Ce sera sans doute un des premiers vernissages de la rentrée et c'est à ne pas manquer!

En attendant de retrouver d'autres oeuvres de Corine Borgnet, que j'ai choisies pour "Au-delà de mes rêves" (des infos très bientôt!), on va pouvoir découvrir, à la Galerie Talmart, le deuxième volet, ou la suite, de "Ego Factory", qui avait eu lieu à Montreuil à l'automne dernier.

Voici donc "The Cure", davantage réflexion sur la valeur curative du travail et sur ce "monde impitoyable" qu'est le monde du bureau, que clin d'oeil au groupe anglais de notre jeunesse!

«  Dans la glorification du «  travail  », dans les infatigables discours sur la «  bénédiction du travail  », je vois la même arrière pensée que dans les louanges adressées aux actes impersonnels et utiles à tous : à savoir la peur de tout ce qui est individuel. Au fond, ce qu’on sent aujourd’hui, à la vue du travail – on vise toujours sous ce nom le dur labeur du matin au soir -, qu’un tel travail constitue la meilleure des polices, qu’il tient chacun en bride et s’entend à entraver puissamment le développement de la raison, des désirs, du goût de l’indépendance. Car il consume une extraordinaire quantité de force nerveuse et la soustrait à la réflexion, à la méditation, à la rêverie, aux soucis, à l’amour et à la haine, il présente constamment à la vue un but mesquin et assure des satisfactions faciles et régulières. Ainsi une société où l’on travaille dur en permanence aura davantage de sécurité : et l’on adore aujourd’hui la sécurité comme la divinité suprême. "

F. Nietzsche - Aurores (1881), Livre III, § 173 et § 206,  trad. J. Hervier, Gallimard, 1970.

 Après « Ego Factory », Corine Borgnet présente à la Galerie Talmart « The cure », le deuxième volet de sa réflexion critique autour du travail, de ses objets, de ses codes et de ses représentations, au croisement d’une réflexion sur la place de l’art dans ce monde sans pitié pour les rêveurs.

Corine Borgnet choisit ici d’offrir leur quart d’heure de gloire wharolien à ces sujets peu explorés dans la création contemporaine –celle-là même qui a pris la liberté d’une autre voie-, à tous les anonymes travailleurs, aux acteurs de la production de masse, aux pions sur l’échiquier, prisonniers d’un système hiérarchique qui, soyons en bien sûrs, veille sur eux…Ainsi tente-t-elle ici de rendre à ces invisibles, aux travers de ceux qui leur ont prêté leur dénuement générique et leurs visages, leur individualité, leur intégrité transcendée en œuvre d’art.

Voici donc l’artiste en prise avec les images de l’impitoyable univers du travail et de la vie de bureau, dont elle a justement choisi de fuir les codes et les contraintes, en lutte contre le glissement bureaucratique et souvent désenchanté du monde contemporain. Le projet de l’exposition « The cure » procède donc de cette position de résistance, mais aussi, comme le dit souvent Corine Borgnet, d’une lutte perpétuelle contre la perte de la liberté d’esprit et des rêves de l’enfance, cette sorte de « parenthèse enchantée », dans laquelle le principe de plaisir, source de tous les imaginaires, ne s’est pas encore heurté à la rationalité, au principe de réalité et aux nécessités économiques. Le détournement en matériau plastique du Post-it, qu’elle travaille depuis plusieurs années, pris comme symbole du monde de l’entreprise, s’offre alors comme une alternative, une ligne de fuite poétique, et parfois ludique, hors de cette ultime manifestation de la société du spectacle, pour reprendre la terminologie de Guy Debord.

Au travail bureaucratique, « moyen le plus rationnel que l’on connaisse pour exercer un contrôle impératif sur des êtres humains »*, au travail aliéné, selon la dichotomie marxienne, Corine Borgnet oppose le travail créatif qui est le sien, portant un regard acéré sur ce que le monde du travail peut avoir de déshumanisant. Ici, le visiteur se trouve happé par des pense-bêtes, listes et notes urgentes surdimensionnés, hanté par les corps nus de travailleurs rudes à la tâche, traités en Post-it, au lieu de revêtir le costume de leur fonction. lndividus réduits à l’état de force de travail, à une fonction aussi obsolète qu’un objet peut le devenir, réifiés. Corps vulnérables donc, et fragiles, aussi jetables et éphémères que des post-it usagés. Des Post-it humains. On les découvre, rangés dans leurs casiers comme des dossiers, le regard vague à la fin du labeur, le corps fatigué, avides de retrouver dehors cette partie de la vie gagnée pour avoir accepté d’en perdre l’autre partie, comme dirait Marx, tentant donc vainement de s’échapper de quelque prison, office men et working girls sans glamour, petite armée de spectres, parfois franchement inquiétants, crucifiés sur l’autel de la productivité, de la rentabilité et du travail bien fait, le tout dans l’univers rude et sans apprêt, ni open space ni plantes vertes,  d’une usine désaffectée.

Au sous-sol de la galerie, on découvre l’œuvre « The cure », une impressionnante composition de Post-it de près de 5 mètres de long. Chaque carré de papier coloré est griffé d’un signe, une figure elliptique, une ligne bouclée, que seule une secrétaire –une secrétaire old school, qui saurait encore prendre des notes écrites- pourrait déchiffrer. Car il s’agit là en fait du compte-rendu en Gregg shorthand, la technique de sténographie la plus courante aux Etats-Unis, d’une heure de thérapie. Réalisée après les attentats du 11 septembre, à une époque où Corine Borgnet résidait encore, avec sa famille, à New-York, « The cure » déroule ses 3600 post-it, un par seconde de thérapie à distance, minutieusement retranscrit d’après la conversation que l’artiste eut, à propos d’elle-même, de ses enfants, des New-York et des attentats vécus en direct, avec une thérapeute iranienne vivant en Suède.

On serait fort tentés de faire un parallèle entre le pouvoir de la thérapie sur le traumatisme et les vertus curatives de l’art sur un monde en crise. Schopenhauer ne disait-il pas lui-même que l’art est la plus salvatrice des illusions, l’ultime et nécessaire remède au pessimisme qui résulte inévitablement de l’intuition de l'essence du monde ?

A partir de cette intuition, Corine Borgnet s’efforce de transvaluer les affres et les totalitarismes plus ou moins insidieux du monde contemporain en œuvres d’art, dans un langage plastique abouti, avec force et lucidité, comme une échappée nietzschéenne.

 *Max Weber – Les catégories de la sociologie, tome 1 : Economie et société (1921) – Plon, 1971

THE CURE

EXPOSITION PERSONNELLE  de CORINE BORGNET

DU 7 au 28 septembre 2013

VERNISSAGE LE VENDREDI 6 SEPTEMBRE à partir de 18h

Avec

Une perfomance participative exceptionnelle

"LE DUEL"

une partie d'échec à taille humaine/inhumaine

animée par le collectif UME

GALERIE TALMART
22 rue du Cloître St Merri Paris 4ème

(Dossier de presse de l'exposition sur demande)

Photo: "Pôle emploi", 2012 - Copyright: Corine Borgnet - Prise de vue: Pierre Leblanc - Post production: P. Puisieux

Texte réalisé pour l'exposition

Deux artistes  de l'exposition "A nos pères" , qui dure jusqu'au 18 juillet !, sont mis à l'honneur cet été au Centre Culturel de Serbie de Paris, bel espace au coeur de Paris, face au Centre Pompidou. Brankica Zilovic et Bogdan Pavlovic, deux projets, Noir sur Blanc,  à découvrir dès le Vendredi 5 juillet!

Du 5 juillet au 5 septembre 2013

Vernissage Vendredi 5 juillet à partir de 18h

La Galerie du Centre Culturel de Serbie est ouverte de Mardi à  Samedi de 11h30 à 18hAdresse : 123 Rue Saint-Martin, 75004 Paris Téléphone :01 42 72 50 50

Merci à tous d'être venus si nombreux découvrir "A nos pères" à la Galerie 2.13 pm ce samedi! Par bonheur, rare, le temps était avec nous, pas une goutte de pluie et vous tous débordant sur le trottoir!

L'exposition dure jusqu'au 18 juillet. N'hésitez pas à en parler autour de vous, à venir si vous n'avez pas pu venir samedi, à revenir si vous voulez revoir l'expo dans des conditions moins encombrées, et prendre le temps de découvrir la programmation vidéo! Bref, c'est ouvert et you're welcome!

(Photo: Aristophane Deparis) 

Oeuvre présentée

Les revenants, 50 x 125, 2013 – Installation, Livres brodés, fils, bois

Spécialement conçue pour « A nos Pères », Les Revenants est une installation en forme de totem constitués de livres, envahis par les fils, fils brodés à même les pages des livres, amas et enchevêtrements complexes de fils, manifestant ce qui lie intimement Brankica Zilovic à sa propre histoire, à celle de son père, à celle  du pays d’où elle vient.

« J’ai choisi des livres qui dessinent des « contours » de mon père, comme des fragments intimes, politiques et spirituelles.

Un échantillon complexe et contradictoire :

L’œuvre militaire de Tito, 100 ans d’école de notre village en Serbie, NATO crimes (document édité par le Ministère de la Justice et des Affaires Intérieures de Serbie), Architecture traditionnelle de Serbie de 19^e siècle ( livre dont mon père s’est inspirée pour construire sa seconde résidence, et qui en même temps correspond à sa maison natale),   Monastère de Studenica, inscrit au patrimoine de l’Unesco, le haut lieu de la spiritualité serbe , construite au 12e siècle par Stefan Nemanja, fondateur de l’Etat serbe et de la dynastie des Némanides ; page expliquant un schéma typique  iconographique des fresque orthodoxe ( 12^e siècle), Considérations salutaires sur le désastre de Srebrenica, Yves Laplace chez Seuil ( le grand opposant de Peter Handke , qui écrit un très long article controversé, dans lequel l'écrivain autrichien accusait notamment les journalistes et intellectuels occidentaux d'avoir calomnié la Serbie…)

Evoquant ici le désenchantement idéologique de mon père, les injustices et les crimes non éclairés et obsolètes, le poids d’inculpations dites « génocidaires » mais aussi le regard presque nostalgique d’une Serbie rurale en voie d’émancipation culturelle, je tente ici de dénouer des mécanismes de transmission mnésique,  et  d’admettre  qu'un sentiment étrange de responsabilité  persiste en moi se rattachant à une faute tellement ancienne que ni mon père ni moi ni des générations  inferieurs,  ni personne ! ne s’en souvient plus…

Un profond sentiment de culpabilité qui nous revient inéluctablement.

L’interrogation, c’est à dire la lecture,  passe par l’acte de la broderie, plus précisément la suturation, comme une sorte de rituel obsessionnelle névrotique…C’est peut être une façon pour moi d’assumer une part de mon héritage plein de traumatismes et ruptures…de l’accuser, de l’éclairer, de  l’honorer, d’une certaine manière…ou tout simplement une tentative pour faire le deuil de moments qui ne reviendront jamais… »

Brankica Zilovic

Brankica Zilovic-Chauvain est une artiste franco-serbe, née en Serbie en 1974. Diplômée de l’Ecole des Beaux-Arts de Belgrade et de l’ENSBA de Paris, elle expose régulièrement son travail de peinture, dessin, installations et broderies en France, dans le cadre d’expositions personnelles et collectives.

Elle est pour la première fois commissaire d’exposition, avec Marie Deparis-Yafil, pour « A nos pères ».

"A NOS PERES"

Galerie 2.13 pm

Du 1er Juin au 18 juillet 2013

Vernissage le 1er Juin à partir de 18h

GALERIE 2.13 pm

22 rue Hector Malot

75012 Paris

(près de la Galerie Claude Samuel)

Métro Gare de Lyon L 1 ou 14, sortie 10 - RER A ou D

01 44 75 36 23

06 15 18 14 24

E-mail :  fpaumier-moch@213pm.com

Oeuvres présentées

Anna Freud, vidéo, 12 mn, 2006 – Série « Female Facets » - Son : « Sur le fil », Yann Tiersen, retravaillé

As time goes by, installation audio, 2013 – Cadre ancien 19 x 14, statuette de saint en pierre à chaux remodelée, feuille d’or – MP3, casque – Son : « As time goes by » - Herman Hupfeld,1931, interprété par Michaela Spiegel

La vidéo « Anna Freud » fait partie d’une série de cinq vidéos intitulée « Female Facets », dans laquelle Michaela Spiegel a choisi de dessiner à sa manière le portrait de cinq femmes célèbres: Alma Mahler, Anna Freud, Joséphine Baker, Wallis Simpson et Marie Bonaparte. Elle les a choisit pour ce que chacune d'elle représente de mythe féminin : la séductrice, la femme fatale, la fille à papa, la femme fantasme, l'intellectuelle frigide, la femme entretenue, l'intrigante...Mais à l'évocation archétypale, à l'attitude hagiographique conventionnelle, Michaela Spiegel opte pour un prisme inattendu ou inhabituel, peu connu et pourtant révélateur. En revisitant l'histoire, en désacralisant l'imagerie de manière radicale, l'artiste semble affirmer qu'aucune de ces femmes n'est typique ou atypique sitôt que l'on considère qu'il n'y a pas de typologie de la femme.

Son travail est en outre soutenu par une mise en scène ne laissant rien au hasard dans laquelle chorégraphie, objets, symboles, signes et musiques offrent, en deçà de l'image,  un sous texte psychanalytique aussi signifiant que réjouissant.

Voici donc la douce Anna Freud, fille de son illustre père, prisonnière de cette écrasante figure paternelle et du secret de ses amours féminines. Ce portrait, né d'un travail de l'artiste sur les correspondances entre Anna Freud et Lou Andréas Salomé, dévoile la relation masturbatoire d'Anna avec le tricot dont les fils filent la métaphore de la parenté...et de la filiation. Fil de laine qu'elle roule, déroule, enroule autour de son corps, avec lequel elle se bat, se libère et s'emprisonne, inlassablement, exutoire entre protection et enfermement, dans une violence narcissique qui peine à se contenir et un mal-être palpable. Une évocation sur le fil entre douceur et tension.

Conçue spécialement pour « A nos pères », l’œuvre « As time goes by » se veut une sorte d’hommage mélancolique et nostalgique au souvenir du père, une évocation volontairement pacifiée des relations parfois conflictuelles d’une fille avec son père, de l’artiste elle-même avec son propre père. Le père disparu, avec le temps qui passe – As time goes by- se pare de vertus, s’idéalise, les rancoeurs s’apaisent, la colère s’est tue et ne restent que des images muettes et sanctifiées, des souvenirs comme une mélodie douce amère du temps passé : « Play it, Sam. Play As time goes by ».

Né en 1963 à Vienne en Autriche, Michaela Spiegel vit entre Vienne et Paris. Formée à l’Université des Arts Appliqués de Vienne et à l’ENSBA de Paris, ses œuvres sont entrées dans de nombreuses collections publiques et privées (en France, la Fondation Francès, en Autriche, le Freud Museum ou le Musée Albertina. Son travail est régulièrement montré en Autriche en en France mais aussi, par exemple, en Russie ou en Allemagne)

"A NOS PERES"

Galerie 2.13 pm

Du 1er Juin au 18 juillet 2013

Vernissage le 1er Juin à partir de 18h

GALERIE 2.13 pm

22 rue Hector Malot

75012 Paris

(près de la Galerie Claude Samuel)

Métro Gare de Lyon L 1 ou 14, sortie 10 - RER A ou D

01 44 75 36 23

06 15 18 14 24

E-mail :  fpaumier-moch@213pm.com