Résultat d’une résidence artistique de six mois chez Shakers, à Montluçon, Yassine Balbzioui présente, avec l’exposition « The fish inside me », un ensemble de peintures, photographies, aquarelles et vidéos, donnant à voir un panorama complet de ses pratiques et de son univers.
Tout commence avec cet étrange autoportrait : au sol, un corps gisant, la tête enfouie sous une couverture. C’est l’artiste, dont on ne sait s’il est encore en vie ou s’il se terre, se cachant le visage pour faire disparaître le monde : un geste animal – celui de l’autruche, animal qu’il affectionne-, un geste infantile, mais symbolique des questionnements et des effrois qui nourrissent son travail.
Formellement, la peinture de Yassine Balbzioui tient d’une certaine tradition expressionniste, et son travail, d’un sens aigu de l’absurde et de ses corrélats, l’ironie et la dérision, à mi-chemin entre Dada et Fluxus.
A l’instar de cet autoportrait inaugural, les personnages de Yassine Balbzioui ont tous ceci en commun que tout visage humain en est absent, que celui-ci soit occulté par un sac de papier ou de plastique, biffé d’un trait de peinture, masqué de carton-pâte, ou prenne les traits d’un de ces animaux qui animent son bestiaire : une autruche, un poisson.
Yassine Balbzioui est ainsi un bien étrange portraitiste, et cette dialectique entre « montrer » et « dissimuler » parcourt tout son travail, qu’il pointe ainsi nos multiples aveuglements volontaires, ou qu’il nous renvoie à notre intrinsèque solitude.
Mais les êtres hybrides que dépeint Yassine Balbzioui, aux confins de l’humain et de la bête, sans caricature ni anthropomorphisme, interrogent avant tout l’animalité « inside me », révèlent cette part inexplorée, occultée par la pensée, sous le polissage de la civilisation, et les basculements toujours possibles.
Par delà cette sorte de brutalité plane une atmosphère d’inquiétante étrangeté, dans laquelle le non-sens et le décalage, la posture d’idiotie, le comique du geste, en terme de rupture de cohérence, pourraient renvoyer au monde de l’enfance mais nient dans le même temps toute innocence, marquant dans ces visages sans visages, ces grands yeux comme des trous noirs, inquisiteurs et stupides -au sens propre- une part d’effroi face au spectacle du monde dont nous sommes.
Et le rire, plus que jamais grinçant et d’essence « satanique », pour reprendre le mot de Baudelaire, que provoquent les performances vidéo ou les photographies du « Safari Bamako » de Yassine Balbzioui exprime intensément nos tiraillements entre deux infinis.
"The fish inside me" - Yassine Balbzioui - Chateau de la Louvière, Montluçon - du 4 mars au 4 avril 2011 -
Un catalogue sera publié à l'occasion de cette exposition, avec un texte que j'ai signé.
Voir le site de l'artiste: www.yassinebalbzioui.com
Strictely décorative object n°2 pourrait, s’y l’on s’en tient à son titre, être vu comme un bel assemblage coloré, une sculpture pop et acidulée. Mais cette sculpture, réalisée à partir de casques de moto, customisés de différents motifs et suspendus en une grappe comme une sorte de chapelet, raconte sans doute bien autre chose. Ici, il s’agit d’abord pour Lionel Scoccimaro de réinterpréter, dans ce travail d’hybridation qui lui est propre, « des traditions populaires tout en les ré envisageant sous un angle nouveau ». En effet, cette œuvre semble s'inspirer d’une pratique populaire mexicaine, dans laquelle on accroche dans les arbres, au bord des routes, des objets ayant appartenu aux défunts accidentés, et en particulier les casques des motards. Tradition mixée avec celle, italienne cette fois, que l’on peut voir dans certaines chapelles, d’ex-voto en chapelets de casques de motards défunts. Le travail de Lionel Scoccimaro donne souvent à voir dans une même œuvre des éléments contradictoires. Ici, semble s’opposer de manière implicite, à cette débauche de couleurs policées et de motifs flambants, l’idée de la mort, idée qui est aussi éminemment présente dans l’univers, réel et esthétique, des motards. Puis se joue la dimension autobiographique, ligne de fond dans la démarche de Lionel Scoccimaro, lui qui fut motard et surfeur, et voyagea longtemps d’une rive à l’autre, de la Californie au Mexique, de l’Indonésie ou Sénégal. Enfin, la beauté formelle de l’œuvre, dans ses volumes et ses lignes, relève du souci de l’artiste de manier et de parvenir à fusionner des esthétiques a priori hétérogènes.
Pour FIGURE LIBRE, Luna a choisi de réaliser une sculpture jouant sur le décalage entre le matériau utilisé et ce qu’elle représente. Ce ballon de rugby, réalisé dans une porcelaine travaillée à la manière dite « coquille d’œuf », d’une extrême finesse, a le raffinement et la fragilité des plus luxueux objets d’ornement, et un réalisme dans le détail – les coutures du ballon - presque hyperréaliste. L’œuvre joue donc du détournement et de l’écart entre la préciosité de l’objet et la rudesse d’un sport qui ne fait pas… dans la porcelaine ! Cet objet est absurde, entre sens et non-sens, puisqu’il ne remplit aucune de ses fonctions. Il est évidemment dégagé de sa fonctionnalité en tant que ballon, qui se briserait en mille morceaux si seulement quiconque s’avisait de jouer avec. Minimaliste dans son blanc pur, l’œuvre n’affiche pas non plus le décorum baroque qu’on pourrait attendre d’une pièce en porcelaine coquille d’œuf. Dans le même temps, ce choix esthétique donne une beauté formelle à un objet usuel, considéré comme simple matériel sportif. Luna fait ainsi vaciller les normes en vigueur, celle du masculin/féminin, mais aussi le glissement du réel vers la fiction, thèmes récurrents dans le travail de l’artiste.
On pourrait la regarder comme un souvenir de vacances, comme un vestige, ou comme un vieil outil oublié là dans le fouillis d’une cabane de pêcheur… Une rame en bois toute simple, telle qu’on en a besoin pour faire avancer sa barque au fil de l’eau. Un objet sans noblesse apparente, comme les aime Emmanuel Régent, comme si ces objets ordinaires étaient ceux qui, finalement, recelaient le plus de mystères possibles. Cette rame sous sa banalité première, semble pourtant briller d’un éclat particulier : sa pale est recouverte d’un délicat film d’argent, comme si elle avait été plongée dans une mer de métal liquide et précieux. La voici alors convertie en trophée, en trace d’une extraordinaire et mystérieuse aventure, en histoire à elle toute seule, en morceau arraché à la ligne d’horizon.
Ce ballon découpé en fleur, cette « coupe » de Guillaume Poulain, témoigne de la manière dont un certain nombre d’artistes contemporains choisissent de récupérer des objets du quotidien, dans leur banalité, pour en réévaluer le potentiel et recréer une réalité à partir d’elle.
"Ce skate-board, emblématique d’une certaine culture de la rue, d’une contre-culture, est réalisé en céramique. Eminemment fragile, il voit donc sa fonction annulée, transformé en objet à vocation décorative, paré de ses fleurs exotiques. Cette œuvre condense un grand nombre de pratiques récurrentes chez Bruno Peinado, et en particulier sa manière de procéder par réappropriation d’influences et de cultures, par agrégation ou inversion, dans ce qu’on pourrait appeler une « esthétique du divers », fondée sur la « contamination » mutuelle des éléments utilisés ou plus exactement sur une esthétique du mix, du mélange, de l’allusion, du sample, du flux, du métissage. Il s’agit moins de jouer sur des oppositions, que sur des stratifications et des télescopages d’images et de références, ici la culture street, l’art de la céramique, la décoration florale ou la botanique, un certain exotisme tropical stylisé à la Henri Rousseau…Puisant dans de multiples sources culturelles, Bruno Peinado donne à voir une réalité décomposée, puis complexifiée, proposant ainsi le résultat forcément inattendu de ces mixtures.
Issu d’une série réalisée par Dominique Dubois autour de la feuille de thé, ce casque de football américain recouvert de ces feuilles offre d’emblée le contraste entre un objet symbolique d’un sport intense et athlétique, et ce que suggère l’univers du thé : calme et sérénité.
La série Rugby fait partie d’un ensemble de trois séries photographiques autour de la même réflexion sémiologique (Pornographie, Rugby et Quotidien). Dans la série Rugby, des hommes au physique ordinaire, en tenues de ville, semblent figer un instant dans l’espace une scène d’un match de rugby, touche, maul ou mêlée. Ce sont en fait des reconstitutions, dans lesquelles des modèles rejouent des scènes inspirées de photographies trouvées dans la presse. Il n’y a pas d’intention réaliste : la prise de vue a lieu en studio, dans un décor réduit à un fond monochrome, la balle a disparu.
Le 12 avril 2005, à 13 heures GMT, après « huit pénibles jours de ski », Laurent Tixador devient le premier artiste à atteindre le Pôle Nord géographique. Cette expérience singulière pour un artiste, cette aventure, tient du registre de la performance, autant sportive qu’artistique. Sportive, dans l’engagement physique, l’effort et l’endurance. Artistique, dans l’intention qui la construit. Par son implication entière, Laurent Tixador remet en question le véritable sens de la performance en tant qu’expérience de soi et du monde. Expérimenter ses limites, sa capacité de dépassement, renverser les marges… apparaissent comme des entreprises ayant autant à voir avec l’acte sportif et l’aventure qu’avec l’acte artistique. Mais en quoi peut consister « l’aventure » pour un artiste contemporain ? Pour Laurent Tixador, il s’agit d’importer « dans le champ de l’art, une autre réalité », celle dans laquelle quelque chose d’inattendu peut advenir, en se transposant dans « des situations aventureuses » et inconnues. « L’aventure », dit-il, « c’est juste faire un pas de côté, modifier sensiblement son quotidien », du côté d’un pan inhabituel de soi, du monde, et de la réalité.
French Touch - Vidéo réalisée pour l’exposition « Sportivement vôtre » au Domaine de Chamarande en 2004 – Images Sandrine Dugonhier, montage Jean-Paul Leroy - Version 2/7, 2 minutes 26 - Acquisition du Centre artistique de Chamarande, collection départementale du Domaine de Chamarande en 2004 et par le FNAC version courte en 2006