Les paysages urbains de Gérard Charruau semblent d’emblée s’inscrire dans une forme d’héritage, celui de l’histoire de l’art comme de l’architecture et de l’urbanisme, qui, depuis le 19^e siècle, « au seuil de notre modernité », pour reprendre l’expression de Michel Foucault, a appris à porter le regard au-delà de l’esthétique naturaliste. Si, en inventant ce genre nouveau de paysage, l’artiste moderne témoigne de l’évolution des codes esthétiques, il donne surtout à voir une image de la ville comme un « espace de significations et d’émotions »*, dans une sensibilité nouvelle, et éminemment subjective, à cette forme de beauté, aujourd’hui plus que jamais mutante.

Le travail pictural de Charruau, bien que prenant racine dans ses nombreux voyages autour du monde, n’est donc nullement documentaire, pas davantage que d’ambition encyclopédique. Il ne s’agit pas non plus d’un travail photographique qu’il aurait tout de go transposé en termes picturaux.

Gérard Charruau « fabrique » son paysage, sa vision, dans un geste esthétique de recouvrement subtil, de mise à distance, que constitue ce filtre de papier végétal qu’il maroufle sur ses toiles.  Ce papier que l’artiste se procure en Asie, à l’usage initialement trivial, devient ici le comble du raffinement, créant un trouble comme une brume autour de la vision. Alors cet écran diaphane contribue à suggérer la sensation d’un souvenir, l’impression d’un vécu, une image mémorielle. Ou encore la délicatesse de ces visions estompées active notre imaginaire, cette puissante « fonction de l’irréel », et engendre des rencontres émotionnelles, avec le peintre autant qu’avec le paysage qui se révèle sous nos yeux.

Cette vision se déploie d’abord essentiellement dans le choix d’un judicieux déplacement du point de vue, délaissant celui que nous pourrions avoir lorsque nous nous promenons dans les rues, au ras du trottoir, au mieux le nez en l’air. En optant pour un point de vue panoramique, celui qui embrasse la ville, il rend possible la respiration, la circulation dans la toile tout en suggérant la densité du tissu urbain, laissant la cité se déployer dans ses méandres, ses secrets. Son œil ne se réduit jamais à celui du touriste. Ici, point trop de vue pittoresque (s’il faut rappeler qu’à l’origine, ce terme signifiait précisément « qui mérite d’être peint ») ni d’exotisme, mais la vision d’une ville polymorphe avec ses sédimentations architecturales, ses mutations, son hybridation, ses chaos. Le regard de l’artiste reste un regard énigmatique, à la fois étranger et immergé, qui ne livre rien autre chose que des émotions, le fruit d’une expérience irréductible aux clichés qu’est celle du voyageur, les résidus de ces voyages dont on ne revient jamais tout à fait soi-même.

Artiste et nomade, Gérard Charruau est plus contemporain qu’il ne le croit, dans sa manière presque romantique de nous inviter avec lui à  « se perdre dans la ville », dans la déambulation, l’itinérance, l’étrangeté, la suspension du temps et l’absence d’attente...

Et Le Caire, ce « microcosme du monde », comme la décrivait déjà au 17^e siècle l’explorateur William Lithgow, est sans doute la ville idéale pour exprimer à la fois la complexité des mégapoles contemporaines autant que les paradoxes qui sous-tendent et nourrissent le travail de l’artiste.

L’absence de présence humaine visible constitue une première ambiguïté irriguant ces portraits de ville, qui semble comme vidée de ses habitants. Pourtant, quoi de plus « anthropisé » qu’une ville, matérialisation par excellence du travail, du labeur, de l’activité humaine et de l’ultime transformation du réel à notre image ? Ici, dans ces vues denses et fluides du Caire, l’homme est partout implicite, réalité architecturale évidente, d’abord, réalité invisible, ensuite, mais que l’on devine fourmillante, comme une vibration parcourant la toile.

Puis, quelle ville plus folle, plus énergique, plus babélienne et proliférante, quel maelström plus impressionnant que la plus grande capitale du monde arabe et de l’Afrique? Chantier permanent, Le Caire, dans son immensité tentaculaire, offre son horizon sans fin hérissé de minarets, de paraboles et de constructions précaires comme une ville parallèle débordant de ses toits terrasses jusqu’au-delà des portes du désert. Et pourtant, il se dégage de ces portraits du Caire, comme de toutes les villes dépeintes par Charruau, une sensation de calme et de sérénité, induite, peut-être, par la double distance du papier d’Asie et de la hauteur du point de vue. De là où nous sommes, au-dessus ou au-delà, en surplomb ou en apesanteur,  la cacophonie de la ville semble se faire murmure, lointaine rumeur.

Dans son interprétation picturale, Gérard Charruau introduit une forme d’ordre dans l’apparent désordre du dédale de la ville, tentant d’une certaine manière d’en conjuguer les esthétiques.

Pour l’artiste, Le Caire fait partie de ces îlots d’étrangeté qui survivent, résistent au rétrécissement du monde, à son homogénéisation. C’est l’étrangeté sans exotisme, la distance dans l’immersion, l’âpreté et « une certaine violence », dit-il, entre cosmopolitisme et rapport à l’ailleurs et au lointain.

Les paysages urbains de Gérard Charruau parviennent, comme l’écrit avec justesse Georg Simmel**, à « soustraire au flux chaotique et infini du monde » un morceau de ce monde, pour lui donner en lui-même son sens propre, à en « couper les fils le reliant à l’univers pour mieux les nouer à soi », métamorphosant ainsi le paysage objectif de la ville en un paysage intime.

* Alain Corbin, L’homme dans le paysage – Ed. Textuel- Paris, 2001

**Georg Simmel, « Philosophie du paysage », 1913 -  in La tragédie de la culture – Ed. Rivages, Paris,1988

Préface du catalogue de l'exposition de Gérard Charruau à la Sibman Gallery - 28, Place des Vosges - www.sibmangallery.com

Il y a trois ou quatre ans, l'Hotel de Ville de Paris avait organisé une exposition des photographies parisiennes de Willy Ronis. En hommage à ce grand photographe humaniste, décédé aujourd'hui à la veille d'être centenaire, je réédite le petit article que j'avais rédigé à ce propos pour le site www.vision-photographique.com

"A l'occasion de son 95e anniversaire, Paris rend hommage au plus énamouré de ses photographes, le bel humaniste Willy Ronis.
Humaniste, comme le furent Robert Doisneau ou Edouard Boubat, dans cette manière si singulière, de photographier le " paysage vivant " de la capitale, scènes du quotidien, enfants, lieux avec une sorte de tendresse dépassant du cadre, une complicité indicible, en un mot une empathie pour son sujet telle que tout devient sous son objectif nostalgique et beau. On regarde aujourd'hui ces clichés pas si vieux au fond avec la joie et la tristesse mêlées de contempler un doux monde perdu, même lorsqu'il nous amène aux portes de la modernité, comme au bord du Canal Saint-Martin d'aujourd'hui, où fleure encore une atmosphère désuète…bien que Jouvet et Arletty soient loin et que l'Hôtel du Nord soit devenu un resto branché…
Humaniste aussi parce que sous son objectif se livrèrent des moments de l'histoire en train de se faire et qu'il sut capter avec justesse : le Front Populaire, les défilés du 14 juillet, les grèves chez Citroën, l'insouciance de l'Après-guerre, la fête de l'Huma, le fameux portrait du mineur silicosé…
Humaniste donc par cet amour de la vie et des gens : " Je fonctionne à la vie ", dit-il, " J'aime les gens, j'aime les quartiers où l'on déambule. "

Fils de photographe, Ronis fuit le studio paternel qu'il juge ennuyeux, aspire à la liberté de la lumière du jour et des espaces publics. Arpentant les rues de la ville de tous les possibles, il traque, patient, le moment où les rues se feront tableaux vivants, qu'il immortalisera dans leur mouvement et leur vitalité. Dès les années 30, la Seine rive droite rive gauche, les cafés, les gosses dans les rues, les parisiens au travail, la rue de la Huchette et le jardin du Luxembourg, le quartier Belleville-Ménilmontant -sujet d'un livre devenu culte dans les années 50-, c'est un Paris populaire, un Paris laborieux , celui des gens modestes, des gens de peu, du petit peuple et des petits métiers, comme on disait à une époque, mais sans jamais verser dans le misérabilisme, que nous montre Ronis, comme si la vie en ces temps là était quoiqu'il en soit plus douce…
Mais au-delà de la dimension sociale, les photographies de Ronis révèlent un sens de la composition, une manière de sublimer la beauté et le bonheur diffus de l'instant sans autre artifice que ses somptueux noir et blanc.

Apparemment peu préoccupé de la valeur financière de son œuvre, lui, le fils d'immigrés juifs ukrainien et lituanien, rescapés des pogroms, il choisit de lèguer de son vivant, en 1983, la totalité de son œuvre ! Il ne sera pas dit qu'une oeuvre de Ronis, comme le fameux " Baiser de l'hôtel de ville " de Doisneau se retrouvera au coeur d'une tourmente financière en ternissant l' image…Et bien qu'il ait collaboré à des revues aussi prestigieuses que Life ou Time Magazine, que ses œuvres soient exposées dans les plus importants musées du monde, il restera toujours cet ouvrier modeste de la photographie, aussi humble que le plus humble de ses sujets.
Ce sera un plaisir de l'écouter, tout au long du parcours de l'exposition, raconter ses histoires simples, de suivre avec lui l'histoire d'une vie passionnante, du portrait que son père fit de lui, bébé de huit mois, jusqu'à ce cliché d'un Ronis octogénaire s'initiant au parachutisme !

Pour peu que vous ayez choisi le bon moment pour vous laisser aller à rêver à ce Paris d'antan, le retour à la réalité n'en sera que plus rude : la rue de Rivoli et ses enseignes hurlantes vous donneront envie de fuir ce monde désenchanté . Filez droit vers la Seine et les quais retrouver un peu de ce Paris rêvé comme une histoire d'amour que rien ne pourrait démentir."

 A l'occasion de l'ouverture de l'exposition d'Emmanuel Régent Chez Robert (www.chez-robert.com) demain, dont je suis commissaire invitée, je réédite ici le texte que j'avais écrit en 2006 sur le travail qu'il avait présenté à la Fondation Suisse de la Cité Universitaire

La Fondation Suisse de la Cité Internationale Universitaire, bâtiment classé signé Le Corbusier, reçoit, dans le cadre de ses « Cartes Blanches », les sculptures, peintures et dessins du plasticien Emmanuel Régent. Une rencontre forte et subtile.

Une visite architecturale

Choisir d’aller découvrir le travail contextuel d’Emmanuel Régent, c’est d’abord prendre le temps, en ce printemps tardif, d’une promenade étonnante au cœur d’un ensemble architectural unique à Paris, la Cité Internationale Universitaire. Ici sont érigées, dans un écrin de verdure de plus de trente hectares, trente-sept maisons et résidences universitaires comme beaucoup d’étudiants en rêveraient. Construites entre 1925 et 1969 dans l’esprit d’un rapport d’échanges pacifiés des nations, chacune offre une architecture originale, comme la maison suédoise, réplique d’une demeure bourgeoise typique, celle du Japon, comme une pagode, et parfois impressionnante, à l’image du bâtiment de la fondation belge, la Fondation Biermans Lapôtre. Une véritable ville dans la ville, et un kaléidoscope passionnant des architectures du Xxème siècle.

Parmi elles, la Fondation Suisse, comme d’ailleurs la Maison du Brésil (fruit d’une collaboration avec Lucio Costa), est l’œuvre du suisse Le Corbusier. De taille modeste, et réalisée dans les années 30, on y trouve pourtant déjà tout le vocabulaire de l’homme des Cités Radieuses : simplicité géométrique et courbes organiques, béton brut, pilotis, toits terrasses, plans libres, baies vitrées. Un chef d’œuvre architectural dans lequel sont toujours hébergés, au milieu de pièces de mobilier signés Charlotte Perriand, de chanceux étudiants helvètes, conservant ainsi sa vocation de « machine à habiter ».

C’est donc ici, dans le cadre d’un programme régulier d’évènements culturels parrainés par la Fondation, qu’Emmanuel Régent, jeune artiste plasticien vivant entre Paris et Villefranche-sur-Mer, est venu tenter un dialogue in situ avec l’œuvre forte et « affirmative » du Corbusier.

Une présence discrète

Le travail d’Emmanuel Régent s’inscrit de manière récurrente dans une réflexion poétique sur le visible et l’invisible, l’apparition et la disparition en même temps que sur l’aléatoire et l’indéterminé. Son travail, pouvant convoquer tous les supports, avec une prédilection pour le dessin et la peinture, est souvent contextuel et participatif et toujours sur le fil ténu de la transparence.

Ainsi, en 1999, il réalise « Buées » : des carrés de plexiglas montés sur de fines tiges d’acier. Le spectateur, en soufflant sur le plexiglas (idée qui ne lui vient que par analogie, intuition ou vaguement guidé par l’inscription technique « souffle sur plexiglas ») fait apparaître, plus ou moins visiblement selon les conditions de lumière et de température, forcément contingentes, du moment, des formes géométriques. Révélées par le souffle et s’évanouissant avec lui, carrés, étoiles ou triangles ne se mettaient à exister fugitivement que sous les auspices conjugués de la météo et de l’intervention du visiteur. Et beaucoup, dit l’artiste, passaient à côté de « Buées » sans y voir autre chose que la transparence, non-évènements à la George Brecht.

Ici, au Pavillon Suisse, la discrétion des installation d’Emmanuel Régent, entre art minimal et arte povera, répond en douce à la puissance tutélaire du Corbu. Et c’est d’abord à un jeu de piste que nous convie l’artiste, à la recherche de ces presque-rien qui signent sa présence.

Sur les pilotis extérieurs du bâtiment, trois dessins à la craie blanche sur le béton gris, comme ces croquis d’architectes tracés rapidement « sur le mur de béton brut d’un chantier », s’offrent au regard attentif. Les passants pressés ne les remarqueront peut-être pas, intégrés qu’ils sont au paysage urbain, où les murs, entre tags, graffitis et pochoirs, sont devenus un terrain familier d’expression spontanée. Le promeneur y verra l’œuvre d’un habile dessinateur et l’initié, quelques discrètes références à l’œuvre de l’architecte, comme l’os du chien du troisième pilotis, rappel de la forme organique de ce dernier, si l’on sait que les ossements conservés dans son cabanon de Roquebrune avaient inspirés Le Corbusier pour certains éléments architecturaux. Bientôt, dans quelques jours, quelques semaines tout au plus, les intempéries auront fait leur œuvre et les dessins disparaîtront, absorbés par les éléments.

Dans l’entrée du bâtiment, près des escaliers, deux peintures apparemment monochromes semblent avoir toujours été là. Pourtant, en s’approchant, au gré de la lumière rasante, on devine les traits d’un visage :  il s’agit en fait de portraits, presque imperceptibles sous la dernière couche de couleur en aplat. Ni cartels, ni explications. Cette absence de repères est volontaire : pour l’artiste, l’attention, le questionnement du spectateur, sa patience face au « temps de l’œuvre » importent autant que sa participation à l’émergence de l’œuvre. Seul l’intéressé se reconnaîtra, peut-être : les portraits sont ceux de Thomas Rebutato, artisan niçois reconverti en patron de « l’Etoile de Mer », guinguette contre laquelle s’appuyait le Cabanon, à Roquebrune, et qui se lia d’amitié avec son client Le Corbusier, au début des années 50, à la faveur de son grand projet d’ « Unités de vacances » sur le Littoral méditerranéen. Un hommage très…discret.

Puis, dans le salon courbe, auquel la fresque murale peinte par Le Corbusier en 48, en remplacement du mural photographique détruit pendant la guerre, et le mobilier, signé Le Corbusier et Perriand donnent une atmosphère unique, plusieurs installations s’intègrent presque naturellement dans l’espace. « L’autre jour », sculpture-éventail composée d’un support rotatif de 50 dessins sur un socle en bois, présente des images simples, parfois inachevées, réalisés à partir de photos, d’images captées sur Internet, de croquis nés du quotidien de l’artiste. Parfois, deux dessins en transparence en créent un troisième, ici ou là, se font les liens entre les images, l’architecture, le monde technique et industriel ou le principe de rotation. Une seconde installation du même type, mais sur un support de bois plan, et un hommage à l’architecte et à sa fin tragique – que je laisse au visiteur le soin de découvrir- complètent le dispositif.

Enfin, à l’étage, la « chambre témoin », dont le mobilier d’origine de Charlotte Perriand a (hélas ?) vraisemblablement inspiré des milliers de chambres d’étudiants de part le monde, devient le théâtre de petites apparitions. Ici encore, le parti pris d’intégration maximale de l’artiste au lieu rendent ses interventions anti-spectaculaires. Un caillou recouvert d’aluminium posé sur une étagère réfracte la lumière, chère au maître, pénétrant par la baie vitrée. Une série de peintures-sculptures, plaques de bois laquées de bleus s’empilent sur un élément mural comme des livres d’étudiants. Associées ou dissociées, ces œuvres révèlent ou dispersent leur secret…

Un art « économique », comme aurait dit Corbu, qui, loin des machineries spectaculaires et des images tonitruantes, impose sa présence en douce jusqu’à l’effacement, jusqu’à l’évidence.

Emmanuel Régent au Pavillon Suisse

Jusqu’au 28 mai 2006

Cité International Universitaire

7k, Boulevard Jourdan 75014 Paris

www.fondationsuisse.fr

Exposition organisée par Maribel Nadal Jové

Texte publié sur www.lafactory.com  en 2006

Leo Chiachio et Daniel Giannone : un couple d’artistes argentins explosif et atypique. S’il fallait leur imaginer une filiation, ils pourraient être les enfants improbables de Gilbert et George, croisés avec Pierre et Gilles, dont les aïeux seraient Diego Rivera et Frida Kahlo. Chiachio et Giannone tiennent du duo anglais cette manière de se mettre en scène dans une iconographie incarnée, et du couple français, ce sens du baroque et de l’esthétique populaire. Ces artistes venus de Buenos-Aires ont acquis une grande notoriété en Amérique du Sud et leurs oeuvres brodées ont reçu de nombreux prix. Ces créations, extrêmement sophistiquées et délicates, sont à la fois ancrées dans des pratiques ancestrales et domestiques et, par leur manière sarcastique et kitsch de raconter leur vie, étonnement contemporaines.

Depuis leur rencontre une nuit de 2001, Leo et Daniel ne se sont plus quittés. A l’instar du mythe d’Aristophane, chacun a trouvé en l’autre sa moitié originelle, à tel point qu’ils considèrent leur vie d’avant cette rencontre comme étrangère, comme si leur réelle naissance datait de ce soir-là, il y a huit ans. Leur couple, fusionnel et gémellaire, forme une unité créative, un tout un et unique, une communion puissante qui nourrit leur art entre quotidien et fantaisie absolue.

 
Impossible, sitôt qu’on s’approche du travail de Chiachio et Giannone, de ne pas être saisi par l’époustouflante richesse de leurs tableaux brodés, l’extraordinaire profusion de points et de motifs, la complexité des compositions, le raffinement des fils de coton et de soie multicolores, la diversité des textures, à laquelle s’ajoutent pompons,  applications de tissu,  incrustations...le toute dans une opulence et un souci du détail extrême.

Obsessionnels, ils brodent minutieusement chaque après-midi, de 14h à 21h, tous les deux penchés sur la même pièce de tissu, en écoutant à la radio les telenovelas, partie intégrante de la culture populaire sud-américaine, dont les histoires à l’eau de rose imprègnent de kitsch leur travail. “Il arrive un moment où tout ce qu’il y a autour disparait”, raconte Leo Chiachio, et il ne reste plus que l’aiguille, le fil, Daniel, la radio en fond sonore, durant des heures. Une sorte de prière, un rituel ordonné, un sacrifice joyeux. Sous leurs doigts naissent alors petit à petit les plus somptueuses broderies, contrastant avec la simplicité rude de leur support, des pièces de coton, glanées sur les marchés du monde, récupérées, souvent de simples mouchoirs de toile brute, comme celles, bon marché,  présentées à la School Gallery, utilisées par les classes sociales les plus pauvres et les plus laborieuses. Dans cette réminiscence d’Arte Povera, la toile devient le miroir de leurs fantasmes, de leurs jeux, de leur vie ensemble.

Car Chiachio et Giannone, d’une certaine manière, ont huit ans. L’âge des jeux de rôle et de la comédie. Ils se mettent en scène dans leurs tableaux brodés comme dans des jeux d’enfants : on dirait qu’on serait samouraï, indien guaraní, tigre ou panthère, empereur ou encore on s’amuserait à  être El Pombero, l'esprit de la malice*. Si le jeu est moteur dans leur travail croisé, il apparaît, au-delà de ces enfantillages, une volonté de dissoudre les frontières entre « Arts majeurs » et « Arts mineurs ». Héritiers d’Arts & Crafts, ils mixent les genres, les époques, les histoires, entre art et artisanat, culture et culture populaire, mythes et réalité contemporaine, futilité de la mode et sérieux de l’engagement politique.

Toutes les inspirations sont bonnes à leurs travaux d’aiguilles, qui sont pour eux autant de joyeuses fantaisies, d’une totale liberté. On y trouve pêle-mêle, sans hiérarchie des genres et de manière aléatoire : Madonna, Rufus Wainwright, John Galliano, Grace Jones, l’art guatémaltèque, les ponchos argentins, les estampes japonaises, la vie domestique, les déesses brahmanes, le théâtre Kabuki, les magazines porno gay, Farah Fawcett, la queer culture, Mishima, les soap operas brésiliens, les B-movies, les gossip magazines, American Idol, Vivienne Westwood, Pasolini, Kitano, Bruce LaBruce ou Hiroshige...Toutes les fantaisies sont possibles, rien n’est interdit.

Ce métissage extrême, expliquent les deux artistes, est l’essence même de Buenos Aires, une ville cosmopolite, où se rencontrent des gens et des cultures du monde entier. Ainsi peut-on dire que leur travail parle de chez eux, de Buenos Aires, de l’Amérique du Sud, comme un témoignage de la créolisation du monde, de la réalité contemporaine du « tout-monde », pour reprendre l’expression d’Edouard Glissant.

A la différence de leurs aînés britanniques, et à l’ère du numérique et de la haute technologie appliquée à l’art, Chiachio et Giannone ont choisi les techniques les plus artisanales, la broderie, la céramique, qui demandent un travail manuel, concret, et de la lenteur, de la persévérance. Peintres de formation, ils ont su transposer leur sens de l’image dans le langage de la broderie, activité marginale, à plus d’un titre. La broderie, c’est d’abord cette activité habituellement dévolue aux femmes. Ainsi se rappellent-ils la légende de la reine Mathilde brodant la tapisserie de Bayeux, relatant l’histoire de son époque, ses guerres ses batailles. Ils pensent aussi aux femmes de la région de Mendoza qui brodèrent les drapeaux aux armes du général José de San Martín, qui libéra l’Argentine du joug espagnol au 18^e siècle. Ce sont d’autres batailles que racontent parfois, entre imagerie kitsch et glitter, les broderies de Chiachio et Giannone: dans une sorte de « militantisme de l’aiguille », ils narrent la difficulté d’imposer le raimbow flag dans des pays, dont l’Argentine fait partie, où l’homosexualité est encore taboue, et rendent hommage aux morts du Sida. « Etre ouvertement et visiblement gays », disent-ils, “c’est s’affirmer acteurs du changement, et de l’Histoire.” Ainsi donc en se « soumettant » à cette pratique à la fois féminine et « archaïque » au regard des médiums artistiques contemporains, il choisissent une technique marginale comme un processus de réintégration, dans ce foisonnement de références et d’inspiration, de toutes les marges dans leur diversité culturelle, ethnique, sexuelle ou sociale.

Le monde de Leo Chiachio et Daniel Giannone est un peu fou. Et le portrait de cette folie créatrice ne serait complet si on ne savait qu’en réalité, il existe un troisième membre à ce couple déjà hors du commun. Leo et Daniel ont un fils, Piolín. « Dans nos œuvres », expliquent-ils, « nous parlons de nous-mêmes, nous sommes toujours les uniques protagonistes. Et dans nos vies, il y a Piolín. Nous sommes une famille. » Piolín est un mini daschung, fils-mascotte présent partout sur les toiles. Mais Piolín est plus qu’un animal de compagnie ou qu’un modèle. Piolín a un destin unique car il est devenu, en quelques années, un important collectionneur d’art. Plus de 150 œuvres d’art offertes par des artistes, argentins mais pas seulement, toutes proportionnées à l’animal et en rapport avec Piolín ou son monde. Le plus sérieusement du monde, le chien possède son propre musée, le MUPI - MUSEO PIOLIN et sa collection a déjà été présentée plusieurs fois au public ! Lorsqu’elle est exposée, la collection est montée à hauteur de l’animal et pour l’admirer, il faut donc se mettre à sa hauteur...et changer de point de vue !

Sans aucun doute, Leo Chichio et Daniel Giannone ressuscitent à leur manière le « real maravilloso » cher au surréalisme, offrant à nos regards émerveillés, dans une expression artistique unique et avec un zeste de folie, les images du syncrétisme culturel d’un monde  aujourd’hui nécessairement métissé.

* Dans la mythologie guaraní, et dans les légendes populaires du nord argentin, El Pombero était  considéré comme un génie protecteur des oiseaux de la forêt. Toutefois, le mythe a évolué vers un personnage turbulent, qui met du désordre partout où il passe, et possède d’étranges pouvoirs : se métamorphoser en n’importe quel animal, imiter le chant des oiseaux, devenir invisible, rendre une personne bête, muette ou victime de tremblements, se glisser à travers n´importe quel orifice. Comme Kurupi, un autre personnage de la mythologie guaraní, on dit que le pénis d’ El Pombero est capable de s'étendre en passant sous les portes, les fenêtres et autres ouvertures d'une maison, et ainsi féconder les femmes endormies. Pombero et Kurupi servaient ainsi souvent d’explication aux femmes adultères afin d'éviter la colère de leurs maris, ou pour expliquer des grossesses de célibataires ! Dans le nord de l’Argentine, il est courant de voir des offrandes de tabac à mâcher, de miel ou de bouteilles de canne, laissées près des maisons pour gagner son amitié...