La seconde oeuvre formant le "dyptique" "Emporter le paysage", de Catherine Burki, était présentée dans le hall de la salle de spectacle l'Atalante. 

On remercie Christian et Jérôme, pour leur précieux travail de montage!

Et on espère pouvoir montrer à nouveau cette oeuvre bientôt...

Catherine BURKI

Emporter le paysage - Photographie, tirage sur papier affiche– 250 x 150 - 2012- Copyright Catherine Burki ( Présenté à l'Atalante)

Qu'allons- nous chercher dans le voyage et surtout que remportons-nous avec nous ?

Autre façon d'emporter avec soi le paysage, le marquer sur son corps. Sur le dos d'Ivan, un palmier comme inscrit sur sa peau de vacancier, marque pour un temps son lien intime avec ce paysage étranger qu'il ramène avec lui, insolite souvenir de voyage.

Les deux œuvres composant «Emporter le paysage» sont un peu à part dans le corpus d'oeuvres de Catherine Burki. Avec le dessin comme médium privilégié, son travail s'inspire entre autres du livre de la biologiste américaine Rachel Carson, «Printemps Silencieux», ouvrage qui, il y a plus de cinquante ans, alertait déjà sur ce qui est devenu aujourd'hui une urgence écologique. L' artiste entretient avec la nature une relation faite d'émotions, de retenues, de passions, et de questions, avec une fascination, une attention respectueuse pour le vivant et les formes que prend la vie. Renouer avec la nature, dans tout ce qu'elle est, y compris l'insignifiant, le minuscule, le presque rien, contribuer à une forme de réenchantement du monde, tels sont les desseins de Catherine Burki. Par son incessante et perspicace attention à son milieu, par sa volonté d'en partager la sensibilité, au travers de ses résidences, rencontres et projets collectifs, dans une simplicité de moyens, qu'il s'agisse de dessin, de peinture ou d'installation, Catherine Burki nous rappelle œuvre après oeuvre que «la terre que (nous foulons) n'est pas une masse inerte et morte» (H.D Thoreau) et contribue à l'élucidation d'une nouvelle écologie.

Née en 1976, Catherine Burki vit et travaille à Marseille, France

Peut-être passerons nous l'été privés de la vision enchanteresse d'un beau coucher de soleil sur la mer...un été impossible, en quelque sorte.

Avant même la pandémie, l'oeuvre d' Emmanuel Régent pouvait déjà amener à une réflexion sur la "mythologie" esthétique du coucher de soleil, dans l'histoire de l'art mais aussi dans l'histoire de nos vacances réelles ou fantasmées - nos mythologies personnelles-, aux prises avec l'accidentelle et inaccessible beauté de l'essentiel.

Emmanuel REGENT

Série Le dernier soleil – Aquarelles sur papier – Dimensions varaibles – 2016 – 2020 – Courtesy l'artiste

Un beau coucher de soleil sur la Méditerranée est probablement un imparable argument pour un touriste en villégiature sur la Côte d'Azur. Emmanuel Régent, lui, vit et travaille face à ce paysage de carte postale, qui, d'éternelle source d'émerveillement, est aussi devenu source d'inspiration et de travail. S'engageant dans la tradition picturaliste de la peinture de motif, comme aurait pu le faire Turner ou un impressionniste, il s'installe face à l'Ouest, sur la terrasse de son atelier dominant la rade de Villefranche-sur-Mer, et durant une heure ou deux, peint de la manière la plus classique qui soit, à l'aquarelle, ses visions du soleil couchant. «Je travaille les teintes du ciel sans aucun détail, sans aucun autre motif ajouté aux variations de la couleur», dit-il. Il se confronte ainsi non seulement à un sujet récurrent dans l'histoire de l'art mais aussi et surtout à l'un des clichés populaires les plus éculés. Peut-on faire autre chose qu'un cliché de carte postale, ou qu'une aquarelle du dimanche, d'un millionième couché de soleil sur la Méditerranée? Dans le même temps, les clichés ont toujours une raison d'être, et il n'y a probablement rien de plus beau que cette vision chaque soir renouvelée. Il faut alors se confronter à l'insaisissable splendeur de ce paysage, de ce perpétuel «dernier soleil» du jour, dont l'essence échappera toujours, impossible.

Vaine tentative, défi perdu d'avance que manifeste le geste de l'artiste qui, le lendemain, choisit la plus belle des aquarelles de la veille et la déchire en morceau, comme un aveu d'échec, de l'artiste lui même, comme de l'art, à restituer l'indicible. « Déchirée », dit l'artiste, « dispersée et jetée au vent telle une lettre d'amour impossible.»

Cette déchirure, et les fragments qui en résultent peuvent être appréhendés comme «la marque de l'artiste, qui préfère le vide au plein, l'absence à la présence, l'effacement à l'affirmation». (P. Scemama) Connu pour ses impressionnants dessins au feutre noir, au rendu lacunaire (files d’attente, rochers de bord de mer, vestiges archéologiques ou villes en ruines...), faits de milliers de hachures et laissant une large place au blanc et à la réserve, Emmanuel Régent produit une oeuvre dans lequel le retrait prévaut toujours sur sur l'ajout, de ses «Nébuleuses»,, toiles poncées révélant la couleur sous le noir, jusqu'à ces fragments d'épaves -proches formellement de ses aquarelles de soleil- qu'il remonte du fond de la Méditerranée et expose sans y toucher. Dans un processus de révélation, d'apparition, mais aussi d'effacement, d'attente et de manque, son œuvre porte une dimension à la fois romantique et fragile. “J’essaie de construire des échappatoires, d’organiser des fuites, d’ouvrir des sorties par le blanc du papier, de construire des espaces de suppositions, de divagations, d‘égarements…”

Diplômé de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris en 2001, Emmanuel Régent est lauréat en 2009 du Prix Découverte des Amis du Palais de Tokyo. Il expose régulièrement en France et à l'étranger.

Né en 1973 à Nice, il vit et travaille entre Villefranche-sur-Mer et Paris.

On aborde ici les dernières oeuvres de cette salle, avec les deux pièces de Pierre Ardouvin, issues de la série Ecrans de veille. Je dois dire que j'étais d'emblée fascinée par cette idée de matérialiser cette sorte de béance sous-jacente à toute sensation de bonheur et en particulier à la recherche forcenée du plaisir, fusse-t-il simple, pendant le temps des vacances, sorte d'"epokhe" bienfaisante au prix du silence de nos angoisses, de nos peurs, ou de nos drames...

Mais aujourd'hui, ces images parlent aussi autrement, de l'apparente placidité du paysage construit par dessus les menaces d'effondrement, plus manifestes que jamais.

Pierre ARDOUVIN

L’inquiétude des jours heureux, (2 œuvres), Série Ecrans de veille - Impression sur toile, résine, paillettes, cadre - 68x96 cm - 2018 - Production Labanque. Courtesy L'artiste & Galerie Praz-Delavallade Paris/Los Angeles. Credit Photo Pierre Ardouvin

Il y a toujours une ombre qui plane, une béance souterraine sous les jours apparemment heureux. Au temps des vacances, parenthèse bénie pour ceux qui aspirent aux joies simples, on se rend au point de vue panoramique, on fait de la barque, en toute innocence, ignorant des abîmes. On emmène avec soi des souvenirs de carte postale.

La série des « Ecrans de veille » est un travail sur la mémoire, sur les souvenirs collectifs réels ou fictifs véhiculés par ces images de carte postale, liées à l’emergence du tourisme populaire, de la société des loisirs de masses, celle des stations balnéaires, du tourisme culturel et muséal.

Dans un processus de collage récurrent chez lui, Pierre Ardouvin associe les images, les retouche. Imprimées sur toile et recouvertes de résines finement pailletées, ces images ainsi liées forment un nouveau paysage désormais teinté d'étrangeté et inquiétude. Le monde qu'il convoque « met en lumière » dit-il, « la porosité de la démarcation entre fantaisies et cauchemars ». Des visions qui parasitent en profondeur la construction intimes et culturelles d'images idyllique de vacances sous la menace d'effondrement et de désillusion.

Pierre Ardouvin produit une œuvre protéiforme, réalisant installations, sculptures, dessins, faisant appel de manière récurrente à l'assemblage et au collage. Sa démarche développe, depuis les années 90, une réflexion sur la culture et la société du spectacle, les « rites populaires » dans le contexte de l'industrie culturelle (dont les vacances et le tourisme font bien entendu partie), les rapports de classes et d'identité. S'appropriant souvent des objets du quotidien, il en interroge le sens, l'authenticité, à travers des opérations de recyclage ou de réassemblage, convoquant un imaginaire familier, irrigué par des souvenirs à la fois personnels et collectifs, proche de la culture populaire. Les matériaux synthétiques et kitsch qu'il emploie comme les animaux empaillés, les paysages de cartes postales, les mélodies et décorations populaires, prennent souvent pour référents les archétypes et représentations collectives du bonheur, de l'enfance, l'iconographie vernaculaire des loisirs, de la fête populaire. Son travail dévoile souvent la violence ou la mélancolie latente qui émane de ces représentations a priori inoffensives « C'est cette tension entre les formes de l'artifice populaire et leurs impacts psychiques qui électrise le travail de Pierre Ardouvin » (G. Desanges)

Pierre Ardouvin est né en 1955, il vit et travaille à Paris, France

Cela m'arrive assez rarement, mais j'avais envie de montrer à nouveau cette série de cartes postales ( ce ne sont pas exactement les mêmes mais c'est la même série) que j'avais montré il y a deux ans à St Louis, au Sénégal, dans le cadre de l'exposition Pavillon de l'Exil, avec mounir fatmi. J'avais souhaité y développer une réflexion, déjà, sur la question de la relation du tourisme à la migration. J'écrivais:

"Cette oeuvre, comme celles installées à proximité, du groupe UNTEL, ouvre une réflexion sur la place du tourisme dans le monde contemporain, avec son économie, ses ambiguités, les valeurs, les réalités, les visions du réel qu'il véhicule mais aussi et surtout les relations ambigües entre tourisme et immigration : même charters, mêmes destinations, mais pas dans le même sens Si pour quelques uns la migration représente un pouvoir sur le temps et l’espace, une liberté de vivre, de travailler, de se distraire, de rêver ailleurs, elle est pour des milliers d’autres un rêve impossible ou un arrachement."
*

En outre, la carte postale est un objet à la fois incontournable de toute réflexion sociologique et esthétique sur le tourisme, et que de nombreux artistes se réapproprient de diverses manières depuis longtemps. Il y a beaucoup à dire sur la carte postale, on pourrait même lui consacrer une exposition entière (et cela avait d'ailleurs été fait en 2019 à Arles si mes souvenirs sont bons).

J'ai donc choisi ces cartes postales de Farah Khelil, dans un travail à la fois conceptuel et émouvant.

Farah KHELIL

Point de vue, point d'écoute (clichés 2) - 13 cartes postales d'archives découpées - 10 x 15 cm - 2017-2019 – Courtesy l'artiste

Point de vue, point d’écoute (Clichés 2), est une série de cartes postales envoyées entre les années 1970 et 1990, soigneusement incisées et dont seul le verso manuscrit et timbré est exposé. En disposant les cartes de cette façon, le cliché pittoresque rendu invisible, l'artiste transforme cet objet usuel bien qu'aujourd'hui presque obsolète en une surface à la fois critique et poétique.

Si les textes manuscrits peuvent renvoyer à quelque chose d'émouvant (le souvenir d'un lieu, d'une villégiature), les contours découpés de ce qui est représenté mais que nous ne voyons pas –monument, objet touristique..- se laissant seulement imaginer, renvoient à l'idée de la vision touristique comme vision partielle, et partiale, du réel. Autrement dit, ce que voit l'oeil du touriste n'est qu'une connaissance superficielle d'un lieu, ce que la carte postale donne à voir d'un lieu est souvent caricatural et réducteur.

Ce jeu de dissimulation, et ce découpage, constituent des gestes pointant ce que l'artiste appelle « l'imposture du touriste », l'idée selon laquelle le touriste s'approprie un lieu comme espace connu, maitrisé, alors que cette « connaissance» n'est souvent que « distraite et partielle ».

Cette œuvre ouvre une réflexion sur la place du tourisme dans le monde contemporain, avec son économie, ses ambiguités, les valeurs, les réalités, les visions du réel qu'il véhicule.

Le travail de Farah Khelil cherche souvent à interroger «le point de vue» comme condition d’accès à une réalité de l’événement. Elle installe dans ses œuvres des protocoles de distanciation, de cécité, et des jeux de dissimulation et de dévoilement par détournement et appropriation de divers objets, documents ou archives, mais aussi par le dessin, l’écriture, la vidéo ou encore l’installation.

Docteur en Art et Sciences et diplomée de l'ISBAT de Tunis, Farah Khelil montre régulièrement son travail dans le cadre de nombreuses expositions personnelles et collectives, en France, en Tunisie, aux Etats-Unis, au Maroc, en Espagne, ou encore à Londres ou à Milan...

Née en 1980 à Carthage, en Tunisie, Farah Khelil vit et travaille à Paris, France.

Elle est bien  jolie cette image au premier regard, avant que l'on ne comprenne de quoi il s'agit...C'est toute l'efficacité de cette série d'images inspirées des affiches touristiques signées par Monk, graffeur , graphiste et pochoiriste belge. Après Phuket, on s'arrête ici à Lesbos, espace de l'impossible rencontre du touriste et du migrant, de l'accessoire et du nécessaire, de la vie et de la mort.

Monk

Visit Lesbos – Série Visit – Tirage sur papier affiche – 100x 75 cm – 2016- Courtesy l'artiste

Les deux créations de l'artiste belge Monk sont présentées ici pour la première fois en format «affiche», à l'instar des affiches touristiques dont elles sont inspirées. Véritables invitations au voyage, les affiches touristiques naissent avec l'invention de la lithographie à la fin du 19ème siècle, et connaissent leur apogée dans les années 30, avec l'émergence des congés payés. Compagnies de chemin de fer, en plein essor, et de navigation deviennent les premiers commanditaires de ces affiches, instruments de promotion idéaux pour susciter le désir de villégiature des potentiels voyageurs. Il s'agit de mettre en avant à la fois le pittoresque et le chic de destinations dans une approche esthétique spécifique, presque contemplative, valorisant l'idée même de voyage, et l'enchantement de l'ailleurs, de la « French Riviera » aux plages de Deauville, du tourisme d'hivernage à Alger au safari en Congo belge.

Dans la série «Visit», Monk s'approprie les codes de l'affiche touristique et les détourne pour présenter de manière frontale et grinçante un envers du décor. Monk HF a puisé son inspiration dans un poster de 1936 de Franz Krausz, «Visit Palestine», conçu pour encourager l’immigration en Israël, plus de dix ans avant sa «création» et devenu depuis, un symbole de résistance.

«Visit Lesbos»: L'île grecque était, jusqu'en 2005, une destination touristique de rêve jusqu'à ce qu'elle devienne, presque du jour au lendemain, le symbole de drame des migrants (jusqu'à près de 500 000 migrants échouent à Lesbos, au pic de la crise, qui n'est pas finie). «Visit Lesbos» dresse le portrait de deux types de voyage inconciliables: celui du touriste rêvant de sable fin et d'eau turquoise, celui de l'exilé, jeté mort ou presque sur la grêve, si il a eu la chance d'être rescapé des naufrages quotidiens. Si pour quelques uns la migration représente un pouvoir sur le temps et l’espace, une liberté de vivre, de se distraire, de rêver ailleurs, elle est pour des milliers d’autres un rêve impossible ou un arrachement. "Les gens ne veulent pas se baigner où d'autres se sont noyés", dit un hôtelier de Mitylène. Adieu les oliveraies et la forêt millénaire, les villages pittoresques, la forteresse de Molyvos, la plage d'Eressos et l'ouzo de Plomari...les décharges de gilets de sauvetage ont reformaté le paysage touristique en paysage politique.

Monk est un street-artist, graphiste et pochoiriste belge, vivant et travaillant à Bruxelles. Artiste engagé, Monk se veut citoyen du monde et crée des propositions graphiques toujours critiques et chargées de sens.