Je suis ravie d'avoir été invitée par l'artiste Laureth Sulfate à rédiger le texte du catalogue de son exposition monographique "Ainsi soient-elles"  au centre d'Art Jean-Prouvé, à Issoire. Voici l'intégralité du texte publié dans ce catalogue et que l'on peut acquérir de diverses manières bien sûr, auprès  de moi, de l'artiste ou du centre d'art!

(…)

Je suis comme je suis

Je suis faite comme ça

Que voulez-vous de plus

Que voulez-vous de moi

(...)

Jacques Prévert (1900 – 1977)

in Paroles, 1946

Le titre choisi par l'artiste Laureth Sulfate pour son exposition personnelle au Centre d'art Jean-Prouvé d'Issoire, «Ainsi soient-elles», invite d'emblée à un imaginaire poly sémantique, et, avant même d'avoir pénétré dans l'exposition, nous pressentons déjà que nous allons y découvrir un univers iconoclaste, énergique, probablement engagé vers l'évocation d'une féminité multiple et sororale, mais aussi peut-être teinté d'une forme de spiritualité. Nos attentes ne sont déçues...

«Ainsi soit-il», locution classique dans le discours liturgique – équivalent de Amen- , s'inscrit littéralement comme la conclusion d'une prière: «Espérons qu'il en soit ainsi», ou encore «Acceptons qu'il en soit ainsi» ou peut encore être appréhendé comme une injonction «Qu'il en soit ainsi», c'est-à-dire, tel que Dieu, et/ou ses Saints, le veulent.

Dieu et les Saints, nous le savons, sont souvent des hommes et en choisissant de féminiser et de rendre plurielle cette locution, Laureth Sufate érige d'emblée une loi nouvelle, que l'on pourrait tenter de résumer de cette manière: ainsi faut-il désormais agir tel que les femmes sont, veulent être – ou ne plus être-, seront désormais, poussées par un vent que d'aucun trouveront libertaire, et qui, d'une certaine manière, définit assez bien l'œuvre, les femmes, et la personnalité, puissantes et libres, de Laureth Sulfate.

L'exposition se déploie dans une double dimension prospective-rétrospective. La grande salle présente pour la plupart des œuvres récentes et inédites, certaines spécifiquement réalisées pour le Centre d'art d'Issoire, tandis que les salles attenantes reviennent sur des thématiques et des œuvres qui ont jalonné le parcours artistique de Laureth Sulfate, ainsi que sur la commande que la Ville avait faite à l'artiste d'une fresque, «Le bal des abeilles», que l'on peut admirer Place Suzanne Noël, rendant hommage à cette personnalité historique de l'après-Grande Guerre et pionnière de la chirurgie réparatrice.

Au premier plan de cette proposition foisonnante, l'installation interactive «Ainsi soient-elles» présente une série de sept sculptures de vierges Marie – sept, comme le chiffre symbolisant la perfection spirituelle dans la tradition hermétique et la kabbale - sur fond de drapés blancs évoquant, selon, des voiles virginaux, des plis baroques, des suaires ou encore de christiques perizonium. L'artiste a, à dessein, choisi une représentation sculpturale classique, afin de pouvoir en détourner l'iconographie et y superposer des éléments plus iconoclastes. La figure de la Vierge constitue un élément central dans la spiritualité mais aussi, avec le temps, dans la perception de l «être-femme». Incarnant tout ce à quoi l'humanité peut aspirer: la foi, l'espérance, le dévouement, la générosité, la compassion..., ce modèle de vertu pourrait sembler obsolète dans notre monde déchiré, mais l'intérêt que portent les artistes contemporains à cette incontournable figure de l'histoire de l'art démontre à quel point elle prend encore sens aujourd'hui, ouvrant à tout un pan de réflexion sur ce que recouvrent aujourd'hui nos aspirations à la bienveillance, à l'inclusion, à une redéfinition des contours de l'«être-femme»... Retravaillées plastiquement, chacune d'entre elles «s'anime dans un souffle de réalité augmentée, chacune portant une voix unique.», explique l'artiste. «Certaines Vierges murmurent une prière sous forme de chant, des mots d'espoir et de pardon. D'autres, plus légères, entonnent simplement une chanson, comme un écho des émotions universelles portées par les femmes à travers l'histoire, (…), gardiennes vivantes d'un dialogue entre la douleur et la lumière, la mémoire et la transcendance, révélant un pont entre l'histoire humaine et l'éternité» dit-elle encore. L'artiste évoque ainsi des figures de femmes fortes malgré l'adversité et la guerre: sorcières, pourchassées et assassinées au nom de Dieu, «Canary girls»(1) ou «Radium girls»(2), sacrifiées au nom de la guerre...

Complétant ce dispositif, l'artiste a imaginé une manière originale et, avec humour, irrévérencieuse, de découvrir quelques unes de ses vidéos. L'œuvre «sous les jupes des femmes» mixe d'une certaine façon l'esthétique d'un prie-Dieu et une forme sculpturale féminine, cachant un écran sous les plis de sa jupe. Entre chaire et confessionnal, cette proposition insolite permet de s'isoler et de s'immerger dans un univers particulier, spirituel et poétique, sulfureux parfois, faisant écho à la réflexion que l'artiste poursuit sur l'«être-femme», entre transitions et métamorphoses, imaginaires et fantasmes.

Il est sans doute opportun de s'arrêter ici un moment sur ce qui fait la spécificité et la richesse de l'écriture polymorphe de Laureth Sulfate. Depuis plusieurs années, elle déploie en effet un large arsenal de médiums et de techniques, dont la maîtrise permet de réaliser une œuvre à l'envergure multiple, hybride et baroque, tant sur les plans formel que sémantique, entre sculpture, installation, chant, performance, vidéo ou encore photographie, pour créer des œuvres parfois immersives, interactives, croisant les genres et les limites entre réalité et numérique .

Nombre de ses travaux s'appuie sur un premier temps de prise de vue photographique, soigneusement mise en scène, chorégraphiée, dans laquelle les costumes, les maquillages, les poses sont essentiels. Un travail «traditionnel» de photographie qui s'efface ensuite au profit d'un retravail plus pictural, d'une composition étudiée, tenant du collage. Ici s'ouvre l'étape d'un processus faisant appel au numérique, à la palette graphique, permettant ce rendu coloré, vif, à la fois précis et foisonnant. Le diptyque du «Bal des abeilles», reproduit ici dans son intégralité(3), illustre parfaitement cette profusion visuelle, toujours doublée d'une multiplicité des symboles et des récits. L'artiste sait ainsi mixer avec justesse des techniques traditionnelles de l'art avec des techniques plus innovantes telles que l'IA ou la réalité augmentée...Artiste complète, elle ose, sans se limiter et sans étiquette, faire appel à ses multiples talents: pour la série «Ainsi soient-elles», c'est elle qui a composé et chante le «chœur des vierges», elle encore qui interprète, la dangereuse danse de la performance «Metonomia»(2019), ou sous le voile blanc, la mystérieuse silhouette de la série «Un monde hors de ses gongs» (2019).

La Vierge semble encore là, résistante, résiliente, comme une figure de proue, émergeant du chaos, de la destruction, des gravats, de cette ère contemporaine qui tient plus du jeu de la mort que de l'aire de jeu, et dans laquelle le temps, l'espace, l'humanité même, semblent disjoints, pour reprendre l'expression de Shakespeare ("the time is out of joint")(4) qui inspire l'artiste. Dans cette série purement photographique, l'artiste, robe blanche la couvrant intégralement, si ce ne sont ses bras, ses mains, comme des capteurs, des appels, erre dans un paysage de fin, semblant chercher quelque chose, une issue, une révélation peut-être, ou comment réparer ce monde désarticulé, dérangé, déréglé, «hors de ses gongs». Et puis il y a ce geste, qui est celui des conspirateurs et des enfants, des sages et des anges, ce geste du mystère, du secret, du silence, chut!, le doigt posé sur les lèvres: And still your fingers on your lips, I pray, dit encore Hamlet. Quelque part parmi les photographies, la silhouette blanche actant le signe harpocratique atteste du souci de compréhension des mystères du monde et de spiritualité qui l'anime.

Cette aspiration ne sera pas contredite par la série des «Lunatika», série en cours de dessins largement inspirée des mandalas et de leur usage jungien. Réalisée à partir de motifs élaborés directement à la pointe fine, de manière libre, cet ensemble de dessins invite, explique l'artiste, «à un voyage intérieur, où l’art du mandala rencontre l’univers mystérieux de la lune», dont l'influence, sur la nature comme peut-être sur notre psyché, est une question scientifique et ésotérique débattue depuis des siècles. Chaque dessin, aire rituelle, appelle autant au vagabondage de l'esprit qu'à la méditation, et devient ainsi «un miroir de l’inconscient, un champ d’énergie symbolique qui reflète les archétypes dans leurs dimensions les plus profondes et universelles.»

Bien qu'empreinte de cet authentique souci de spiritualité, l'œuvre de Laureth Sulfate s'inscrit résolument et joyeusement dans le tumulte du monde, notamment en s'emparant de la rue.

Longtemps, et aujourd'hui encore, Laureth Sulfate a arpenté – et récupéré parfois- les pavés de Lyon, pour y déposer ses œuvres et ses actions performatives. Pour elle, à l'instar de nombreux artistes de street-art, la question du passage de la rue – atelier, comme le disait Daniel Buren, au mur des lieux d'art et musées est un objet de réflexion. Comment faire entrer avec cohérence un art destiné à être perçu par le grand public dans la liberté et le brouhaha de la rue dans le contexte, forcément différemment signifiant, comme tous les artistes le savent depuis Marcel Duchamp, du «lieu de monstration de l'art»? Un vaste débat que l'artiste tente de résoudre à sa manière en retravaillant spécifiquement – par les techniques et les dimensions-, pour l'intérieur, des projets qui existèrent dehors.

Ainsi du projet des «Corona girls»(2020-2021) qui naquirent au moment de l'épidémie mondiale de la Covid-19 et se répandirent d'abord sur les murs de la ville. Au premier regard, les œuvres font écho à toute une iconographie fifties: une imagerie pop issue des pin-up d'après-guerre, d'une féminité, donc, exacerbée et conforme à un modèle déterminé de posture et de séduction. Mais il s'agit bien entendu de se réapproprier ces codes pour les transfigurer, et en modifier le sens. De séductrices convenues, ces femmes se dessinent comme des guerrières -le terme «corona girl» faisant à la fois référence aux «Canary girls» et «Radium girls» que nous avons évoqué plus haut- des femmes fortes, infirmières, médecins, luttant contre la maladie et la mort.

A l'inverse du travail sur les «Corona girls» – mais il s'agit au fond de l'autre face du même questionnement-, la série développée autour du port de la burqa, et de la performance que l'artiste réalisa, requestionne la visibilité du corps féminin dans l'espace public, ici par son invisibilisation justement qui, par sa dimension pour nous fantomatique, le signale d'une manière négative, par soustraction.

Il apparaît ainsi clairement que, d'une manière ou d'une autre, la question du corps des femmes, dans toutes les occurrences politiques et sociétales qu'il implique, autant que poétique et fantasmatique, est bien au cœur des préoccupations de l'artiste.

Dans la dimension rétrospective de l'exposition, une des salles revient sur un travail que l'artiste a développé autour d'une figure de la culture pop, le Joker, ici traité au féminin. Comme un double maléfique et séducteur, «la» Joker questionne les parts sombres, la noirceur sous des dehors colorés, une esthétique dionysiaque – cette folie qui parcourt toute l'œuvre de Laureth Sulfate et qui récuse à l'évidence, pour reprendre la dichotomie nietzschéenne(5), la tentation du calme apollonien, d'une femme apollonienne, docile et mesurée-. Ici trouve-t-on une expression de la démesure, de l'hubris qui caractérise le travail de Laureth Sulfate, mais aussi, parce qu'il n'y a souvent pas de dionysiaque sans tragédie, un visage de la résilience – comment sortir vainqueur d'une tragédie-. Questionnement récurrent dans l'histoire des femmes, intimement parallèle à celle de la nature – que, par exemple, la «tueuse de homard» illustre - malmenées les unes comme l'autre par l'impérialisme du patriarcat systémique, de la violence et des mécanismes de domination.

Le diptyque du «Bal des abeilles» synthétise, plastiquement et symboliquement, ces nombreuses représentations et préoccupations égrenées dans l'œuvre de Laureth Sulfate.

D'un côté, des femmes puissantes, chirurgiennes, infirmières, avocates, poétesses, aventurières...sont embarquées sur une folle nef, déclinant des figures symboliques de reconstruction, d'espoir, de monde nouveau, de réinvention, dans une composition fourmillant de détails signifiants.

De l'autre, les voici débarquant sur une terre a priori hostile, «ténébreuse et incertaine». un «monde perdu», décrit l'artiste, le monde disjoint que nous évoquions tout à l'heure. L'œuvre prend alors une tournure eschatologique nettement moins joyeuse, comme une fin de partie. Et ce ne sont pas seulement les femmes mais l'humanité tout entière qui, désormais, tente d'éviter que la partie ne soit définitivement perdue, et que la prédiction nietzschéenne ne se réalise:

«En quelque coin écarté de l'univers répandu dans le flamboiement d'innombrables systèmes solaires, il y eut une fois une étoile sur laquelle des animaux intelligents inventèrent la connaissance. Ce fut la minute la plus arrogante et la plus mensongère de "l'histoire universelle" : mais ce ne fut qu'une minute. A peine quelques soupirs de la nature et l'étoile se congela, les animaux intelligents durent mourir.»(6)

Marie Deparis-Yafil

Janvier 2025

(1)Durant la Première guerre mondiale, en Angleterre, des femmes travaillaient dans la fabrication d'obus à base de trinitrotoluène (TNT). L'exposition prolongée à cette substance toxique finissait par donner à leur peau une couleur jaune orangé d'où le surnom de "canary girl".

(2)De 1917 à 1926, l’United States Radium Corporation se lance dans l'extraction et la purification du radium à partir du minerai de carnotite afin de produire une peinture fluorescente, fournissant l'armée américaine en montres radioluminescentes. Les "Radium Girls" sont les ouvrières américaines embauchées pour peindre les cadrans de montre et qui, exposées à cette substance, ont commencé à souffrir d’anémie, de fractures osseuses, et de nécrose de la mâchoire., puis de tumeurs cancéreuses des os. Tandis que les les chimistes, connaissant les effets nocifs du radium, évitaient soigneusement de s’exposer au danger, utilisant des écrans de plomb, des masques et des pinces, on demandait aux ouvrières d'épointer les pinceaux avec leurs lèvres, ou de se servir de leur langue pour les effiler. De nombreux décès survinrent, et permirent d'ouvrir un procès historique pour l'histoire du travail ouvrier, à la fin des années 20.

(3)Seule la première partie de ce diptyque est présenté sur la place Suzanne Noël d'Issoire.

(4)William Shakespeare - Hamlet (Acte 1, scène 5), circa 1599

(5)Voir Frederic Nietzsche, La naissance de la tragédie, 1872

(6) Frederic Nietzsche, Le Livre du philosophe, III, 1873

AINSI SOIENT-ELLES

LAURETH SULFATE
CENTRE D ART JEAN-PROUVE - ISSOIRE

JUSQU'AU 1er JUIN 2025

Je suis ravie d'accompagner en tant que curatrice l'exposition personnelle de Régis Sénèque à la Galerie Marguerite Milin, à Paris. 

"L'or des fous", exposition du 5 au 21 février 2025, présente installation, dessins, photos et vidéo, avec également la complicité de Matthieu Gounelle, astrophysicien spécialiste des météorites et attaché au Museum d'Histoire Naturelle de Paris.

Pour compléter cet accompagnement curatorial, j'ai rédigé un texte, que voici:

Ce monde est fou,

et l'on en rit,

mais d'un rire qui n'est pas joyeux.

Georges Minois, historien, (1946 -)A propos de L'éloge de la folie d'Erasme (1511)

Au milieu du 19e siècle, on moquait les prétendants à l'orpaillage qui, croyant avoir déniché la pépite qui leur assurerait la fortune, n'avaient en fait extrait qu'un morceau de pyrite, un minéral de moindre valeur mais dont l'éclat jaune métallique était trompeur. Venus parfois du bout du monde, poussés par la pauvreté, confiants en l'Eldorado promis, avides d'une vie meilleure et rêvant d'abondance, certains de ces chercheurs éconduits devenaient fous de désillusion, et la pyrite est devenue «l'or des fous». Dans cette course éperdue à la richesse, matérialisée en pépites et paillettes, les fous étaient ceux qui y avait cru et avait perdu.

Dans la performance A valeur variable (2021/2024), Régis Sénèque, tout en répondant au projet d'«oeuvre mobile» initié alors par l'espace Immanence, traverse Paris jusqu'à Aubervilliers, avec ce qui semble une pépite d'or, protégée dans un cube de plexiglass, entre trésor et ready-made, sur le dos, intriguant les passants. Est-il une sorte de Diogène de Sinope, cherchant l'essence de quelque chose dans l'espace public, un sage sorti de la caverne et exhumant la preuve de l'inanité du monde réel, ou un fou plus ou moins conscient de son état, charriant comme un trésor ce qui n'est qu'un morceau de charbon déguisé? Présenté en majesté dans la galerie, ce morceau de charbon sur lequel la transsubstantiation n'est qu'apparente, fait écho à toute réflexion que nous pourrions avoir sur le réel et l'illusion, sur les gouffres qu'il ouvre et les passions qu'elle déchaine.

L'or noir : le charbon, comme le pétrole, met la fièvre et, comme tout ce qui peut rendre riche et puissant, exacerbe les vices si l'on en croit Erasme, le bien connu auteur de l'Eloge de la Folie: l'ivresse du pouvoir et l'amour de soi, la concupiscence et la flagornerie, la licence et l'intempérance...

L'histoire n'est pas nouvelle, voici bien des siècles que l'homme creuse les profondeurs de la Terre pour en extraire ce qui lui semble le plus précieux, le plus proche du divin et le plus désirable, la malléable et éternelle matérialisation du pouvoir et de la beauté, bref, l'ultime objet du désir. Midas en meurt, les Pharaons s'en parent jusqu'à ne pouvoir en supporter le poids, au troisième millénaire avant notre ère, on excavait déjà. Gaulois, Romains, Celtes...en font l'objet de toutes les guerres, partout pendant des siècles on lance des expéditions à la recherche des supposées mines du Roi Salomon. Plus tard, avec la même avidité, l'homme creuse et creuse encore pour y extraire, jusqu'à épuisement du stock, une roche sédimentée bien utile qu'on appelle le charbon. Voilà bien mille ans que le «Seigneur de la terre»** arraisonne peu à peu la Nature par la technique qui n'est plus depuis longtemps un processus de dévoilement mais celui de la «mise en demeure»**, de la «sommation», de la «réquisition»**. Notre examen de conscience ne sera pas bien long pour admettre que la modernité a exigé de la nature que celle-ci se réduise le plus souvent à une réserve que l'on pense légitimement à notre disposition et que l'on voudrait inépuisable.

Comme dans une sorte de phylogénèse, d'abord affleurant à peine à sa conscience, comme souvent, cela faisait de nombreuses années que Régis Sénèque s'intéressait aux pierres, à la minéralogie en général, au charbon, à l'or aussi, divers matériaux que l'artiste faisait entrer de manière récurrente dans son travail sous différentes formes, sans vraiment savoir pourquoi. Il n'avait alors qu'une vague idée de son histoire familiale et de l' implication de celle-ci dans l'histoire coloniale du Viet Nam.

Au travers d'une série de dessins intitulée A la lumière de tes yeux (2024-2025), l'artiste fait écho à cette histoire, esquissant dans le même temps le lien entre toutes ces histoires, depuis les mythes les plus anciens jusqu'aux réalités industrielles et capitalistiques d'aujourd'hui, en passant par ce que signifia, et dit toujours, passés au filtre de nos regards contemporains critiques, et de l'examen de sa propre histoire, l'esclavage, la colonisation, les guerres de conquête territoriale, l'extorsion écologique, l'exploitation humaine. Cette série de portraits de mineurs d'hier et d'aujourd'hui, dont certains sont des enfants, exécutée au pastel gras doré sur fond noir, dévoile et sublime leurs regards presque hallucinés, phosphorescents, illuminés ou brûlants du charbon qu'ils extraient des entrailles de la Terre, en Chine, en Ukraine ou ailleurs...A travers eux s'incarne le glissement de l'instrumentalisation, de la dimension «calculable», pour résonner encore avec l'analyse d'Heidegger, de la nature vers l'humain mais dans le même temps, ici, «Tous brillent dans la nuit pour qui sait les voir»*, ainsi que l'écrit Matthieu Gounelle.

Cette saisissante collection de regards courant le long des murs de la galerie comme une frise chronologique qui nous raconterait comment nous avons annexé les entrailles de Terre au travers des âges nous ramène à un point névralgique, celui de la guerre. Ici s'érige un mur, un mur de parpaings, autre matériau usité par Régis Sénèque sur lequel est dessiné, gris sur gris, les fumées de la guerre. Le temps d’un déplacement pour révéler du réel, est une sculpture-dessin qui lui fut inspirée d'une image d'actualité lors du conflit en Syrie en 2014. Il y est question de la construction et de la destruction, de la fragilité du bâti, de la maison, et de la guerre, lorsque tout devient dérisoire. Dans notre contexte, il prend un sens à la fois hélas toujours très contemporain - en 2025, les images de villes ravagées, ici ou là dans le monde, nous abreuvent jusqu'au paroxysme de notre capacité à nous scandaliser si ce n'est au moins à nous émouvoir- et universel. Car nous savons que, d'une manière ou d'une autre, ce que symbolisent les richesses minières -le pétrole, le charbon, ou l'or- qu'il s'agisse du pouvoir ici ou du divin au-delà, est inscrit au cœur de la guerre depuis toujours.

Mais «c'est l'or que l'homme préfère (…) / l'or dont les paillettes / l'or dont les pépites / l'or dont le lustre / sert comme un fil aux poètes / recouvre la pierre / nous éblouit et nous aveugle, saisit notre main / et la guide / là où sont les démons / là où manquent les prières / là où les conquérants souffrent / buvant cet or dont ils sont si avides (...)»*

L'écran de la vidéo L'or des fous (2025), portée par la voix de Régis Sénèque lisant le poème de Matthieu Gounelle s'ouvre comme une fenêtre, un portail, vers les abîmes du cosmos et de l'infini.

Cela justifie -t-il notre folie? Nous sommes dans l'univers – dans le «silence éternel de ces espaces infinis», comme dirait Pascal*** - comme embarqués dans une boschienne Nef des fous****, dérivant dans des abysses qui nous ignorent, et nous, assez insensés pour s'y accrocher, à ce navire sans voiles ni gouvernail, et qui peut-être ne va nulle part. Au fond, nous n'en savons rien et en vérité, mieux vaut ne pas trop s'en soucier.

Dans les profondes cales de ce navire, nous avons trouvé de quoi nous consoler de notre condition éperdue, des matières auxquelles nous avons donné suffisamment de valeur pour nous entretuer en attendant la fin.

Ici se rejoignent -qui le sait ?- la Terre et le Ciel, ce que l'Univers a sécrété sans nous.

L'exposition L'or des fous, en quelques traits, retrace modestement cette odyssée traversant l'abîme du cosmos et des milliards d'années jusqu'à nous, à la fin. Explosion de supernova, collision d'étoiles, incandescence des magmas: rien que des conjonctures au delà de nos mesures. Tout ce sublime nous a rendu fous.

*«L'or dont le lustre sert comme un fil aux poètes» - Matthieu Gounelle, 2022 - Matthieu Gounelle est un astrophysicien spécialiste des météorites et attaché au Museum National d'Histoire Naturelle de Paris, auteur du poème présenté dans l'exposition

** Selon le philosophe allemand Martin Heiddeger, notamment dans «La question de la Technique», in Essais et conférences, 1954

***Blaise Pascal, Pensées – «Fragment 233»

**** Jérôme Bosch- La Nef des fous – panneau latéral supposé du Triptyque du vagabond - Huile sur panneau, 58 x 32 cm, circa 1500

L'or des fous

Solo show Régis Sénèque

Avec l'accompagnement curatorial de Marie Deparis-Yafil

et des textes de Marie Deparis-Yafil et de Matthieu Gounelle

Du 5 au 21 février 2025

Galerie Marguerite Milin

Rue Charles-François Dupuis - Paris 4e

https://galeriemargueritemilin.wordpress.com/

Je suis très heureuse d'avoir pu répondre à l'invitation de http://lacritique.org pour rédiger deux textes sur deux artistes, un artiste dit "émergent" et un artiste dit "confirmé", pour la rubrique "Nos paris critiques"

Je présente donc ici le second texte, que l'on peut retrouver sur le site de lacritique.org

https://www.lacritique.org/sylvie-kaptur-gintz-lan-prochain-a-jerusalem/

sur l'oeuvre de Sylvie Kaptur-Gintz et sous le titre

"L'an prochain à Jérusalem"

Bonne lecture!

Ce fut une intense aventure que le travail mis en œuvre pour réaliser cette exposition. Accompagnée d'Emmanuelle Polack, historienne de l'Art, chercheuse et chargée de mission au Louvre au département des spoliations, il a fallu, en quelques mois, monter cette exposition de A à Z, ainsi qu'un catalogue de 72 pages!

Commissariat muséographique complexe pour cette exposition assez exceptionnelle, tant par son sujet que par les œuvres que nous avons réussi à réunir...Je suis vraiment heureuse du résultat, que je partage ici, pas à pas.

Le Chambon sur Lignon est un village de 2500 habitants, dont la population se multiplie l'été arrivant, un lieu chargé d'histoire, attachant, un village dont une partie de la population a été nommée Justes parmi les nations, une exception! Et une découverte pour moi...

Une des deux gravures de Victor Brauner visible dans l'exposition a été choisie comme visuel de l'exposition, ici présentant l'exposition en vitrophanie monumentale, mais aussi en couverture du catalogue, flyers etc...

Pour cette première étape de la visite, je tiens à remercier:

Emmanuelle Polack, bien sûr, pour sa confiance et notre collaboration fructueuse

Le Mémorial de la Shoah, sa direction, pour la confiance accordée et renouvelée

L'équipe du Lieu de Mémoire, et en particulier Floriane Barbier

Les prêteurs, facilitateurs, aidants de toute sorte:

Galerie 1111, Lyon – Laurent Giros

Galerie 1900-2000, Paris – Collection David et Marcel Fleiss

Galerie de l'Institut, Paris – Yves Lebouc et Anne-Gaëlle Lebouc

Galerie Le Minotaure, Paris – Benoît Sapiro et Judit Baranyai

Galerie Pauline Pavec, Paris – Pauline Pavec

Galerie Zlotowski, Paris – Yves Zlotowski

Indivision Ida Chagall/Michel Brodsky

Monsieur Alain Tarica

Ainsi que

Association Atelier André Breton – Constance Krebs

Galerie Berthet-Aittouarès, Paris

Sarah Bloomfield

Aube Elléouët Breton et Oona Breton

Catherine Burki

Sébastien Chauffour (MAE)

Christophe Chouard

Nadia Ficara

Peggy Franckstone

Chloé Gaudron

Ambre Gauthier

François Gousset

Bertrand Hugues

Marin Karmitz

Jean-Louis Losi

Céline Moine

Jean-Claude Planchet

Alan Riding

Charlotte Norberg

Sylviane Sarfati

Dominique et Norbert Torrente

Et Madame Eliane Wauquiez

Région Auvergne Rhône-Alpes, Fondation pour la Mémoire de la Shoah, Fondation Rothschild, Département de la Haute-Loire, DRAC Auvergne Rhône-Alpes, Association pur la Mémoire des enfants cachés et des Justes

Karine Barou, Tania Hagemeister

Merci à la presse régionale de Haute-Loire de parler de notre exposition au Chambon sur Lignon : une bonne idée pour une sortie ce week-end! :)