On ne m'a jamais cité en ma présence ( pour rappel de l'idée: http://mariedeparis-yafil.over-blog.com/article-on-ne-m-a-jamais-cite-en-ma-presence-96738740.html )

http://www.printempsdeseptembre.com/r2.php5

Ca fait plaisir, tout de même, d'être cité au lieu qu'on vous pille votre boulot en oubliant votre nom...

Allez, pour mémoire, le texte complet pour "L'homme sans cheval", texte que l'on peut trouver sur le site de l'artiste

« L’homme sans cheval », 01, 02, 03

L’homme sans cheval se présente comme une trilogie autour de trois formes connexes de chute, physique, métaphysique, historico-politique. Elle s’offre comme une réflexion globale sur la condition précaire d’une humanité ancrée dans ses certitudes de maîtrise, mise en danger tant par un « principe d’indétermination », que l’on pourrait tout aussi bien appliquer à l’existence humaine comme forme de l’absurde, que par les options historiques qu’elle détermine et oriente dans cette illusion historiciste dénoncée par Popper : confronté à une destinée sans finalité, le pouvoir de l’homme vacille sur ses fondements.

mouvement 03

Un homme (le même que dans le mouvement 02) sanglé dans une impeccable tenue de cavalier apparaît en haut d’un chemin, dans un paysage semi urbain désaffecté et humide. Ce cavalier « se met à donner des coups de pied dans un livre, qu’il repousse devant lui au rythme de la marche. Coups de pied violents, systématiques – comme une revanche ou un acte de dépit, on ne sait. »*

Ce livre porte un titre : Histoire. Mais quelle Histoire ce cavalier entend-il bousculer ou détruire ? Est-ce cette « construction fantasmatique (…) que l’on serait censé maîtriser, celle que l’on conquiert et que l’on plie à sa volonté »* ? Est-ce, comme l’écrit Hegel cette Histoire vécue comme « énergie, passion des peuples et, conjointement, bousculade informe des évènements »** ou pensée comme « réalisation progressive de l’Esprit », d’une rationalité dont nous ignorerions la finalité ?

L’homme sans cheval 03 invite à tenter sa propre herméneutique. S’agit-il de dissiper les illusions de la notion de « progrès » historique, ou de penser au contraire qu’il faut croire au progrès historique comme une idée directrice « pratique », refusant de voir notre propre histoire nous échapper, œuvrant en vue d’un état futur et meilleur de l’humanité ?

Est-ce la « fin de l’histoire » ? Dans ce geste rageur d’un livre détruit et traîné dans la boue, semble s’affirmer le refus d’une Histoire comme « justification de tous les sacrifices », « principe d’arbitraire et de terreur », la résistance à cette Histoire qui « suggère un autre royaume, dogme sans fondement qu’on se verra imposé par ceux à qui le dogme profite »***. « L’homme », postule mounir fatmi à la fin de la vidéo, « est le seul héros de sa propre histoire ». Postulat existentiel auquel ne saurait s’opposer aucun déterminisme.

Mais l’individu résistera-t-il à l’Histoire ? Si assuré dans son pas, si acharné dans sa destruction, à la fin pourtant, l’homme s’effondre dans la boue.

Acte de résistance, cette destruction du livre sonne comme l’affirmation de la liberté humaine dans la prise de conscience de son aliénation et l’acharnement à échapper aux déterminismes. Mais la liberté, in fine, n’est jamais que le pouvoir de résistance à la mort, comme une réalité ontologique indépassable qu’il s’agit toujours de reconquérir.

*Paul Ardenne- Préface au catalogue « Mounir Fatmi – sans histoire » – Musée National Pablo Picasso, la Guerre et la Paix, Vallauris, 2007

**GWF Hegel-La Raison dans l’Histoire

***Albert Camus – L’homme révolté

«  Dans la glorification du «  travail  », dans les

infatigables discours sur la «  bénédiction du

travail  », je vois la même arrière pensée que

dans les louanges adressées aux actes

impersonnels et utiles à tous : à savoir la

 peur de tout ce qui est individuel. Au fond,

 ce qu’on sent aujourd’hui, à la vue du travail

 – on vise toujours sous ce nom le dur labeur

 du matin au soir -, qu’un tel travail constitue

la meilleure des polices, qu’il tient chacun en

 bride et s’entend à entraver puissamment le

développement de la raison, des désirs, du

goût de l’indépendance. Car il consume une

extraordinaire quantité de force nerveuse et

la soustrait à la réflexion, à la méditation, à

la rêverie, aux soucis, à l’amour et à la haine,

il présente constamment à la vue un but

mesquin et assure des satisfactions faciles

 et régulières. Ainsi une société où l’on travaille

 dur en permanence aura davantage de sécurité :

et l’on adore aujourd’hui la sécurité comme la

divinité suprême.

F. Nietzsche - Aurores (1881), Livre III, § 173 et § 206,  trad. J. Hervier, Gallimard, 1970.

« Ego factory », c’est un entrepôt désaffecté qui se mue le temps d’une exposition personnelle en une frénétique usine à création, en une fabrique d’œuvres d’art, toute personnelle.

On pourrait penser que Corine Borgnet s’offre avec « Ego Factory » - et le titre qu’elle a choisi le confirmerait- une sorte d’ « ego trip ». Sans commissaire ni galeriste, si ce n’est un certain Edmond Lesieur, Londres, qu’on ne connaît de nulle part, elle monte « son » exposition dans « son » espace, comme un cadeau qu’elle se ferait. Et on aurait tôt fait, en  pénétrant dans l’espace brut de l’usine désaffectée qu’elle transformera bientôt en lieu de vie et de travail, d’y voir quelque chose comme l’exhibition de son paysage mental.

Mais ce serait méconnaître le sens délicat de la distance dont sait jouer Corine Borgnet, et la conscience qu’elle manifeste que le processus de réflexion, de création, de travail mis en acte pour réaliser « son » œuvre demande à tout artiste un solide « ego », une forme élaborée de narcissisme. C’est aussi de cela que Corine Borgnet s’amuse, pas dupe de ce levier plus ou moins secret qu’est le désir d’être reconnu, et admiré, pour son œuvre,  moteur essentiel de toute création et plus particulièrement de la création artistique, comme prolongement de soi. "Le narcissisme », écrit ainsi Paul Ardenne, « est fondateur de l'art. (…) L'artiste agit toujours en demande de reconnaissance, et en manque d'amour. » Elle pressent aussi la nécessaire confiance que l’artiste doit fonder dans le subjectivisme, pour oser imposer au regard du monde sa manière de l’informer, à la recherche de ce « point de rencontre de deux narcissismes, celui de l'artiste et celui de qui regarde; le point où ces deux amours-de-soi peuvent se mêler, se toucher »*

Et pour cela, comme elle le fait ici, mettre tout en œuvre : désir, énergie, passion, mais aussi orgueil et croyance…

Ce n’est donc pas son seul ego qu’elle évoque ici avec humour, mais bien celui de tous les artistes du monde…

Son « Ego factory » est donc une fabrique à rêve, une usine à créer, et Corine Borgnet a visiblement pris plaisir à mettre en abîme cette idée de « factory » et à en filer la métaphore, jusqu’à, promet-elle, vendre ses œuvres « à prix d’usine ».

Bien sûr, pas de « Factory » sans référence à Warhol, elle qui vécut longtemps à New-York et dont le travail, et en particulier l’ « Office Art » qu’elle montre ici, entretient une parenté avec le Pop et l’art américain.

Dans cette « Factory » provisoire, transformée le temps d’un projet en lieu de matérialisation des productions de l’ego, Corine Borgnet s’est essayée à recréer, toutes proportions gardées, quelque chose de l’esprit warholien, rassemblant des énergies, des idées, des personnes, pour produire une série photographique inédite. D’une certaine manière l’ « « ego » factory » est une pirouette, car ici elle n’a pas travaillée seule et le revendique.**

Mais la Factory warholienne n’était-elle pas aussi une usine à produire du « mythe » et de la « superstar », de la notoriété et du quart d’heure de gloire ? Voici des ambitions qui contrastent singulièrement, non sans ambiguïté, avec le propos même de l’exposition, qui s’intéresse justement aux anonymes travailleurs, aux acteurs de la production de masse, aux pions sur l’échiquier, prisonniers d’un système hiérarchique qui, soyons en bien sûr, veille sur eux…Ainsi tente-t-elle ici de rendre à ces invisibles, aux travers de ceux qui leur ont prêté leur dénuement générique et leurs visages, leur individualité, leur intégrité transcendée en oeuvre d’art.

Voici donc l’indomptable « Ego de l’artiste » en prise avec les images d’un monde sans pitié, celui du travail et de la vie de bureau, celui là même dont elle a choisi de fuir les codes et les contraintes, en lutte contre le glissement bureaucratique et souvent désenchanté du monde contemporain. « Ego factory » procède donc de cette position de résistance, mais aussi, comme elle le dit souvent, d’une lutte perpétuelle contre la perte de la liberté d’esprit et des rêves de l’enfance, cette sorte de « parenthèse enchantée », dans laquelle le principe de plaisir, source de tous les imaginaires, ne s’est pas encore heurté à la rationalité, au principe de réalité et aux nécessités économiques. Le détournement en matériau plastique du Post-it, qu’elle travaille depuis plusieurs années, pris comme symbole du monde de l’entreprise, s’offre alors comme une alternative, une ligne de fuite poétique, et parfois ludique, hors de cette ultime manifestation de la société du spectacle, pour reprendre la terminologie de Guy Debord.

Au travail bureaucratique, « moyen le plus rationnel que l’on connaisse pour exercer un contrôle impératif sur des êtres humains »***, au travail aliéné, selon la dichotomie marxienne, Corine Borgnet oppose le travail créatif qui est le sien, portant un regard acéré sur ce que le monde du travail peut avoir de déshumanisant. Ici, le visiteur se trouve happé par des pense-bêtes, listes et notes urgentes surdimensionnés, hanté par les corps nus de travailleurs rudes à la tâche, traités en Post-it, au lieu de revêtir le costume de leur fonction. lndividus réduits à l’état de force de travail, à une fonction aussi obsolète qu’un objet peut le devenir, réifiés. Corps vulnérables donc, et fragiles, aussi jetables et éphémères que des post-it usagés. Des Post-it humains. On les découvre, rangés dans leurs casiers comme des dossiers, le regard vague à la fin du labeur, le corps fatigué, avides de retrouver dehors cette partie de la vie gagnée pour avoir accepté d’en perdre l’autre partie, comme dirait Marx, tentant donc vainement de s’échapper de quelque prison, office men et working girls sans glamour, petite armée de spectres, parfois franchement inquiétants, crucifiés sur l’autel de la productivité, de la rentabilité et du travail bien fait, le tout dans l’univers rude et sans apprêt, ni open space ni plantes vertes,  de l’usine désaffectée. Et l’on se demande quelle place pour l’ « ego » dans cette « factory » ?

Avec force et lucidité, dans un langage plastique abouti, Corine Borgnet se dégage d’une représentation réaliste de l’univers du travail, pour en proposer une vision onirique, aux confins du fantasme et du fantastique, une vision puissante et en tout cas fascinante.

*Daniel Sibony - Création. Essai sur l'art contemporain, Paris, Seuil, 2005

**Corine Borgnet remercie à ce titre pour leur précieuse collaboration : PIERRE LEBLANC, photographe, PHILIPPE PUISIEUX, remanieur photo et CHRISTOPHE LAMBERT, consultant artistique

***Max Weber – Les catégories de la sociologie, tome 1 : Economie et société (1921) – Plon, 1971

EGO FACTORY -CORINE BORGNET

Du 28 septembre au 27 novembre 2012

Vernissage vendredi 28 septembre à partir de 18h

67 rue Désiré Chevalier - 93100 MONTREUIL

Et je m'occupe de la partie "exposition"...

DEFILE-PERFORMANCE « Ceci n’est pas un voile » 

 Majida Khattari

Nuit Blanche 2012

En cette 11^ème Nuit Blanche, c’est sur la Place de la Concorde, symbole s’il en est de Paris mais aussi de la République et de la France réconciliée, là où s’achève le défilé du 14 juillet et sur fond d’Assemblée Nationale, que Majida Khattari, artiste marocaine, engagée et connue pour ses « défilés-performances-manifestes », installera son catwalk.

Entre deux rangées de vaporeux foulards de soie sur lesquels seront projetées quelques scènes mythiques du cinéma, ou richement calligraphiés en arabe et en français, de la phrase « ceci n’est pas un voile » comme un oxymore et un clin d’œil au surréalisme magrittien, des mannequins défilent, foulards noués à la Bardot, Hepburn ou Kennedy.

Majida Khattari réactive avec humour et audace la question de ce voile qui continue d’agiter la classe politique, voile ici dédramatisé en accessoire de mode. C’est aussi un hommage au cinéma, à la liberté des femmes et à l’art, de Magritte à Buren, à qui elle emprunte les rayures graphiques, pour inviter en cette nuit sans sommeil à une révolution cette fois  joyeuse et colorée.

Un texte que j'ai signé sera publié sur un livret en cette occasion - texte à paraitre ici sous peu...

Ceci n'est pas un voile

Samedi 6 octobre 2012

Défilé sur invitation à 19h, puis défilés publics à 21h, 22h, 23h

Place de la Concorde, Paris 8ème

"Des mots, des formes, une rencontre"

Pour accueillir en douceur la fin de l’été, l’Espace 111 nous convie à une promenade poétique, entre cime et abîme. L’exposition « Des mots, des formes, une rencontre », nous mène à la découverte croisée des univers de Martine Salavize, sculpteur et de Sabine Péglion, poète.

Sur le sol, un chemin lumineux de mots. Autour et entre les mots, les sculptures de Martine Salavize. La poésie sera partout, ici un mobile aux « couleurs des mots », là, des mots jetés, éparpillés comme les feuilles tombantes à l’automne, des poèmes de Sabine Péglion, à glaner et à emmener avec soi, tels d’heureux souvenirs. D’autres mots encore, projetés ou accrochés aux murs, poèmes spécialement imaginés par l’auteur pour entrer en résonance avec les peintures de paysage, entre abstraction et figuration, de Martine Salavize.

« Il se pourrait que je dépose

Traits de crayon pinceaux de nuit

sur cette toile encore close

quelque éclat parfois saisi »

(Sabine Péglion)

L’exposition se découvrira comme un paysage dans lequel déambuler et s’imprégner du silence bruissant de formes et de mots.

L’inspiration issue de la nature est une donnée essentielle dans l’oeuvre de Martine Salavize. Elle en a souvent expérimenté la richesse dans son rapport avec son travail de sculptures, notamment au travers de nombreux projets de mise en espace de ses sculptures dans des jardins ou des parcs de sculpture paysagés, sensible, dit-elle, à « l’osmose » avec la végétation. Mais il s’agit là d’une sorte de mise en abîme de son intérêt pour la nature, qu’elle convoque au coeur même de son oeuvre, lorsqu’elle lie au béton SIKA* des éléments de métal, de bois ou de verre, lorsqu’elle s’empare d’un morceau de nature, pour en mouler les formes : Ainsi de la série Yotvata, du nom du kibboutz dans une oasis dans le désert du Néguev, d’où elle a ramené ces fragments d’arbres.

Dans sa quête de simplicité et d’épure, Martine Salavize parvient à concilier la nature et l’artifice, les pleins et les vides, la massivité et la fluidité, le béton et la légèreté de formes élancées, contrastant avec des bases plus massives mais en équilibre, souvent, invitant au mouvement, et au toucher. Rugueuses ou lisses, douces ou texturées, ses oeuvres portent en elles une dimension tactile, une sensuelle invite à l’effleurement.

L’oeuvre de Martine Salavize se veut sans frontière, toute entière ouverte à l’imprévu et à la rencontre avec les choses et les êtres, avec le temps, les lieux, et les histoires. Peinture, sculpture ou dessin, elle abolit les limites entre l’abstrait, l’organique, et le figuratif, qui peuvent, d’une oeuvre à l’autre ou dans la même oeuvre, se conjuguer, se compléter. Pour l’artiste, le travail des formes organiques ou abstraites n’est pas différent de celui qu’elle peut faire avec le corps et la figuration, car il y est toujours question d’équilibre des formes, de mouvement, d’évidence, et de sensualité.

Ses oeuvres nous appellent à « projeter nos rêveries et nos émotions dans ce qu'elle nous donne à voir et à toucher. (…) L'intensité de l'émotion qu'elles contiennent est adoucie par la caresse qu'elles appellent, (…) comme si le monde chuchotait autour de nous ».**

*Le béton Sika est un béton catalysé ciment et résine

**D’après Michelle Fellous, anthropologue au CNRS

Dans la petite salle sera présenté un film de 10 mn retraçant l’expérience menée par Martine Salavize dans son atelier de sculpture avec des handicapés visuels et des voyants. Il s’agit à la fois de se faire rencontrer des modes différents d’approches sensorielles et d’exprimer la volonté de créer du lien entre le handicap et le non handicap.

Les visiteurs pourront eux même se confronter à la matière et à ce mode d’appréhension de la réalité sculpturale avec des oeuvres à toucher dans la pénombre.

Née en janvier 1957 à Monaco, Sabine Péglion vit en région parisienne depuis plus de trente ans. Des études de lettres à Nice, un doctorat sur l’oeuvre de Philippe Jaccottet à la Sorbonne lui ont permis de concilier écriture, poésie et enseignement. Diverses revues et anthologies ont accueilli ses poèmes, parmi lesquelles Revue mouvance, Terres de femmes, Les carnets d’Eucharis, Revue Francopolis, ainsi que des anthologies de poésie parmi lesquelles «Anthologie voyageuse », Poèmes réunis par Zineb Laouedj et Cécile Oumhani (Éditions Espace Libre, Paris/Alger 2010) ou une « Anthologie poétique francophone de voix

Martine Salavize, née en 1955 à Paris, vit et travaille à Montreuil.

Après des études à l’Ecole Nationale des Métiers d’Art et des Arts Appliqués et à l’Université Paris VIII, elle entreprend une longue période d’apprentissage en atelier en France, mais aussi en Israël et au Canada. Son travail, à cette époque, évolue selon les voyages, les rencontres et la découverte de matériaux, si importants pour elle.

Ses oeuvres sont rentrées dans de nombreuses collections, comme le celle du FRAC  Limousin.

Elle expose très régulièrement depuis la fin des années 70, en intérieur (galerie ou musée) ou en extérieur (parcs ou jardins), comme au Château de La Ballue, à Bazouge la Pérouge, connu pour ses « Jardins inattendus ». Elle participe également à de nombreuses expositions collectives, notamment par exemple dans le cadre de Articité (de 2007 à 2010, à Fontenay-sous-Bois).

En outre, elle enseigne le dessin de paysage à l’Ecole Nationale Supérieure de la Nature et du Paysage de Blois.

« Des mots, des formes, une rencontre »

VERNISSAGE SAMEDI 22 SEPTEMBRE A PARTIR DE 18H / EXPOSITION 22 ET 23 SEPTEMBRE 2012 DE 14H A 20H

MARTINE SALAVIZE SCULPTEUR INVITE SABINE PEGLION POETE

111 rue de Stalingrad 93100 MONTREUIL / Tél : 01 48 59 64 11 / n.olivier@pictogram-serideco.com