Mona HATOUM – « Live action with Doctor Martens boots, performed for « Roadworks », Brixton Art Gallery, London – Vidéo, 6'45'', 1985 – Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de White Cube, Londres (GB)

Cette captation vidéo a été réalisée dans le cadre d'une série de performances menées par Mona Hatoum, en 1985, dans les rues de Brixton, un quartier ouvrier à prédominance noire, situé dans la banlieue de Londres. Il s'agit ici d'une des deux performances liées à une action organisée par un autre artiste, Stefan Szczelkun, et à l'invitation de la Brixton Art Gallery, intitulée «Roadworks», dont le but était l'intervention artistique face à un public qui n'est pas celui des musées et des galeries, mais celui de la rue. Ici, elle marche pieds nus sur le trottoir, à travers le marché et les arcades de Brixton, durant une heure. Les lacets de chaussures Doc Martens, à l'époque portées par la police, mais aussi les skinheads et les punks, attachés à ses chevilles, entravent sa marche, qui se fait lente et pénible. En exposant ainsi la fragilité de ses pieds nus contre la rudesse de la rue et les lourdes bottes qu'elle traîne méticuleusement derrière elle, comme un fardeau, elle pointe la violence de l'ordre social ( le quartier de Brixton était à l'époque le théâtre de violences et d'émeutes durement réprimées) mais aussi, peut-être, la difficulté en même temps que la pression à se soumettre à toute forme d' « intégration », les questions d'enracinement et de déracinement ( En 1975, Mona Hatoum vient à Londres pour un bref séjour et ne pourra pas rentrer chez elle, où la guerre vient d'éclater. Cet exil forcé et la séparation brutale avec sa famille restée à Beyrouth deviendront les thèmes de ses vidéos et de ses œuvres, au travers desquelles elle tentera de « restituer », ou plutôt de « reconstruire », un passé qui semble la hanter.)

Mona Hatoum est une artiste d'origine palestinienne, née à Beyrouth, au Liban, en 1952. En 1975, elle est contrainte à l'exil à Londres. Elle étudit à la Byam Shaw School of Art et la Slade School of Art. Marquée par les événements qui ont conduit le peuple palestinien à l'exil et à la lutte pour l'affirmation d'une identité nationale, Mona Hatoum oriente très tôt son oeuvre vers un engagement politique. Les performances qu'elle réalise au cours des années 80 sont empreintes d'un caractère contestataire et d'un esprit de résistance. Elle se tourne ensuite vers la vidéo, l'installation et la photographie. Elle aborde des problématiques liées au corps, à la construction du langage et aux conditions de l’exil. Son travail traite de l'expérience du déplacement, de la désorientation, de la reconstruction de l'identité.À partir du début des années 1990, son oeuvre évolue vers des installations de vastes dimensions. Les plus grands musées ou centres d’art du monde lui consacrent des expositions individuelles : Centre Pompidou, Paris (1994 et 2015), Museum of Contemporary Art, Chicago (1997), New Museum of Contemporary Art, New York (1998), Castello di Rivoli, Turin (1999), Tate Britain, Londres (2000), Hamburger Kunsthalle, Hambourg, Kunstmuseum, Bonn, Magasin 3, Stockholm (2004), Museum of Contemporary Art, Sydney (2005). L’artiste participe également à de nombreuses manifestations collectives : prix Turner, Londres (1995), Biennale de Venise (1995 et 2005), Documenta 11, Cassel (2002) et Biennale de Sydney (2006). 
En 2004, Mona Hatoum reçoit le prestigieux prix Sonning pour sa contribution majeure à la culture européenne, ainsi que le prix Roswitha Haftmann. En 2008, elle reçoit le Prix Schock, récompense de la Royal Swedish Academy of Fine Arts ainsi que le Ismail Shammout Prize de la Qattan Foundation de Ramallah. La fondation Querini Stampalia lui consacre une exposition personnelle, dans le cadre de la Biennale de Venise de 2009, et en 2011, elle obtient le Prix international d'art contemporain Joan Miro.

Un remerciement particulier et toute ma gratitude à Mona Hatoum et à son studio pour nous avoir offert la possibilité d'utiliser une magnifique image de "Roadworks" pour tous les outils de communication de l'exposition.

Kendell GEERS – Untitled ( Imperfect) – Peinture noire, horloges, 68 x 54 x 4 cm, 2011 – Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Galeria ADN, Barcelone (Espagne)

Cette œuvre de Kendell Geers est composée, sur un fond noir peint à même le mur, de deux horloges identiques. L'une à est l'heure de New-York, l'autre, à l'heure de Bagdad. Cette installation semble implicitement faire écho à une autre œuvre d'un autre artiste, également intitulée « Untitled »(« Perfect lovers »), crée en 1991 par l'artiste américain d'origine cubaine Felix Gonzalez-Torres. Cette oeuvre se présentait sous la forme de deux horloges identiques et parfaitement synchronisées, symbolisant l'amour et plus généralement l'union et la concordance, en même temps que l'universalité du temps. Mais Kendell Geers a remplacé le sous-titre "Perfect lovers" par "Imperfect" et ses horloges manifestent deux temps différents, celui entre un New-York peut-être paisible et un Bagdad en guerre ( l'oeuvre fut réalisée en 1991, à la fin de la guerre du Golfe) En pointant ainsi l'écart temporel entre les deux pays, il souligne leur discordance, désaccorde les temps, et dénie une vision globalisante du monde : le monde n'est pas le même pour tous et il est difficile de conjuguer des temps disjoints.

Kendell Geers est né en Afrique du Sud et vit et travaille à Bruxelles. Pendant la Biennale de Venise de 1993, il change officiellement sa date de naissance pour mai 1968, une année qui lui semble capitale et symbolique dans l'histoire du monde et des luttes humanistes.

Geers crée un travail qui vise à perturber les codes et les principes moraux communément acceptés. Employant un large éventail de références - des domaines de l'histoire de l'art, de la pornographie, de l'iconographie et du kitsch - Geers questionne la valeur artistique et se moque de la notion d'originalité. Son travail révèle un humour acéré qui joue avec la répulsion du spectateur et ridiculise les stéréotypes raciaux ou religieux. Dans le même temps, l'esthétique minimaliste de Geers génère une subtile note poétique. Son utilisation du langage, ready-mades, néon, verre, icônes, film, bande de chevron et d'autres objets surprennent souvent et exigent un certain degré d'interrogation de la part du spectateur.

Kendell Geers expose à travers le monde avec une grande rétrospective de son travail à Haus der Kunst, Munich, Allemagne (2013), mais aussi de nombreuses expositions personnelles à Budapest, Paris, Cape Town, Londres, Lyon, Kyoto ou encore Cincinatti et des participations à des expositions collectives importantes, comme «L'importance d'être», Museo de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Brésil (2015), "La Divine Comédie: Ciel, Enfer, Purgatoire revisité par les artistes africains contemporains", Frankfurt MMK, Francfort, Allemagne; tournée au SCAD Museum of Art, Géorgie, États-Unis; Musée national Smithsonian d'art africain, Washington, Etats-Unis; Museo Reina Sofia, Madrid, Espagne; Correo Venezia, Venise; Hayward Gallery, Londres, Angleterre (2015-2014), « My Joburg », La Maison Rouge, Paris, France (2013)...Les œuvres de Geers sont incluses dans des collections importantes à l'échelle internationale, y compris ArtPace, Texas, États-Unis; Chicago Art Institute, Chicago, États-Unis, FNAC, Paris, France, Magasin 3, Stockholm, Suède et Konsthall, Stockholm, Suède.

Le Pavillon de l'Exil 03- Escale à Saint-Louis, Sénégal

Du 28 avril au 3 juillet 2018

Institut Français de Saint-Louis – Galerie du Fleuve

Commissaires : Marie Deparis- Yafil et mounir fatmi

Dimitri FAGBOHOUN – Nkissi Pi , portrait de Picasso– Céramique émaillée, disque de laiton, 10 x 10 cm sur 40 cm de diamètre, 2017 – Avec l'aimable autorisation de l'artiste

Cette céramique, qui ressemble à un masque traditionnel fait partie d'un ensemble d'oeuvres que l'artiste a intitulé « Recollection », du latin recolligere : revenir à soi. « L'idée», explique-t-il, est de se réapproprier les œuvres d'art issues des traditions africaines, et qui ont influencées l’art ou la pensée occidentale (Guillaume Apollinaire, Pablo Picasso, Michel Leiris, le cubisme, le surréalisme...)(...) Elles me paraissent être des « immigrés » au même titre que moi, artiste issu de la diaspora africaine en Europe. Il s’agit donc ici de s’interroger sur leur influence, leur perception, leur force d’inspiration dans le contexte actuel, à l’instar de Jean-Michel Basquiat qui disait "Picasso est venu à l'Art primitif pour redonner ses lettres de noblesse à l'Art Occidental et moi je suis venu à Picasso pour donner ses lettres de noblesse à l'Art dit primitif », et de réinterpréter ces oeuvres africaines ayant fait l’objet d’une captation. ». Dimitri Fagbohoun s'intéresse ainsi à la production de ces objets et au-delà, à la manière dont les occidentaux, au travers de l'histoire du colonialisme et de l'histoire de l'art s'y sont attachés, comme forme d'art mais aussi comme commerce. En produisant à son tour des objets dits “fétiches”, dans une techniques différente, la céramique émaillée, il cherche à se “réapproprier” ces objets culturels et rituels. Le matériau utilisé, la céramique, est lui même partie prenante de ce processus, par la transformation, alchimique, de la terre par le feu.

« L’art nègre ? Connais pas » aurait dit Picasso en 1920 à un critique d’art. C'est que l'intérêt de Picasso pour ces arts dits « primitifs » n'était pas ethnographique, ni même à proprement parler esthétique: "Ce n’est pas un processus esthétique, c’est une forme de magie qui s’interpose entre l’univers hostile et nous, une façon de saisir le pouvoir, en imposant une forme à nos terreur comme à nos désirs." Et Picasso, comme Matisse ou Derain, fut un des premiers à voir dans ces masques et statues des oeuvres d’art, plutôt que des curiosités folkloriques. Pourtant, si Guillaume Apollinaire réclamait dès le début du 20ème siècle que les arts africains et océaniens fassent leur entrée au Louvre, ce n'est qu'au début du 21ème siècle, que la question de leur monstration, et au-delà de leur restitution, est prise au sérieux.

Ce portrait de Picasso se veut ainsi un clin d'oeil, une sorte de "retour à l'envoyeur".

Dimitri Fagbohoun est né en 1972, à Cotonou, au Bénin, d'un père béninois et d'une mère ukrainienne. Il grandit au Cameroun avant de s'installer en France. Dans son oeuvre, il projette son identité composite et transculturelle, remettant en question la définition désormais «anachronique» de «l'Africain» et ce que cela représente dans la mémoire commune aujourd'hui. Les thèmes et les questions qu’il aborde sont à l’image de son parcours et son histoire, à cheval sur les frontières géographiques et artistiques. Son travail protéiforme, par les formes hétérogènes qu’il utilise, vidéo, photographie, installation, exprime un rapport aux identités et à l’histoire dans lequel son écriture dérange les modèles qui les constituent. Depuis 2014, il s’interroge sur les œuvres d’art classique (africaines) qui ont influencées l’art ou la pensée occidentale. En 2017, pour le projet « Recollection », il a reçu le Smithsonian Fellowship Award du Smithsonian National Museum of African Art à Washington. DC . Son travail a été présenté internationalement (Londres, Moscou, Berlin, Montréal, Sao Paolo, Dallas, Cuba, entre autres), et exposé en Afrique (entre autres) dans le cadre de la Rencontre de Photographie Africaine à Bamako (Mali) en 2007 et 2011, le Festival Panafricain à Alger en 2009 et la Biennale de Picha au Congo en 2010 et à la DAKART biennale OFF 2012 et 2016.

Le Pavillon de l'Exil 03- Escale à Saint-Louis, Sénégal

Du 28 avril au 3 juillet 2018

Institut Français de Saint-Louis – Galerie du Fleuve

Commissaires : Marie Deparis- Yafil et mounir fatmi

Mohamed El Baz – French Song- Oeuvre sonore, 13'36'', 2012 – Hymnes – Oeuvre sonore, 12'45'', 2010 – Avec l'aimable autorisation de l'artiste

French Song et Hymnes sont deux œuvres sonores et musicales qui chacune interrogent, au travers d'airs qui peuvent être reconnaissables, les concepts d'appartenance et d'appropriation. La première œuvre est composée d'extraits de chansons françaises populaires, interprétées a capella par une voix féminine. Ces chansons qui, pour un français, renvoient à tout un espace-temps de souvenirs, d'une époque, à une forme d'identité culturelle, signifient-elles quelque chose pour un étranger ? Faut-il comprendre, ou ne serait-ce que connaître « Le bal perdu » de Bourvil, « La vie en rose » d'Edith Piaf, Alain Souchon ou France Gall pour se sentir français ou pour saisir ce que serait l'esprit français?

L'oeuvre Hymnes, quant à elle, reprend à la guitare plusieurs hymnes nationaux, que chacun s'efforcera de reconnaître. L'hymne, équivalent sonore du drapeau, est une allégorie enracinant la représentation symbolique d'une nation et d'une identité nationale. Consolidant l’esprit communautaire à l’intérieur du pays, favorisant le sentiment de cohésion et d'appartenance, tout en renforçant son image identitaire au regard du reste du monde, il suffit d'observer les débats autour des footballeurs qui entonnent – ou non- leur hymne national ou de la manière dont telle chanteuse aura interprété l'hymne national à la finale de la NBA pour en comprendre les enjeux politiques mais aussi sentimentaux. Faut-il oublier l'hymne du pays qu'on quitte, et apprendre à connaître celui du pays dans lequel on s'installe ? Connaitre et reconnaître cet air est-il un signe de son désir d'intégration ?

Né à Ksiba au Maroc, en 1967, Mohamed El Baz est diplômé en arts plastiques de l'Ecole Régionale d'Art de Dunkerque en 1989, il obtient en 1992 le diplôme supérieur d'expression plastique à l'Ecole Nationale Supérieure de Paris. Il suit également les cours de l'institut des Hautes Etudes en Arts Plastiques à Paris. Depuis 1993, Mohamed El baz réalise un projet intitulé « Bricoler l'incurable», titre générique de toute son œuvre inspiré du philosophe franco-roumain Emil Cioran. L’appartenance, la différence, le statut social, l’éclatement du concept de diaspora, le rapport à l’autre et le rapport au monde, la fonction de l’art, le rôle de l’artiste, sont autant d'axes autour duquel il décline installations, objets, images textes, performances ou livres d'artiste comme autant de fragments d'un ensemble sans fin, invitant le public à explorer des pistes chaque fois différentes.

Son œuvre est régulièrement montrée, dans des expositions personnelles ou collectives en de nombreux lieux en France ou au Maroc mais aussi dans le monde, au Canada, aux Etats-Unis ou en Chine, par exemple.

Il vit et travaille entre Casablanca, au Maroc, et Paris, en France.

Le Pavillon de l'Exil 03- Escale à Saint-Louis, Sénégal

Du 28 avril au 3 juillet 2018

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Commissaires : Marie Deparis- Yafil et mounir fatmi

Gohar DASHTI – Deux photographies issues de la série Stateless – Tirage sur papier photographique contrecollé sur Forex, 120 x 80 cm, 2014-2015 – Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Officine dell'Immagine, Milan (Italie)

Les photographies de la série Stateless donnent à voir des scènes de départ et d'exil, oscillant entre l'absurde et le drame, et provoquant immédiatement un lien compassionnel avec ses protagonistes.

Il règne dans ces images une atmosphère particulière, née de la rencontre de la situation exposée et du milieu dans laquelle elle prend place, s'écrivant comme un « conte énigmatique » enraciné dans la propre expérience de l'artiste. Car elles portent en effet en elles quelque chose de très autobiographique : l'artiste ayant grandi pendant la guerre entre l'Iran et l'Irak, sa famille a été contrainte de partir du Sud de l'Iran vers le Nord, départ forcé et enfance sous un régime de guerre que toute une génération, celle de Gohar Dashti, ne peut oublier.

Cette série, dont nous présentons ici deux photographies, a été réalisée sur Qeshm, une île iranienne dans le Golfe Persique, au paysage particulièrement impressionant de roches et de canyons, décor qui renforce la dimension symbolique et dramaturgique de l'oeuvre, mettant en lumière la manière dont le corps du réfugié se retrouve projeté au milieu d'une nature, d'un milieu, exogène et aride.

Gohar Dashti est né en 1980 à Ahvaz, en Iran. Elle a reçu sa maîtrise en photographie de l'Université des Beaux-Arts de Téhéran en 2005. Nourrie par la culture complexe de son pays natal et par son histoire récente tumultueuse, elle produit une œuvre à la fois humaniste («  la vie des gens occupe une place particulière dans mes photographies et mes projets de recherche ; je collectionne des photographies que des gens ordinaires ont prises dans divers contextes. », dit-elle), et personnelle, révèlant les cicatrices de l'enfance déchirée de sa génération, entre laïcité et tradition religieuse dans l'Iran contemporain.

Pratiquant principalement la vidéo et la photographie, elle a été exposée à Tokyo, à Rio de Janeiro, à Toronto, à Paris, à Berlin, à Boston et à Milan et ses œuvres sont entrées dans de nombreuses collections, parmi lesquelles celles du Musée Victoria et Albert à Londres, du Mori Art Museum à Tokyo, du Musée des Beaux-Arts de Boston, du Musée Nelson-Atkins à Kansas City, de la National Gallery of Art à Washington DC, du Musée de la photographie contemporaine de Chicago,aux Etats-Unis, ou encore de la Kadist Art Foundation, à Paris.

Le Pavillon de l'Exil 03- Escale à Saint-Louis, Sénégal

Du 28 avril au 3 juillet 2018

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Commissaires : Marie Deparis- Yafil et mounir fatmi