Oeuvre présentée

« Saint-Sébastien », sculpture - aluminium, fibre de verre, polyester, coton, 107x50x60, 2010

Crédit photo : Arnaud Cohen

Courtesy Galerie Laure Roynette

L’œuvre de Arnaud Cohen présentée dans l’exposition revisite de manière radicale et contemporaine la représentation du saint martyr romain Sébastien, juxtaposant les interprétations religieuses, érotiques et politiques du corps du jeune homme supplicié de l’iconographie chrétienne et jouant de ces ambiguïtés.

C’est, dès le Moyen Age, une figure apollinienne, opportunité trop rare d’admirer un autre corps jeune et presque nu que celui du Christ, bien que « spectacle lascif  (pouvant) contaminer l’esprit des femmes »*. Et on ne peut fait l’impasse sur la puissance homo-érotique que dégagerait la plus classique des représentations du martyr, si on en croit la réaction de Mishima découvrant dans un ouvrage celle de Guido Reni « Ce jour-là, à l'instant même où je jetai les yeux sur cette image, tout mon être se mit à trembler d'une joie païenne. (…) La partie monstrueuse de ma personne qui était prête à éclater attendait que j'en fisse usage, avec une ardeur jusqu'alors inconnue, me reprochant mon ignorance, haletante d'indignation. Mes mains, tout à fait inconsciemment, commencèrent un geste qu'on ne leur avait jamais enseigné. Je sentis un je ne sais quoi secret et radieux bondir rapidement à l'attaque, venu d'au-dedans de moi. Soudain la chose jaillit, apportant un enivrement aveuglant » ** Depuis, à partir de l’image canonique du saint transpercé de flèches, dans l’équivocité de la jouissance et de la douleur, de l’extase et du martyr, Saint-Sébastien est devenu icône catholique gay, revendiquée comme telle par, par exemple, la communauté LGTB.

C’est donc fort à propos que la relecture du Saint-Sébastien d’Arnaud Cohen interroge à son tour les relations ambiguës de la religion et de l’érotisme, dans l’innocence à peine feinte de représentations ambivalentes, dans lesquelles plaisir et jouissance sont à la fois donnés et coupables. C’est cette ambivalence que surexpose Arnaud Cohen en éludant la représentation physique de l’éphèbe au profit d’un objet à la forme clairement phallique.

Mais, comme souvent dans les œuvres d’Arnaud Cohen, l’objet est polysémique. Car l’objet présenté est en fait la carlingue d’un avion, dont les ailes sont retenues à l’arrière, comme les mains liées du Saint-Sébastien.  On pense alors à d’autres martyrs, une autre forme de culpabilité, qu’à moins de fascisme « pasolinien », on peut délester de dimension libidinale : celle par laquelle s’interpellent toutes les responsabilités politiques face aux enjeux de la marchandisation du monde, du choc des idéologies, conduisant au terrorisme et à leurs victimes, par exemple.

Bien que parfois défini comme « néo-pop », le travail d’Arnaud Cohen s’inscrit, selon lui, dans une filiation allant de Marcel Duchamp à Marcel Broodthaers, considérant la forme de l’œuvre moins essentielle que l’impact de son message. Aussi privilégie-t-il les formes existantes, historiques et esthétiques, qu’il détourne et recontextualise, manipule comme un alphabet visuel constituant son vocabulaire. Héritier du situationnisme, il crée en 2005 un personnage fictif du nom de Jean-Paul Raynaud, « archétype de l'artiste officiel », puis colle « en différents lieux de fausses affiches politiques aux slogans ambigus et raillant les rapports des artistes français à l'institution. » Si une partie de son travail flirte avec une certaine tradition de l’agit-prop et de l’activisme contestataire, il se réapproprie ou produit aussi des objets sur le principe du télescopage visuel et sémantique en subvertissant les sens initiaux pour constituer un corpus critique, un catalogue ironique des failles du monde contemporain bien que, de toute évidence, son regard porte au-delà de l’immédiate contemporanéité et semble en inscrire l’état dans une forme de mythologie.

* Giovanni Paolo Lomazzo – Traité de  l’art de la peinture, 1584 -

** Yukio Mishima, Confession d’un masque – 1949,  traduction de l'anglais R.Villoteau, Gallimard, 1971

"SEULES LES PIERRES SONT INNOCENTES" - GALERIE TALMART - 22 Rue de Cloître St Merri- PAris 4ème -

DU 13 AVRIL AU 12 MAI 2012

"FAITES-MOI SIGNE!"

En philologie, on a coutume de définir le signe comme ce à quoi "nous recourons en vue de communiquer nos états de conscience et par lequel nous interprétons la communication qui nous est faite". Dire et lire, parler et entendre, transmettre et comprendre ... interpréter : tel est l'usage des signes, des lettres et des mots, des organes et des objets de l'écriture...

L'Espace 111 nous inviter ainsi à découvrir, au travers des travaux de 4 artistes - Frédéric Develay, Patrice Baudin, Florence Baudin et Guehria - autre manières d'interpréter les signes. Si pour chacun, le signe se saisit en tant qu'objet ou outil plastique, il s'investit aussi comme univers qui fait sens. Comme un appel aussi, à la rencontre - cette communication à l'essence même du signe - : signe d'appartenance, de reconnaissance, d'amitié, de connivence ... "Faites-moi signe !" se dessine comme une tentative de sémiologie poétique, montrant les glissements de la perception du signe au sens qu'il nomme, de l'objet visuel au monde sémantique, inventant une grammaire, maniée avec dextérité, poésie, humour et profondeur par ces quatre artistes.

GUEHRIA

Les mots sont depuis toujours éminemment présents dans le travail de Guehria. Expressions graphiques particulièrement sensibles, ses oeuvres détournent la lisibilité de contenus typographiques ou calligraphiques traditionnels pour recréer un univers mixte, dans lequel une certaine esthétique "baroque" rejoint un vocabulaire numérique. Dans un esprit parfois proche du "cabinet de curiosité", lunettes de théâtre, cadres ornementés anciens et stéréoscopes datant du 19ème siècle s'hybrident aux impressions lenticulaires et aux technologies de la perception les plus contemporaines. Ces jeux d'optique auxquels convie l'artiste, grâce aux instruments mis à la disposition des visiteurs, donnent à ses oeuvres une dimension ludique et interactive, avec ses effets de reliefs 3D, de perspectives et ses anaglyphes, dimension à l'origine même du cinéma. Dans le même temps, la perception des images n'est jamais donnée immédiatement, car systématiquement "perturbée"par la surimpression de textes engagés, instillant une lecture "à plusieurs niveaux", reliés entre eux par une sémantique, un réseau de sens qu'il s'agit de déchiffrer, et qui se fait alors message.

Formée au Design textile à l'Ecole Olivier de Serres et poursuivant sa formation aux techniques numériques les plus récentes Guehria expose depuis 1996 dans le cadre de nombreuses expositions personnelles et collectives. Son travail, rapprochant le domaine physique de la perception et de la lumière avec celui des signes et des mots, se développe, selon les projets, de diverses manières et sur divers supports et médias photographiques, vidéos, installations prennent forme à partir d'objets anciens ou de récupération autant que de matériaux contemporains.

FREDERIC DEVELAY

Le travail de Frédéric Develay s'intéresse à une forme particulière de la "lisibilité" de l'oeuvre, réinvestissant les notions de compréhension et d'interprétation. Pour lui, reprenant le mot attribué à Marcel Duchamp " ce sont les regardes qui font le tableau" : il s'agit de conduire celui qui regarde sur le chemin passant du "voir" ou "lire"comme une manière de l'engager se rendre actif face à l'oeuvre. Aussi les mots que choisit l'artiste ne sont pas seulement des motifs plastiques mais recèlent d'un sens qui ouvre toujours à une dimension autre, à un glissement, à un détournement, à un redoublement, à l'instar de ce miroir gravé de l'expression "réflexion faite" qui joue sur le rapport signifiant/signifié de l'objet montré et du mot qui s'y rapporte. S'ajoute à cette stratégie l'usage d'énoncés performatifs - impératifs et interactifs - que la vie informatique nous a rendu coutumier et presque naturel. C'est alors à l'énoncé de liberté que Frédéric Develay nous confronte, car face à ces fenêtres informatiques agrandies, en réalité, "aucune alternative n'est possible si ce n'est celle d'accepter une proposition imposée." (...) "Nous vivons dans une univers de langage, mais ce langage est tout sauf innocent. Il véhicule avec lui une véritable vision du monde, une idéologie, une doxa, pour utiliser un terne cher à Roland Barthes. Il participe en conséquence d'une rhétorique aussi efficace que dangereuse." *

Frédéric Develay "appartient à cette nouvelle génération d'artistes s'inscrivant dans la continuation de la tradition de l'art conceptuel, et plus précisément de le tendance de Joseph Kosuth qui considère que la définition de l'art devient art elle-même." Depuis le début des années 80, il multiplie les expérimentations artistiques, au cours d'expositions personnelles ou collectives, sur des supports et médias aussi divers que le papier, la vidéo, l'installation, l'édition d'ouvrages et de revues, la photographie ou la sculpture, avec une prédilection pour les outils de la révolution informatique, télématiques, puis numériques.

*Hou Hanru, Evelyne Jouano - "Ce texte écrit (ne) peut être lu"

PATRICE BAUDIN

Le travail en volume de Patrice Baudin se situe, explique-t-il au carrefour de "trois notions aux limites mouvantes, poreuses : l'écriture, la mythologie et le mouvement, comme autant d'images d'une mémoire suspendue dans le temps". Des empreintes laissées au coeur d'une matière qui semble fragile et périssable, des objets suspendus dans un équilibre incertain : ses oeuvres s'apparentent à des installations , dans le mouvement qu'elles génèrent, naturel ou mécanique, aléatoire ou non. Elles tournent sur elles-mêmes, se balancent, se croisent, oscillent ... Et ce faisant, l'artiste imprime à leur réalité la nécessité du changement, la possibilité de la chute, de l'envol, de la transformation, de la métamorphose ... comme modalité intrinsèque de l'oeuvre elle-même. "L'homme n'est jamais aussi semblable à lui-même que lorsqu'il est en mouvement" aurait dit le baroque Bernini, et cette phrase a durablement et sensiblement marqué Patrice Baudin dans son esthétique et son art, qu'il s'agisse de sculpture ou de musique.

C'est dans ce contexte que transparaissent l'intérêt de l'artiste pour le sens originel et symbolique des mots, mais aussi pour le graphisme et les objets de l'écriture, portes d'accès, livres ouverts, sur la question de l'être.

Musicien de formation, spécialisé dans le répertoire de la flûte baroque et dans la conception de spectacle musicaux, Patrice Baudin, formé aux Atelier des Beaux-arts de la Ville de Paris à la sculpture avec Odile Bourdet et Françoise Coutant (2008-2010) se consacre également depuis plusieurs années à la création plastique, mêlant le son, la sculpture, l'image et le mouvement dans des objets toujours poétiques riches en hybridation.

FLORENCE BAUDIN

Chez Florence Baudin, le corps est le réceptacle à la fois de la mémoire et du monde. La fragmentation de ces corps n'est pas, comme chez Annette Messager par exemple, le signe d'une névrose d'identité, mais bien plutôt l'affirmation de son ambiguité, selon, précise-t-elle, "des procédés plastiques et des rencontres singulières entre des matériaux et le sujet traité, lesquels renforcent l'aspect fragile et éphémère de la vie, l'ambivalence des choses et des êtres." Ses installations sculpturales sont peuplées d'oreilles, réceptacles par excellence, de mains aussi, bref, de ce qui peut produire ou recevoir des signes, de ce qui rend possible la communication, la relation à l'autre, charnelle, de ce qui informe le monde, des objets et des paroles, transmet et sculpte la mémoire. Il y a une dimension proprement psychanalytique dans ces oeuvre, que Freud n'aurait pas démenti, lui pour qui l'oreille était bien plus que l'organe de l'ouï, au-delà de ce que les mots qui s'y glissent peuvent vouloir dire, de boites à secrets en secrets de famille ...

Florence Baudin se consacre au dessin et à la peinture depuis 1998. Après plusieurs années d'études, notamment d'Arts plastiques à la Sorbonne, qui l'amèneront à devenir enseignante en Arts plastique (2000), de dessin dans l'Atelier des Beaux-Arts de la Ville de Paris avec Annie Lacour et Jean-François Briant (2006-2008) ou de sculpture dans l'Atelier des Beaux-Arts de la Ville de Paris avec Françoise Coutant et Odile Bourdet(2008-2010), elle commence à exposer en 2010. Son travail, d'une grande richesse plastique, convoque le dessin, la sculpture, le son, mais aussi des matériaux aussi divers que plâtre, textile, papier, bois, pigments, carton, sisal, brou de noix, sel (!), cire d'abeille, ouate, cinéfoil, copeaux de boix, fil de fer, plumes et clématites, sable et tests d'oursins, LEDs et papier ruban ...

(texte réalisé pour l'Espace 111, Montreuil)

Oeuvre présentée

Photographie issue de la série « Les couleurs du soleil », argentique, tirage sur papier, 100x100, 2007

La photographie issue de la série « Les couleurs du soleil » a été prise en Roumanie, en 2007, l’année où le pays devait entrer dans l’Union Européenne. « L’été de cette année-là », raconte Raed Bawayah, «  je suis allé vivre pendant un mois parmi les gens d’un village traditionnel du nord du pays. Enfants, parents et grands-parents, je les ai accompagnés dans leurs jeux, travaux et repos. En leur présence, des souvenirs de moments vécus dans mon village de Palestine me revenaient en esprit. ».

Parmi les clichés, celui de ces trois amis, au seuil de l’enfance, dans le saisissant contraste entre l’attitude affirmée et empreinte de dureté du jeune homme au premier plan, et le regard du jeune homme derrière lui, incertain et soumis, symbolisant une forme du passage nécessaire de perte de l’innocence et l’entrée dans le monde adulte.

"SEULES LES PIERRES SONT INNOCENTES" - GALERIE TALMART - 22 Rue de Cloître St Merri- PAris 4ème -

DU 13 AVRIL AU 12 MAI 2012

Du 6 au 18 mars 2012, le peintre grec Babis Pilarinos présentera son travail à la galerie du 59Rivoli.

« Paradise Now ! » : le titre de l’exposition, choisi il y a de nombreux mois, prend aujourd’hui une dimension bien particulière, car nul ne peut ignorer maintenant l’étendue du désastre économique et politique de la Grèce, qui a signé le début d’une grave crise partout en Europe.

Alors, invoquer le paradis, ici et maintenant ? Ce titre, qui sonne comme une injonction pourrait bien se transformer en une revendication politique, un impératif aussi, une urgence à y croire encore, ou à le vouloir, encore…

Car vu d’ici, nous n’avons au fond que peu de témoignages de la manière dont les grecs vivent, au quotidien, la situation inédite de leur pays. Babis Pilarinos n’est pas de ces artistes reclus dans quelque sphère privilégiée, il vit à Athènes, au coeur de ce monde en crise, et sa sensibilité d’artiste fait de lui un homme résolument de son temps. Comment un artiste grec aborde-t-il ce moment, cette quête devenue nécessaire d’un monde autre et différent ? Son œuvre, dans sa simplicité et sa douceur, se dévoilera alors peut-être moins comme une forme de la naïveté qu’un point d’ironie.

Car le langage pictural de Babis Pilarinos, si personnel, oscille entre art naïf et peinture byzantine. Lui qui passe une partie de son temps à couvrir les murs des églises orthodoxes de ses peintures d’icônes est en effet fortement inspiré, tant dans la manière de traiter ses sujets que dans sa technique, de la tradition picturale byzantine;

Peindre des icônes et être un artiste contemporain est-il paradoxal? Pas ici, et pas pour Babis Pilarinos, qui affirme, à raison, que rien ne peut jamais être absolument neuf. La peinture d’influence byzantine est pour lui un langage avec lequel il peut exprimer des préoccupations contemporaines, d’où ce « décalage » entre cette peinture à la facture à la fois classique et dirait-on ici, « naïve », et les sujets traités, les contenus même de sa peinture.

La peinture narrative de Babis Pilarinos se tourne résolument vers le monde de l’enfance, la sienne, vécue entre les Iles Ioniennes, ou celle qu’il vit encore aujourd’hui au travers de ses propres enfants.

Sur les thèmes récurrents de l’amour, de la mort, de l’amitié, de la communication et de la communion, de la communauté, son oeuvre se veut une “célébration de la  vie”, et sa « naïveté » joyeuse, son intérêt pour l’enfance se dessine moins comme un échappatoire que comme une arme, un combat, contre une certaine violence de la société contemporaine et l’image désabusée d’un monde en « paradis perdu ».

Une occasion de soutenir un artiste grec!

"Paradise Now! Contes modernes" - Babis Pilarinos - galerie du 59Rivoli - 59 rue de Rivoli, Paris 1er

Du 6 au 18 mars

Vernissage le 7 mars à partir de 18h en présence de l'artiste

A noter:

Musique classique et traditionnelle grecque avec le DUO guitares EMELIA - Doreen Laskaridou et Maria Papadi -

Le samedi 10 mars à 18h

Un projet de livre de contes bilingue français-grec, né de la rencontre entre Babis Pilarinos et Kristell Van Hove, est en cours.

Une lecture des contes par Anne-Sophie Schumacher est prévue le mercredi 14 mars à 18h.

La Galerie Hussenot présente mounir fatmi dans le cadre du traditionnel Armory Show de New-York.

Et à partir du 9 mars, "Oriental accident", exposition personnelle de l'artiste chez Lombard Freid Projects, également à NY. (New-York Lombard-Freid Projects- 518 West 19th Street- New York NY 10 011- Jusqu'au 14 avril)

(et bien sûr, à partir du 12 avril, la vidéo "Dieu me pardonne" de mounir fatmi sera présentée dans le cadre de l'exposition "Seules les pierres sont innocentes", à la Galerie Talmart)