyrouth (Liban), puis à la prestigieuse Saint Martin’s School of Arts and Design of London. Depuis 2004, il vit et travaille en Algérie, tout en développant une carrière internationale. Son travail, dans lequel il prend des positions affirmées sur la situation économique, culturelle et politique de l'Algérie et de la jeunesse algérienne, explore les questions universelles du « chez soi » et de la migration, de l'appartenance et de l'exil, de l'ailleurs et de l'espoir. Il expose partout dans le monde, à Dubaï, en France, en Corée, au Canada mais aussi en Espagne, en Argentine, en Allemagne, au Liban, en Slovaquie, en Tunisie, au Maroc, au Sénégal, aux Etats-Unis. Une exposition personnelle d'envergure, la première exposition de ce type en Algérie, lui a été consacrée en 2019 au Musée d'Art Moderne et Contemporain d'Oran, sa ville natale.

Actif dans le développement des Arts Visuels en Algérie, Sadek Rahim est co-fondateur de la Biennale Méditerranéenne d'Art Contemporain d’Oran et du premier Salon de Dessin Contemporain d’Oran en Algérie, en collaboration avec l’association Civ-Oeil.

Il vit et travaille à Oran, en Algérie, où il est né, en 1970.

En 2015, la galerie honk-hongaise 10 Chancery Lane Gallery montre "Tropicana migration", un grand solo show de l'artiste vietnamien Dinh Q Lê, dénonçant le post-colonialisme du tourisme de masse au Vietnam ainsi que, dans une remarquable vidéo intitulée "Glitter's Paradise", le tourisme sexuel. Ce corpus d'oeuvres m'a particulièrement intéressée et je fus ravie que Dinh Q Lê nous permette de reproduire deux oeuvres de cette série. Le discours de l'artiste qui accompagne les oeuvres est particulièrement édifiant, et rend compte de la manière dont le tourisme comme industrie et économie, et en particulier le "tourisme de jouissance" donc, se faufile dans les mailles de l'Histoire et poursuit une histoire de la soumission augurée de longue date.

Dinh Q LÊ

Girls laying Punji stake booby trapped, Furama resort-Da Nang – Tropicana Migration Series – Photographie - 50 × 67 cm – 2015 – Courtesy l'artiste et 10 Chancery Lane Gallery, Hong Kong

We Were Once Warriors, Fusion Maia Resort - Da Nang – Tropicana Migration Series - Photographie – 50 x 67 cm- 2015 – Courtesy l'artiste et 10 Chancery Lane Gallery, Hong Kong

Ces deux photographies de l'artiste vietnamien Dinh Q. Lê explore les ambiguités du tourisme au Vietnam. Bien sûr, le tourisme est une manne économique importante pour le pays, mais, selon lui, cette industrie continue de nourrir une attitude post-coloniale occidentale. Ses collages photographiques, juxtaposant des photographies d'archives de la guerre à des photos prises sur les websites des «resorts» de luxe occupant maintenant les plages vietnamiennes, invitent à questionner ces ambivalences. Il analyse une situation de collusion à la fois cynique et absurde entre l'histoire dramatique du pays, durablement marqué par près de vingt ans de guerre, et l'activité touristique. Il raconte: «En voyageant vers le sud, les visiteurs peuvent visiter l'ancienne zone démilitarisée et Danang où l'on peut se faire dorloter dans les nombreuses stations balnéaires cinq étoiles le long de «China Beach», qui abritait autrefois la base aérienne militaire américaine la plus occupée pendant la brutale guerre du Vietnam. C'est là que les soldats américains ont bombardé le nord du Vietnam le matin et pouvaient encore se rendre à la plage pour se faire bronzer l'après-midi. Les touristes peuvent continuer encore plus au sud pour visiter le village Son My, également connu sous le nom de My Lai, où 400 femmes et enfants ont été massacrés le 16 mars 1968, puis visiter les belles plages là-bas et déguster des fruits de mer frais et bon marché. Enfin, atteindre Ho Chi Minh-Ville, connue localement sous le nom de Saigon (une forme de résistance des Vietnamiens locaux), où la nourriture est divine et où le commerce du sexe florissant est prêt à répondre à tous vos besoins à un prix raisonnable.»

Cette «migration tropicale» occidentale vers des pays émergents comme le Vietnam l'interrogent tout autant sur le sens de ce tourisme de masse que sur la responsabilité des autorités locales, dans une perspective de profit des deux côtés : le touriste profite du faible niveau de vie des habitants, l'économie vietnamienne a besoin de ces dollars, et est prête à beaucoup de concessions pour cela, y compris le tourisme sexuel et pédocriminel qui y sévit depuis de nombreuses années.

Né en 1968 à Hà Tiên, au Vietnam, Dinh Q. Lê a émigré aux Etats-Unis, où il est diplômé de School of Visual Arts de New-York, avant de retourner y vivre. Son travail explore les thèmes majeurs de la guerre, du colonialisme, et des effets du tourisme. Il est connu pour ses tissages photo emblématiques, qui intègrent des images d'instantanés touristiques somptueux et des images de la guerre du Vietnam, soulignant le contraste entre les deux époques, dans les mêmes lieux. Les photographies tissées sont le résultat d'une technique de tissage de tapis d'herbe traditionnelle. Reconnu internationalement, son travail est montré dans de nombreuses institutions prestigieuses (MOMA de NY, Chicago, Houston..., Mori Museum de Tokyo...) et biennales internationales.

Une oeuvre de Martin Parr, dans une exposition qui parle du tourisme, semble assez incountournable! Après mûre réflexion, j'ai opté, pour ce premier volet de l'exposition (la suite, intitulée "Le Grand Tour", aura lieu à partir de début novembre à H2M, à Bourg-en-Bresse), pour quelque chose de particulier, un objet plutôt qu'une photographie, qui, à mon sens, illustrait la mise en abîme et/ou l'ambiguité du travail de Martin Parr.

Il s'agit d'un produit dérivé, que l'on pouvait trouver à la boutique de l'exposition consacrée à Martin Parr en 2019 à la National Portrait Gallery de Londres, boutique débordante d'objets aussi invraisemblables les uns que les autres, serviettes de plage, tongs, ballons, jeu de jokari imprimés d'une photo de plage, réalisée par Martin Parr, bondée de touristes...Cela fait écho à cette phrase du photographe anglais: "Je suis un touriste comme les autres", qui repose, innocemment, la question de l'artiste voyageur...

Martin PARR

Inflatable beach ball - Ballon gonflable imprimé d'une photographie prise à Grandé Beach, Mar Del Plata, Argentine, en 2014 – Diamètre : 35 cm - 2019 – Produit par the National Portrait Gallery, Londres

L'objet présenté dans l'exposition se veut une sorte de mise en abîme de ce qui nourrit depuis près de trente ans le travail de Martin Parr. Ce ballon de plage, sur lequel est reproduit une photographie prise par l'artiste sur la plage bondée de Grandé Beach en Argentine a été produit à l'occasion de la rétrospective que lui a consacré la National Portrait Gallery de Londres en 2019. «Je suis un touriste comme les autres», dit Martin Parr. Et comme n'importe quel touriste, il ne résiste pas aux objets kitsch et souvenirs artificiels dont l'achat accompagne tout voyage touristique. A la boutique de l'exposition Martin Parr, on achète des tongs, des serviettes de plage et des mugs imprimés de photos de touristes pris dans les filets ironiques de l'artiste. Une mise en abîme vertigineuse qui illustre parfaitement ce consumérisme de masse qu'il étudie dans toutes ses séries. Le musée, l'art, l'exposition, n'échappent pas à cette économie, comme le montrent les boutiques de musées débordantes de produits dérivés parfois aussi incongrus que des bonbons meringués en forme de Joconde ou du bain moussant Van Gogh.

Né en 1952 à Epsom près de Londres, Martin Parr est un photographe anglais, mondialement célèbre pour son approche originale du documentaire proche de l’analyse sociologique. Inspiré par les photographes Bill Brandt et Cartier Bresson, il s'intéresse d'abord au mode de vie de la classe ouvrière anglais pendant la période Thatcher, depuis les stations balnéaires déclinantes aux villes du nord de l’Angleterre postindustrielles. «Les photographes de Magnum partent en croisade photographier la famine et la faim […], en ce qui me concerne je vais au supermarché du coin, c’est ma ligne de front». C’est en voyant les anglais se rendre de plus en plus à l’étranger pour les vacances, grâce aux billets d’avion à bas prix, dans le même temps que se développent les critiques du tourisme de masse, qu’il commence à s'intéresser à ce pan sociologique. Des sites les plus antiques ( le Parthénon, les pyramides d'Egypte) aux plus factices ( Las Vegas, Disneyland), de la tour de Pise au Grand Canyon, des plages artificielles japonaises aux champs de courses de Dubaï, il parcourt le monde pour se faire l'observateur ironique du tourisme de masse, du passage d’une économie industrielle à une société de services surplombée par les produits culturels, les loisirs, le tourisme, la télévision, l’informatique ou encore les centres commerciaux. Pour Martin Parr, «une bonne photo doit être divertissante, pertinente, précieuse d’un point de vue sociologique et historique”. Ses photographies font écho aux imaginaires individuels et collectifs de la condition du touriste contemporain tout comme elles participent de la construction d’une culture visuelle du tourisme mondial. Il pointe les perturbations environnementales et sociales qu’entraînent la pratique massive du tourisme. "Nous devons être conscients des enjeux et conséquences de notre activité touristique ; j’espère, par ces photographies, nourrir la réflexion sur le sujet. "