« Balance point »

Le chœur de la Chapelle est entièrement occupé par « Balance Point », une œuvre sculpturale d’envergure exceptionnelle constituée de dix-huit œuvres triangulaires, formant elles-mêmes deux triangles se touchant par leurs pointes, et reprenant les motifs du triangle dit « de Sierpinski ». On reconnaît là la passion de l’artiste pour la géométrie et les mathématiques, et notamment, donc, pour les figures fractales, que l’on retrouve de manière récurrente dans son travail.

Si l’appréhension visuelle des figures fractales est souvent fascinante, sur le plan symbolique, ces objets mathématiques, tel le triangle de Sierpinski, ouvre le champ à toute une réflexion, dans laquelle se retrouve un certain nombre de préoccupations de l’artiste, sur l’infini et la répétition, sur la réplique et la variabilité, sur la mise en abîme, sur la manière, une fois encore, dont on peut ordonner, modéliser…comprendre le monde et tenter de le maîtriser.

« Balance Point » se manifeste aussi comme l’aboutissement d’une recherche chromatique approfondie, déployant un « colorama » précis de nuances tirant, pour les triangles pointes en haut, vers les couleurs dites « chaudes » et, pour les triangles pointes en bas, vers les couleurs « froides ». Une balance entre, dit l’artiste « le feu et la glace ».

Car il s’agit bien ici fondamentalement de la recherche d’un équilibre subtil et peut-être précaire : pointe contre pointe, apparemment instable et périlleuse, l’œuvre est un mobile, composée d’éléments indépendants pouvant se mouvoir au moindre souffle d’air. « Balance Point »,  à la manière d’un Calder, s’érige en perpétuelle (re)composition, en réinvention permanente, comme doit l’être la vie si l’on veut, en dépit de tout, tenir debout.

OBJETS FLOTTANTS
Mai Tabakian

Jusqu'au 23 mars au centre d'art Les 3 CHA - Chateaugiron

/www.les3cha.fr/

http://www.maitabakian.com

C'est devenu une tradition pour moi, chaque année, je collabore avec l'Agence PopSpirit et la Ville de Montrouge à l'exposition Miniartextil, la plus populaire des expositions auprès des Montrougiens!

Hier avaient lieu le vernissage et l'annonce du Prix Montrouge. Membre du jury, avec Guy Boyer (Connaissance des Arts) et Jean-Louis Metton (ancien Maire de Montrouge et initiateur de la venue de Miniartextil à Montrouge depuis 15 ans), je suis heureuse d'annoncer que nous avons choisi "Where is my (human) mind?" de Anne Pangolin Gueno, jeune artiste française vivant à Barcelone pour rejoindre les collections de la Ville.

La 15e édition de Miniartextil à Montrouge, exposition internationale d'art textile contemporain, vient donc de débuter au Beffroi de Montrouge, sur la thématique« Humans » ! 

Le public peut découvrir gratuitement les 54 mini-textiles et 13 grandes installations jusqu'au dimanche 24 février 2019, tous les jours de 12h à 19h. Tous les samedis et dimanches sont également proposés des visites guidées gratuites à 15h, et un parcours enfants les dimanches à 16h (places limitées sur inscription à l'accueil du Beffroi au préalable).

Rendez-vous au Beffroi de Montrouge :

2, place Émile Cresp - 92120 Montrouge

Métro Mairie de Montrouge - Ligne 4

Dans le cadre de la 17ème Nuit Blanche à Paris, Béatrice Bissara a été invitée à présenter son travail récent à l'Hotel de l'Industrie, au cœur de Saint Germain des Près.

« Ecologie de la conscience » explore, au travers de plusieurs œuvres et installations en mouvement, les « portes de la perception » et au-delà. Dans une approche intrinsèquement liée à l'expérience sensorielle et psychique, elle renouvelle et apporte de la sorte sa contribution à une réflexion qui, depuis plusieurs décennnies, attise l'intérêt de toute une communauté rassemblant scientifiques, philosophes mais aussi artistes. Peut-on dépasser le stade ordinaire de la conscience et le cas échéant, que trouve-t-on alors? Les œuvres de Béatrice Bissara offrent une appréhension directe de ce questionnement et propose des pistes esthétiques expérimentales, comme autant d'ouvertures possibles.

Questionnant en profondeur notre rapport à la réalité, le travail de Béatrice Bissara est soutenu par des scientifiques (Jean-François Houssais, Michel Bitbol, tout deux chercheurs au CNRS), et ce croisement, cette rencontre, s'inscrivent d'emblée comme une manière de dire la connexion qui s'établit naturellement entre les mondes de l'épistémologie et de l'art. Cet intérêt mutuel exprime comment l'art, par la dimension concrète de l'expérience de l'oeuvre – différente de l'expérimentation scientifique- matérialise, présentifie, rend visible ce que cherchent à montrer les scientifiques avec des mots et des concepts parfois obscurs aux néophytes : l'art comme « Königsweg », pour reprendre l'expression freudienne, « voie royale » vers la connaissance de soi.

« Ecologie de la conscience » est donc un concept, se déclinant autour de plusieurs propositions artistiques d'exploration sensitive, dans une approche « expérientielle », consistant, explique l'artiste « à établir une articulation entre l'expérience du sujet et la cognition humaine », rejetant, cite-t-elle, «la vision d’un monde indépendant de celui qui le perçoit. Le percevant et le perçu sont en relation et se déterminent mutuellement »*.

Parmi les œuvres présentées, et avant d'en venir à l'installation principale, au titre éponyme, deux types d'oeuvres retiennent notre attention : les œuvres motorisées, et les « dreamboxes ».

Béatrice Bissara a ainsi imaginé une série d'installations, œuvres composées de superpositions de disques en mouvement dont les girations sont programmées selon un process de vitesses et de sens, dispositifs complétés par un mixage musical diffusé « à une fréquence particulière agissant directement sur le cortex cérébral et mettant le visiteur en état de réceptivité particulière ».

Là où, par exemple, les figures rotomaniques de Duchamp, et même l'art optique, peuvent s'appréhender comme de simples jeux sensoriels, en appelant à la perception du spectateur dans un effet de divertissement, l'oeuvre de Bissara porte à dépasser cette dimension purement ludique vers une expérience plus profonde, plus radicale et décisive. Elle s'inscrit ainsi plutôt dans une certaine continuité de mouvements artistiques qui, depuis près d'un siècle, cherchent à tirer le regardeur hors de son champ habituel de conscience pour le faire pénétrer un autre état, connectant la force motrice de la création artistique à la dimension cosmique de la création du monde. Si son art peut se rapprocher d'un art « cinétique », il l'est peut-être, d'une part, par sa volonté de rendre compte d'un réel insaisissable et mouvant, et d'autre part, par la volonté de l'artiste, à l'instar du manifeste des premiers artistes cinétiques rassemblés par Denise René dans sa galerie parisienne en 1955, de placer la perception du spectateur au centre de l’œuvre, et par ce biais, de libérer l'accès de l'oeuvre au plus large public.**

Mais c'est peut-être vers d'autres expérimentations artistiques plus anciennes encore qu'il faut se tourner pour contextualiser la génèse du travail de Béatrice Bissara dans une lignée artistique historique.

On peut penser, par exemple, au célèbre bien que mystérieux « Optophone » de Raoul Hausmann (1922), ou encore aux travaux de chercheurs-artistes de la même époque, comme Thomas Wilfred et Alexandre Lazlo qui, en créant un « orgue lumineux » (Art Institut, New-York, 1922) s'essaient à dépasser le statut « statique » de l'art, tentent d'établir des correspondances entre sensations visuelles et sensations auditives, ambitionnent de plonger le spectateur dans des états extatiques faisant appel à des facultés perceptives inusitées. On approche de l'expérience d'art total, d'une expérience de totalité, aussi, comme une métaphore esquissée de cette « roue de la vie » dont seul Bouddha peut embrasser l'absoluité.

Autre type d'installations, les « Connected Dreamboxes » présentent des dispositifs lumineux pulsatiles, suggérant quelque chose comme les battements d'un cœur, une respiration, un afflux de sang. Réguliers et itératifs, ils invitent, si on s'y attarde suffisamment, à un état hypnotique, à une sorte de voyage intérieur organique et apaisant. Car la « connexion » dont on parle ici, n'est pas tant celle de l'ère des réseaux et du digital, que l'appel à un retour vers soi, probablement, en réalité, le seul et dernier territoire à explorer, l'appel, dit aussi l'artiste à « déposer les armes du concept pour simplement entendre en soi » la petite musique de l'expérience.

Dans la relative simplicité du procédé par lequel l'oeuvre ouvre à un monde nouveau, les « Connected dreamboxes » de Béatrice Bissara pourraient faire écho aux « Dream Machines » du poète Brion Gysin qui, en 1962, inventait une machine à la mécanique minimale (de la rotation et de la lumière) susceptible de provoquer chez le regardeur aux yeux fermés des sensations colorées proches des visions sous stupéfiants - « un kaléidoscope multidimensionnel tourbillonnant à travers l'espace. » écrit-il dans son journal-.

On comprend dès lors que les recherches de Bissara tissent de nombreuses liens avec des expérimentations artistiques visant toutes à « ouvrir les portes de la perception » et s'inscrit dans une riche filiation spirituelle et esthétique. Cet art, qu'on pourrait qualifier d' « ésoesthétique » cherche à atteindre et à provoquer, dans l'expérience artistique, quelque chose qui puisse se rapprocher de l'expérience mystique.

« Ecologie de la conscience », titre générique de l'exposition et de son œuvre majeure, porte déjà en son nom le sens de cette tentative. Ecologie, en son acception première, comme questionnement sur la manière dont la conscience peut informer ses relations avec elle-même et avec le monde qui l'environne, interrogation sur la façon dont par la conscience nous pouvons appréhender le monde et le réel, lui même redéfini, peut-être, au-delà de sa définition cartésienne avec laquelle nous vivons depuis l'ère moderne.

L'installation « Ecologie de la conscience » est donc une installation complexe, donnant à voir sur plusieurs plans sept sculptures représentant des derviches en bois, aluminium, tissu et feutrine, de tailles différentes et chacun monté sur un socle motorisé, une mise en abîme par le biais d'une projection numérique des sculptures en mouvement, démultipliant les points de vue, l'ensemble synchronisé avec une création sonore, signée de l'artiste et de la musicienne Nathalie Hardouin, rythmée par la percussion du tambour chamanique et le tintement du bol tibétain.

Inspirée de la mystique de Rumî, de la danse du Samâ et des rituels soufis, que l'artiste a découvert il y a vingt ans en Anatolie, « Ecologie de la conscience » se déploie dans le temps et l'espace, dans lesquels mouvement, son, lumière engagent le regardeur sur la voie de la confusion perceptive, d'une forme de synesthésie propice à la méditation.

Au fil d'un programme de rotations, les sculptures de derviches effectuent une danse giratoire, le tissu de leur robe blanche, symbole de pureté, déroulant leur mouvement flottant sous la force de Coriolis. La cérémonie se déroule, comme un Samâ en sept mouvements, un voyage partant de l'évocation de la lourdeur de l'enveloppe charnelle, puis vers l'éveil de la conscience et des âmes, de la lumière s'opposant aux ténèbres, jusqu'au retour au monde dans l'état de subsistance.

Béatrice Bissara offre au travers de cette œuvre une expérience très particulière, sinon unique, invitant dit-elle à « résonner » le monde plutôt que de le raisonner. Négliger ce qui n'est pas rationnel est un mode réflexif si profondément ancré dans la pensée occidentale qu'il est même possible que nous ne puissions appréhender pleinement cette expérience, de la même manière, explique le chercheur Jean- François Houssais, que la structure mentale occidentale ne peut investir totalement ce qui se passe dans la transe chamanique. Les six cent itérations de l'installation de Béatrice Bissara nous donnent néanmoins, un aperçu de cette piste spirituelle, ne serait-ce que par la manière dont elle nous invite à éprouver la densité, l'intensité du moment présent.

Le monde contemporain si plein de ses certitudes et à la fois si vacillant sur ses fondements a probablement besoin, aujourd'hui plus que jamais, de s'engager à nouveau sur les voies restées inexplorées et peut-être salvatrices d'une spiritualité sans calcul. Tel est le chemin que trace désormais Béatrice Bissara.

*Extrait de la thèse de N. Raboisson du 9 juillet 2014 sur l’Art Expérientiel.

**En 1955, Denise René ouvre, dans sa galerie de Saint-Germain des Près, une exposition intitulée « Le Mouvement »,sur une proposition de Victor Vasarely et un commissariat d’exposition de Pontus Hulten, et reconnue comme la première exposition de cet art qu'on appelera quelques années plus tard, « cinétique ». Dans le catalogue de l'exposition, on peut lire : « Puisqu’il n’est pas permis à tout le monde d’étudier profondément l’Art contemporain, à la place de sa « compréhension » nous préconisons sa « présence ». La sensibilité étant une faculté propre à l’humain, nos messages atteindront certainement le commun des mortels par la voie naturelle de sa réceptivité émotive ».

De la toile de Jouy au wax, du keffieh au tapis, de la dentelle à la gaze chirurgicale, comment et pourquoi les artistes contemporains se réapproprient les textiles du quotidien, entre détournement et esprit critique.

En collaboration et sur l'invitation de l'ESBA d'Angers Le Mans dans le cadre d'un cycle de conférence autour du textile.

Mona HATOUM – « Live action with Doctor Martens boots, performed for « Roadworks », Brixton Art Gallery, London – Vidéo, 6'45'', 1985 – Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de White Cube, Londres (GB)

Cette captation vidéo a été réalisée dans le cadre d'une série de performances menées par Mona Hatoum, en 1985, dans les rues de Brixton, un quartier ouvrier à prédominance noire, situé dans la banlieue de Londres. Il s'agit ici d'une des deux performances liées à une action organisée par un autre artiste, Stefan Szczelkun, et à l'invitation de la Brixton Art Gallery, intitulée «Roadworks», dont le but était l'intervention artistique face à un public qui n'est pas celui des musées et des galeries, mais celui de la rue. Ici, elle marche pieds nus sur le trottoir, à travers le marché et les arcades de Brixton, durant une heure. Les lacets de chaussures Doc Martens, à l'époque portées par la police, mais aussi les skinheads et les punks, attachés à ses chevilles, entravent sa marche, qui se fait lente et pénible. En exposant ainsi la fragilité de ses pieds nus contre la rudesse de la rue et les lourdes bottes qu'elle traîne méticuleusement derrière elle, comme un fardeau, elle pointe la violence de l'ordre social ( le quartier de Brixton était à l'époque le théâtre de violences et d'émeutes durement réprimées) mais aussi, peut-être, la difficulté en même temps que la pression à se soumettre à toute forme d' « intégration », les questions d'enracinement et de déracinement ( En 1975, Mona Hatoum vient à Londres pour un bref séjour et ne pourra pas rentrer chez elle, où la guerre vient d'éclater. Cet exil forcé et la séparation brutale avec sa famille restée à Beyrouth deviendront les thèmes de ses vidéos et de ses œuvres, au travers desquelles elle tentera de « restituer », ou plutôt de « reconstruire », un passé qui semble la hanter.)

Mona Hatoum est une artiste d'origine palestinienne, née à Beyrouth, au Liban, en 1952. En 1975, elle est contrainte à l'exil à Londres. Elle étudit à la Byam Shaw School of Art et la Slade School of Art. Marquée par les événements qui ont conduit le peuple palestinien à l'exil et à la lutte pour l'affirmation d'une identité nationale, Mona Hatoum oriente très tôt son oeuvre vers un engagement politique. Les performances qu'elle réalise au cours des années 80 sont empreintes d'un caractère contestataire et d'un esprit de résistance. Elle se tourne ensuite vers la vidéo, l'installation et la photographie. Elle aborde des problématiques liées au corps, à la construction du langage et aux conditions de l’exil. Son travail traite de l'expérience du déplacement, de la désorientation, de la reconstruction de l'identité.À partir du début des années 1990, son oeuvre évolue vers des installations de vastes dimensions. Les plus grands musées ou centres d’art du monde lui consacrent des expositions individuelles : Centre Pompidou, Paris (1994 et 2015), Museum of Contemporary Art, Chicago (1997), New Museum of Contemporary Art, New York (1998), Castello di Rivoli, Turin (1999), Tate Britain, Londres (2000), Hamburger Kunsthalle, Hambourg, Kunstmuseum, Bonn, Magasin 3, Stockholm (2004), Museum of Contemporary Art, Sydney (2005). L’artiste participe également à de nombreuses manifestations collectives : prix Turner, Londres (1995), Biennale de Venise (1995 et 2005), Documenta 11, Cassel (2002) et Biennale de Sydney (2006). 
En 2004, Mona Hatoum reçoit le prestigieux prix Sonning pour sa contribution majeure à la culture européenne, ainsi que le prix Roswitha Haftmann. En 2008, elle reçoit le Prix Schock, récompense de la Royal Swedish Academy of Fine Arts ainsi que le Ismail Shammout Prize de la Qattan Foundation de Ramallah. La fondation Querini Stampalia lui consacre une exposition personnelle, dans le cadre de la Biennale de Venise de 2009, et en 2011, elle obtient le Prix international d'art contemporain Joan Miro.

Un remerciement particulier et toute ma gratitude à Mona Hatoum et à son studio pour nous avoir offert la possibilité d'utiliser une magnifique image de "Roadworks" pour tous les outils de communication de l'exposition.