Dans ce monde de compétitivité, qui est celui du sport comme le nôtre au quotidien, le dépassement de soi et des autres, le record et la sur performance se développent. Le culte de l’extrême et du dépassement des limites font de l’exploit un acte logique.

Dans le détournement, les artistes, faisant appel à l’humour, au non-sens et au sens de l’absurde, remettent ainsi en question le véritable sens de la performance, comme une expérience du monde, dont le décalage fait œuvre.

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S’il est un objet sportif familier, c’est bien le ballon de foot ! Aussi, lorsque Laurent Perbos décide de s’attaquer au record du « plus long ballon du monde », en créant un objet comme génétiquement modifié, il « projette directement le spectateur dans une situation surréaliste », face à cette métamorphose inattendue. Est-ce encore un ballon s’il n’est plus jouable ? Est-il alors devenu une œuvre d’art ? Et sa forme devenue virile n’est-elle pas une manière de moquer le machisme de l’univers footballistique ? Mais surtout : pourquoi vouloir établir un tel record, a priori absurde ? Laurent Perbos explique : « Je détiens plusieurs records du monde. Par ce biais, je tente de montrer que chaque individu est exceptionnel, il suffit juste de savoir en quoi. De façon obsessionnelle, je répète, j’amplifie un acte ordinaire, aussi simple que celui de mettre un chapeau par exemple, afin que le résultat devienne à son tour contraire à l’usage, hors du commun, insolite. Je transgresse l’acte de valeur, l’action difficile et digne d’admiration, l’exploit, en métamorphosant l’acte dit « banal ». (…) Le record n’est autre que la matérialisation d’un acte ordinaire exagéré. L’histoire des records du monde que je développe dans mon travail est une métaphore de l’œuvre d’art. Certaines caractéristiques du record sont en tous points similaires à celles de l’œuvre d’art : unique, exclusif, rare, insolite... Mes pièces sont quand même plus des œuvres que des records, la prouesse n’est qu’un mobile pour produire de l’art. Donc pour produire il faut que je batte les records précédents, c’est un peu le but du jeu. »*

« Laurent Perbos travaille sur des champs et des médiums divers et diversifiés, touchant principalement à des activités de masse et de divertissement, issues de cultures populaires (tel le jeu, le sport, les records…), à ce qu'il appelle des « mythologies sociales ». Usant des déplacements et des décalages pour mettre en question son environnement et perturber l'ordinaire, il fait du détournement un véritable système de travail ».**

Par cette manière de détourner les codes, de s’éloigner de la raison d’être et des règles des jeux et des objets, Laurent Perbos donne à réfléchir sur des enjeux sociaux tels que la soumission à la norme, la compétitivité, la performance, ou l’échec. Une « extension du réel » qui, derrière une stratégie d’ironie, est peut-être plus sérieuse qu’il n’y paraît.

Cette attitude de dérision et d’idiotie, en tant que manière de lutter contre l’esprit de sérieux et forme subtile de subversion, le pousse donc à briguer au Guiness Book quelques titres des plus absurdes. Ainsi, le 18 janvier 1997, à Bordeaux, il réalise le record du monde du plus grand nombre de bonnets mis sur la tête, soit 51 bonnets, ainsi que le record du plus grand nombre de blousons portés les uns sur les autres, avec 37 blousons. Dans le même ordre, il est également l’heureux détenteur du plus grand nombre de petits pois mis côte à côte (551 980). Par ces activités absurdes, en dissonance avec la rationalité du monde réel contemporain, il projette, au-delà de l’échappée poétique, un monde des possibles qui, lui, reste encore à construire.

* Entretien avec Valérie Paillé

** Leila Quillacq, pour l'exposition «Marseille Artistes Associés 1977-2007» au Musée d'Art Contemporain de Marseille, 2007."

(Texte extrait du catalogue de l'exposition)

Le plus long ballon du monde - Ballon de football en cuir- 175 x 35 x 35 cm -– 2003 – Acquisition Domaine de Chamarande, 2004 – N° d’inv : 2004.1.6

Photo: courtesy Laurent Perbos

J'étais allée l'année dernière à Main d'Oeuvres, à St Ouen, découvrir les travaux des étudiants de l'ENSAPC, suite au workshop dirigé par Michel Delacroix, de Chez Robert, qu'on ne présente plus.

J'y avais repéré le travail de Capucine Vever, "Catch the Pieces". Aussi, quand l'idée est venue de cette exposition sur le sport, j'ai repensé à Capucine. Bien m'en a pris. S'assurant de la collaboration d'Amélie Deschamps, Capucine a réalisé, avec Amélie, un travail de construction d'une mythologie assez remarquable.

On ne peut aussi que les remercier pour leur investissement sans faille dans ce projet, leur enthousiasme, leur efficacité et leur sens du jeu.

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Officexpo et Ferir Ligue B se présentent sous la forme d’une installation et de l’édition en série limitée d’un album, évoquant pour l’un un bureau de fédération sportive et pour l’autre les fameux albums de vignettes de sportifs qu’affectionnent et collectionnent les enfants. Ferir Ligue B, anagramme* du nom de l’exposition FIGURE LIBRE, joue sur le sens du terme médiéval férir**. Cet album est l’émanation du projet Fedexpo, qui est également composé d’un bureau itinérant baptisé Officexpo. Fedexpo se présente comme un mode d’interprétation des expositions « adhérant » à la Fédération, générant une fiction retranscrite sous la forme d’album et de vignettes à collectionner.

Ici, au travers du propos général de FIGURE LIBRE, Amélie Deschamps et Capucine Vever se sont intéressées aux mythologies qui fondent l’univers du catch et s’y construisent. Elles ont imaginé des personnages, semblables aux personnages de catch, avec leur histoire, leur manichéisme et leur mythologie. Elles produisent ainsi une fiction à la manière d’un tournoi sportif en proposant 22 figurines créées à partir des anagrammes des noms des artistes et des commissaires de l’exposition. Chaque figurine-personnage fait l’objet d’une vignette que les visiteurs peuvent collectionner et placer dans l’album qu’ils pourront acquérir, créant ainsi les conditions de développement de leur propre tournoi. Durant l’exposition, l’Officexpo propose une permanence du bureau de la Fédération au sein même de la Salle d’exposition, qui permet de découvrir les catcheurs de Ferir Ligue B, leurs mythologies et leur histoire, et de prendre contact avec Fedexpo, la fédération (sportive) des expos !

Amélie Deschamps et Capucine Vever sont toutes les deux récemment issues de l’Ecole Supérieure d’Art de Cergy. Les recherches formelles de Capucine Vever la conduisent, à la fin de son cursus, à prendre en compte « la notion de réseau au sein d’un rapport d’échelle ». Ses pièces, souvent réalisées de manière contextuelle, se font écho, en liant entre elles des mythes, des légendes et des peurs contemporaines. En activant ces différents réseaux, en traitant des questions de la communication et de la contamination, son travail, qui peut se traduire en objet, édition, sculpture monumentale, site internet communautaire, vidéo ou pièce sonore, porte sur la mise en relation des codes constitutifs de différentes communautés à priori hétérogènes.

La démarche d’Amélie Deschamps se fonde, quant à elle, sur l’observation des fonctionnements communautaires, principalement par immersion dans un milieu donné. Si elle choisit la prise de vue et de son de type documentaire, qui produit une représentation d'une réalité à priori indépendante de toute mise en scène, pour collecter la matière « brute », le traitement de cette matière constitue le cœur de sa démarche. Ces banques sonores et visuelles, utilisées comme des samples, génèrent des fictions, des installations sonores, des vidéos ainsi que des performances, qui ont pris une place prépondérante dans son travail. Ces pièces « performatives », à l’inverse des pièces sonores, ont tendance à reproduire le schéma de fonctionnement d’une communauté par mimétisme retravaillé. Elles engendrent à la fois des collaborations avec d’autres artistes, des musiciens, et avec les acteurs de ces performances.

*Anagramme : renversement de lettres. Construction qui inverse les lettres d’un mot ou groupe de mots.

** Le verbe férir prend son origine au Moyen Age. Il signifie frapper, par analogie avec l’arme en fer du combattant. On disait aussi croiser le fer."

Texte extrait du catalogue de l'exposition.

Les albums de Ferir Ligue B, ainsi que les stickers, par lot de 5, présentés à l’Officexpo sont vendus le temps de l’exposition à la Maison de la Presse de Villaroy/Guyancourt. En édition limitée et numérotés.

Remerciements à l'ENSAPC pour son soutien dans la réalisation technique de "Ferir Ligue B"

A l’occasion du vernissage de l’exposition FIGURE LIBRE, Amélie Deschamps a ré-initié sa performance Tap’ok’tap; où il est question de jeu de balle, de mayas, de claquettes, d'absurde et de mise à mort...

Photo 1: Capucine Vever font la permanence au bureau de la Fedexpo

Photo 2: Performance "Tap ok Tap", initié par Amélie Deschamps

Détournement d’icônes

Mélanger l’art et la vie : devenir l’espace d’un instant une star du football, prendre la place des nouvelles icônes que sont devenus les sportifs de haut niveau, réfléchir sur le pouvoir des logos...

J'avais découvert le travail de Cyril Hatt à Slick l'année dernière, et j'avais retenu de ses étonnants volumes photographiques une impression d densité qui était trompeuse, car il n'y a rien de plus léger que ces objets, et cela renforce l'étrangeté de ces oeuvres au réalisme malmené.

Nous avons choisi de montrer plusieurs oeuvres de Cyril Hatt dans l'exposition, et, en particulier dans cette première partie, un ensemble de "chaussures à logo", comme une interrogation sur cette sorte de hiatus entre le fantasme du logo, et la réalité de l'objet.

"Une fois passé le moment de perplexité et d’étonnement face aux objets réalistes mais étrangement usés de Cyril Hatt, on saisit à quel jeu sculptural, autour de l’illusion de l’image, de la matière, de la densité et des volumes, l’artiste nous convie. Cyril Hatt s’approprie des objets du quotidien, souvent issus de la culture populaire - une bicyclette, un tee-shirt - ou de l’univers de la rue - comme le skate-board -, à la fois ordinaires et anodins, si quotidiens qu’on ne les voit plus. Il les fait renaître sous notre regard, dans la reconnaissance troublée de cette réalité, à la fois étrange et familière.

Avec ses chaussures de sport « à logo », il présente des objets de désir « presque » à l’identique, mais qui, contrairement à une contrefaçon, se trouvent vidés de leur substance, de leur valeur marchande. « Peau » de l’objet ou simulacre, l’artefact, avec ses sutures visibles, se trouve privé d’une certaine manière de son pouvoir de séduction, montrant comme l’envers de son décor, sa métaphore négative.

Travaillant depuis longtemps sur la matière photographique, Cyril Hatt produit des « volumes photographiques » depuis 2003. Pour lui, la photographie est un matériau et un moyen de détournement de l’image de l’objet. Prenant des dizaines de clichés d’un objet sous tous les angles, il en découpe les contours puis le réassemble en volume à l’aide de simples rubans adhésifs et d’agrafes. Il le recrée alors dans ses trois dimensions, opérant ainsi un glissement des dimensions. Appliquant à n’importe quel objet ce procédé de « stéréophotographie »*, Cyril Hatt peut réaliser des objets aussi impressionnants qu’un bus ou une voiture à l’échelle 1 et même des intérieurs d’appartement entiers ! Il questionne ainsi la perception de la réalité, des volumes et de la densité par des effets d’illusion. Mais dans le même temps, cette mise en volume inhabituelle de l’image photographique n’est pas une duplication hyperréaliste de l’objet. Les photographies-sculptures de Cyril Hatt, altérées et fragiles, à la fois « bricolées et sophistiquées », semblent avoir vécu. Artefacts dotés d’une certaine étrangeté, réalités sublimées, les objets sont théâtralisés, comme des reliques, devenant simulacres de notre monde quotidien, dont le réassemblage paraît en dévoiler une forme de vérité intrinsèque.

*Depuis 2003, Cyril Hatt travaille autour du procédé de stéréophotographie. « La stéréophotographie est un procédé qui permet de créer l’illusion du relief en superposant deux photographies prises d’un même objet ou lieu, mais à partir de points de vue légèrement différents, recréant la distance entre les deux yeux. C’est de centaines de points de vue qu’a besoin Cyril Hatt pour recréer le relief sans passer par l’illusion d’optique », François Bazzoli"

(Texte extrait du catalogue de l'exposition)

Oeuvres Courtesy Galerie Bertrand Grimont

On retrouvera prochainement la Galerie Bertrand Grimont et Cyril Hatt à la FIAC, cour carrée du Louvre

J'avais rédigé il y a quelques mois ce texte pour parler du travail de dessin de Christophe de Fabry, que l'on pourra découvrir dans quelques jours, à partir du 14 janvier, à la Galerie Deborah Zafman, dans le Marais.

Il est rare qu'on puisse affirmer sans proférer de truisme qu'un artiste développe dans son oeuvre un univers très « personnel ». Car tous, d'une manière ou d'une autre, réalisent dans la création la synthèse d'une perception subjective du monde et de préoccupations dans une stratification complexe de mobiles où s'entremêlent vécu et histoire, réalité et désir, plaisir et souffrance, imagination et espoir... Mais s'il fallait illustrer cette évidence par le travail de l'un d'entre eux, les dessins à l'encre de Christophe de Fabry en serait le parangon, donnant autant à voir un pan de monde fantasmagorique que sa plus secrète intimité.

Car il n'y a sans doute dans ses dessins aucun abandon plus sincère pour l'artiste -de cette sorte d'exigence de sincérité aussi poignante que libératoire- que ces étranges personnages, caractères plus que figures, organes plus que corps, fantaisies grinçantes plus qu'histoires.

Un corpus, un bestiaire, un bréviaire, une nef des fous qui jetteraient bas les masques, comme si nos corps nos visages n'étaient que spectres et simulacres...Christophe de Fabry en atomise l'apparente bien-pensance, dévoilant, avec la plus grande ironie, et un certain sens du burlesque, une physionomie, un geste, un trait, un caractère. Voici vanité, concupiscence, fatuité, obscénité, cupidité ou luxure se révélant sous ses traits de crayon acides.

S'il a gardé de ses premiers essais la vivacité du tracé se déroulant, motif après motif, sur le papier, le geste a perdu de sa spontanéité brouillonne au profit d'un trait précis, puissant, presque obsessionnel. Se déploie une œuvre graphique sur le fil, comme prise dans l'urgence de la brutalité de l'émotion en même temps que travaillée jusqu'à l'extrême de lacis de lignes, rhizomes construisant peu à peu les espaces, laissant s'imposer les formes. Le travail de Christophe de Fabry, amateur de cadavres exquis, suggérerait bien tout à la fois certains aspects du dessin surréaliste, quelque chose proche d'un art brut à la Unica Zürn, au bord de l'hallucination, une plongée psychique à la Louise Bourgeois, une folie boschienne, en tout cas une certaine violence, dans ces métamorphoses du corps, ces mutations organiques, parfois habitées d'une vie grouillante.

Mais avant que toute référence, le travail de Christophe de Fabry peut s'appréhender d'abord dans sa spécificité, comme écriture de soi, spéculation, étonnement du processus échappatoire. Laissant enfin s'exprimer sans entrave sa réalité intérieure, ces visions impétueuses qu'il ne maîtrise pas, il se fait explorateur de cette « altérité de l'existence » dont parlait Lacan. Assumant la fonction cathartique de la création, les dessins de Christophe de Fabry sont autant de tentatives de réconciliation avec le je-autre, de réappropriation de soi.

Ainsi cette expérience personnelle et esthétique se mue-t-elle en expérience portant l'universel, transcendant le narcissisme de la démarche : les dessins de Christophe de Fabry parlent de s'affranchir de la censure, de renverser les tabous, de sortir de soi pour mieux y entrer, y vivre, y renaitre. La feuille blanche rongée de dessins se fait métaphore d'un espace psychique, un espace de libération, de réparation, de restauration de soi.

L'artiste questionne sans rien affirmer quelque chose de l'ordre du mystère des genres, de leurs permutations et de leurs polarités, des ambivalences et des ambiguités du masculin et du féminin. Expressions ou impressions érotiques, se dessine une galerie de portraits dans lequels bouches, yeux, chevelures sont aussi vulves, penis, vagins, sperme mais aussi formes informes que l'on devine vivantes, organes non répertoriés, fluides indéterminés...

Ce faisant, Christophe de Fabry, dans le grincement de son trait, ose explorer les régions sous-terraines et obscures de l'envers du monde, un monde à la fois physique et fantasmatique, dans le mystère de la cellule, de la multiplication, de la reproduction, de l'organicité, du viscéral. Ce monde qui part et parle des entrailles et qui, toujours, fascine.

Dans ses plus récents travaux, Christophe de Fabry matérialise, d'une certaine manière, ces ambiguités de la matière, de la forme et du fond, en expérimentant de nouveaux matériaux et de nouvelles manières. A la douceur colorée, duveteuse et tendre de la laine cardée, parfois renforcée d'un écrin d'aquarelle, l'artiste oppose et mêle la cruauté, sombre et vitale, de ses dessins à vif. Etape décisive dans son processus de création, le dessin à l'encre semble former la gamme à partir de laquelle le procédé de création à la laine cardée se fait partition, engageant progressivement l'artiste sur la voie de l'expérience esthétique d'une « inquiétante étrangeté » se métamorphosant peu à peu en Beauté.

A l'occasion de cette exposition, Christophe de Fabry présentera un livre-catalogue signé et numéroté. Ce texte se trouve en préface de ce catalogue.

Dessin encre et aquarelle- Courtesy Christophe de Fabry-

C'est avec plaisir que j'ai pu voir que l'installation sculpturale que j'avais commandé à Sylvie Kaptur-Gintz pour l'exposition "Seconde peau, seconde vie"...continue sa vie! Récemment exposée dans le cadre de la 4ème Biennale armoriciane d'Art contemporain, "Le regard des autres", "Port-Royal" a été installée au Musée de la Briqueterie de Langueux, Parc de Boutdeville à Langueux. A voir jusqu'au 29 novembre.

A cette occasion, le texte que j'avais écrit pour  le catalogue de "Seconde peau, seconde vie" a été re-publié dans le catalogue de la Biennale.

La robe de Sylvie Kaptur-Gintz, entièrement faite de bandes plâtrées et de bandes « Velpeau », rubans de crêpe de coton nécessaires aux pansements, n est pas une robe à porter mais une robe symptôme, ouvrant à une multiplicité d interprétations et de sens. La femme qui porterait cette robe, avec son corset rigide de bandes plâtrées, serait obligée à un « port de reine », dans cette robe qui soutiendrait, masquerait, soignerait ses blessures et ses faiblesses. « Port-Royal ", c est aussi le nom du boulevard parisien où se situe un important hôpital maternité. Au travers de cette robe, ce sont donc différentes figures de la féminité qui sont mis en jeu et en regard : la femme mère, la femme protectrice, celle qui

panse les petites et grandes blessures mais qui vit aussi avec ses propres blessures, ses douleurs.

Parmi elles, parfois, le regard sur soi déformé par les images de femmes que renvoient les magazines, et dont Sylvie Kaptur-Gintz obture ici la visibilité.

L installation de chaussons de danse en bandes plâtrées qui l accompagne renforce ce sentiment de fragilité, rappelle à la fois à l enfance -quelle petite fille n a pas rêvé d être danseuse ?- mais aussi à la souffrance du corps au travers de l'évocation de la pratique de la danse. "Port-Royal » est une évocation émotionnelle intime à propos de l identité d une femme, poétique et d une grande puissance évocatrice.

Chez Sylvie Kaptur Gintz, la nécessité de créer est une évidence car dit-elle souvent, « l acte de peindre

est étroitement lié aux notions de naissance et de renaissance ». Car le monde, ou plus exactement, « l être au monde", est une naissance sans cesse renouvelée, porteuse de mémoire, d' identités, d histoires individuelles et d histoires collectives. Dans ses installations, les dispositifs formels sont intimement liés au sens, et aux émotions suscitées, travaillant sur la singularité de la condition humaine, sur la présence humaine dans sa multitude et son unicité, dans sa force et sa fragilité.

voir le site de Sylvie Kaptur-Gintz: www.kapturgintz-plasticienne.com

"Le regard des autres" - 4ème Biennale armoriciane d'art contemporain - Jusqu'au 29 novembre 2009 -PLERIN . Le cap PLOUFRAGAN . Espace Victor Hugo LANGUEUX . Point Virgule . Musée de la Briqueterie SAINT BRIEUC . Pavillon des expositions temporaires au Musée d'art et d'histoire de Saint- Brieuc . Centre Départemental de Documentation Pédagogique .