Quelques images de l'exposition, in situ...

L'ouverture d'une nouvelle galerie, en ces temps de crise, est un véritable challenge. Et ouvrir une galerie principalement dédiée à la création graphique alternative, qui pour avoir son public et ses lieux, reste souvent confinée à une diffusion underground et des lieux eux aussi alternatifs - librairies ou éditeurs spécialisés- en est un également.

Judith Schoffel et Christophe De Fabry tentent donc cette nouvelle aventure, avec dans leurs bagages l'expérience acquise dans un tout autre domaine de l'art: celui de l'Art primitif, dont Judith Schoffel est experte, auprès de sa mère Christine Valluet, dans la galerie Schoffel-Valluet.

L’idée d’ouvrir Arsenicgalerie, comme un département spécifique et indépendant d'une galerie historiquement dédiée à l’Art primitif est ainsi née de leur passion commune pour l’art contemporain -et en particulier pour la création graphique alternative- mais aussi pour des mouvements artistiques tels que le surréalisme ou l’art brut.

Pour eux, il n’y a pas de rupture radicale entre les mondes anciens et le monde contemporain, mais une réactivation permanente de questionnements, de peurs, d’espoirs fondamentaux, dans la recherche d’une même unité première, d’une même manière d’aller à l’essentiel.

Cette recherche de l’essentiel est précisément ce qui constitue le coeur du projet de la Galerie.

D’une manière ou d’une autre, parce qu’elles renvoient aux mouvements les plus intimes des passions humaines, les oeuvres exposées à l’Arsenicgalerie promettent de ne jamais laisser indifférent.

La première exposition d’art contemporain de l’Arsenicgalerie explore donc les expressions les plus primitives et les plus intimes de trois artistes aux univers et aux horizons différents mais qui tous, sur les terrains fertiles de leurs imaginaires débridés, manifestent avec énergie, humour, violence, leur sensibilité aux réalités protéiformes du monde contemporain.

DAISUKE ICHIBA (Japon)

Aux frontières du graphisme trash, du comic-book, de l’art contemporain et de la poésie, l’art de Daisuke Ichiba est cependant profondément irrigué par la tradition et la culture japonaise.

Réalisant la synthèse du manga et de l’estampe, son univers, entre cauchemar hallucinatoire, folie et érotisme, se nourrit des codes des uns et des autres. On y trouve pêle-mêle le personnage récurrent de l’écolière, triste et souvent borgne, qui semble renvoyer au « daruma », des yakuzas et des samouraïs, mais aussi des êtres étranges, monstrueux ou grotesques, évoquant la figure ancestrale du « yokaï », tels que l’on peut en rencontrer dans les mangas de Shigeru Mizuki ou les films de Miyazaki.

Son traitement de la violence, dans lequel se côtoient le sexe, la jeunesse et la mort, son humour noir, combinés à un trait ciselé, un sens du motif et du détail, le définissent comme « bijin-gaka » (« peintre de la beauté »), une beauté vue comme l’autre visage de l’abject.

« L’humain », dit Ichiba, « réunit la tendresse et la violence. Si vous dépecez le visage d’une jolie femme, vous trouverez chair et viscères. Choisir de créer quelque chose qui n’est que beau est superficiel. C’est pourquoi je peins les deux. On ne peut pas les séparer. L’expression qui en résulte est le chaos. Dans mon travail, je projette le chaos, l’anarchie, l’anxiété, le grotesque, l’absurde et l’irrationnel.En faisant cela, j’atteins une harmonie. C’est mon art. Pour dire simplement, je peins l’humanité »

Daisuke Ichiba ne craint pas d’affronter les « monstres », qui ne sont pas ailleurs mais en nous, à l’instar de Mishima ou Izumi. Son oeuvre gothique se dessine comme l’envers ou l’ombre du masque « Kawaii ».

Figure de la contre-culture nipponne « otaku », Daisuke Ichiba, né en 1963, fut fortement marqué par l’âge d’or du manga et les avants gardes. Il commence à peindre à la fin des années 80 et dans les années 90, il auto édite son premier livre « 37 years old bastard ». Depuis, il publie environ un livre par an. Remarqué par le grand dessinateur manga Takashi Nemoto, en 2006, il est publié par Le dernier cri et Le lézard noir. Depuis quelques années, Ichiba s’essaie également à la photographie.

NUVISH (France)

Nourri aux comics underground américains comme aux maîtres de l’art brut, le travail de Nuvish « s’inscrit comme un chaînon manquant entre un art naïf et populaire », l’exécution presque austère d’une gravure de Dürer, et l’expressionnisme d’un Otto Dix. Son dessin d’une obsessionnelle précision et le caractère torturé et onirique des images et des thèmes développés le place naturellement auprès des singuliers de l’art.

Ni plasticien, ni vraiment peintre, Nuvish Mircovich développe un travail graphique à la marque très personnelle, emprunte d’une atmosphère surréelle et parfois inquiète.

La grande minutie d’exécution dans le dessin, le trait, le souci du détail rapproche sa production de l’esprit et d’une certaine tradition des miniaturistes médiévaux et des gravures curieuses « où sont convoqués les tourments de l’âme et du corps, la nature indomptable et l’humilité de l’homme face au divin arrangement du monde ».

Le monde de Nuvish se dessine à la fois comme une nef des fous, un jardin des délices et un purgatoire, évoquant aussi les univers oniriques et parfois mystiques de Bosch ou de Bruegel l’Ancien, entre allégorie, fantasmagorie et surréalisme.

David Mircovich, alias Nuvish, né en 1975, vit et travaille à Grenoble. La pratique du dessin occupe sa vie depuis son plus jeune âge. Si ses oeuvres sur papier ont déjà été montrés en de nombreux lieux d’art et galeries, dans le cadre d’expositions personnelles et collectives, elle a aussi été largement éditée, notamment par l’éditeur indépendant et collectif artistique « Le dernier Cri », expérimentation éditoriale et radicale menée par Pakito Bolino et Caroline Sury depuis plus de quinze ans à Marseille. Nuvish a par ailleurs publié dans le cadre d’une commande une série de grands dessins sur la psychanalyse pour le quotidien «Le Monde». Il a aussi participé à plusieurs films d’animations en collaboration avec le Dernier Cri dans le cadre d’une coproduction de CANAL+. Ces animations éditées en DVD/VHS ont connu plusieurs diffusions télévisées.

MOOLINEX (France)

L’art de Moolinex est un  art sans censure et sans compromis, parfois ludique, souvent cynique, et quoiqu’il en soit hors des conventions. Dans un foisonnement visuel aux références tout azimuts, il aime à superposer les mondes, de la bande dessinée, de la peinture, du graphisme, de l’art brut et de l’art contemporain. Ses travaux sont autant de clashes esthétiques et culturels, dans lesquels s’entrechoquent les imageries populaires, le rock, le monde ouvrier, l’école, l’évocation du 3^ème Reich, les calaveras à la mexicaine jusqu’aux tapisseries et aux napperons brodés au point de croix. La vie, l’amour, le sexe, la mort…dans un esprit finalement plus punk et décapant que  potache. Un monde singulier, cruel, politique, ou l’idiotie côtoie l’ironie de manière radicale avec un humour grinçant, refusant l’esprit de sérieux, les dogmatismes et les raccourcis idéologiques.

Certaines des œuvres de Moolinex exposées ici se présentent comme une sorte de « matrice » de travaux publiés ailleurs, au travers de séries de dessins en noir et blanc moins narratifs qu’à l’accoutumée. Entre l’homme machine et la brutalité de la nature, elles semblent opposer une prolifération organique à l’idée d’un réseau connectique, cables, prises et fils électriques, à la technologie et à l’impérialisme machinique, qui prend aussi le visage inquiétant d’un barillet de revolver. Les références s’entrecroisent et se multiplient.

Né en 1966 à Nogent sur Marne, Moolinex vit et travaille à Poitiers. Plasticien complet, il expérimente tous les médiums et tous les supports avec la même curiosité : typex, collages, découpages, peinture, dessin, assemblages, canevas,feutres, sculpture, peintures, canevas, collages… Musicien, il joue avec le groupe Magnétix.Moolinex navigue ainsi depuis plus de quinze ans dans les univers underground. Il a beaucoup travaillé avec des structures d'édition  indépendantes comme les Requins Marteaux ou Le Dernier Cri ou encore le collectif Ferraille dont il est un des membres fondateur. Moolinex développe depuis quelques années, à travers des carnets très singuliers, le concept bien personnel d' « Art Pute ». Il a été montré à Paris par le Regard Moderne et la galerie Arts Factory, mais aussi, entre autres à La Mauvaise Réputation (Bordeaux) et au Musée International des Arts Modestes, à Sète.

« LES PRIMITIFS CONTEMPORAINS » - ARSENICGALERIE

Du samedi 19 Mars au samedi 16 Avril 2011

Vernissage samedi 19 Mars à partir de 16h

14 rue Guénégaud- Paris 6^ème

www.arsenicgalerie.com

contact@arsenicgalerie.com

Tel : 06 12 94 13 33 ou 06 63 75 50 89

Textes réalisés à l'occasion de l'exposition pour l'Arsenicgalerie.

Une fois n'est pas coutume, une petite pause hors du monde de l'art contemporain...

Depuis quelques mois, je collabore avec la Galerie Schoffel Valluet, galerie historiquement dédiée aux Arts Primitifs, et qui va ouvrir sous peu un département dévolu à l'art contemporain. Première étape de cette diversification, une incursion du côté de l'art moderne, avec une exposition rare, réalisée en association avec la Galerie Samy Kinge: "Dialogue des mondes: Victor Brauner et les Arts Primitifs". 

« Dialogue des mondes: Victor Brauner et les arts primitifs »

La galerie Schoffel Valluet et la Galerie Samy Kinge présentent conjointement « Dialogue des mondes : Victor Brauner et les arts primitifs », double exposition mettant en regard une vingtaine d’œuvres sur papier de Victor Brauner et une trentaine de pièces d’art primitif, provenant d’Afrique, mais aussi d’Océanie et d’Amérique du Nord.

Victor Brauner, né en Roumanie en 1903, tient une place particulière dans l’histoire de l’art du 20^ème siècle. D’abord proche du constructivisme, sa peinture est ensuite formellement dominée par « l’illusionnisme onirique » propre au surréalisme  même si on peut aussi y reconnaitre « un goût prononcé pour le portrait-charge et la caricature, et une fascination pour la ligne "prenant librement ses ébats" des dessins de Paul Klee. »* Après-guerre, il s’éloigne du surréalisme et à partir des années 50, son art peut être qualifié de « primitiviste », bien que l’on puisse déceler dès 1934 dans son travail des emprunts à l’art primitif, comme les cubistes et certains expressionnistes ont pu le faire avant lui.

C’est donc logiquement que les galeries Schoffel-Valluet et Samy Kinge ont choisi de montrer des dessins des années 50 et 60, en même temps qu’une sélection d’œuvres primitives principalement africaines, océaniennes et amérindiennes leur faisant écho. Victor Brauner lui-même possédait une collection d’art primitif, à l’instar de Breton ou d’Eluard, collection désormais conservée au Musée des Beaux-Arts de Saint Etienne.

Si ces correspondances rendent sensibles les proximités de formes, le propos de cette exposition cherche aussi et surtout à montrer comment l’art primitif a pu ouvrir les artistes de cette époque à un « nouveau territoire de rêve », et comment l’attirance de Brauner pour ces formes d’art tenait autant sinon davantage de la fascination pour les forces magiques de ces objets tribaux que du pur intérêt plastique.

Breton aurait dit de Brauner qu’il était l’artiste magique par excellence. Particulièrement sensible à l’ésotérisme et à l’alchimie, Brauner, en artiste « médiumnique », s’est ensuite nourri de la dimension spirituelle et céleste de l’art et de la pensée tribale, réalisant une sorte de syncrétisme entre chamanisme, magie, animisme, mythologie, psychanalyse et pouvoir des fétiches.

Ainsi, si les œuvres sur papier exposées ici permettent de découvrir un aspect de l’œuvre de Victor Brauner, elles contribuent aussi à dessiner les contours d’une figure typique de l’artiste du 20^ème siècle, en prise avec l’exploration de nouveaux continents et de nouveaux pouvoirs, ceux de la « pensée sauvage » et ceux de l’inconscient.

Un catalogue est édité à l’occasion de cette exposition, avec un texte de Didier Semin, historien de l’art et conservateur, et une préface de Jeanne Brun, conservatrice du Musée d'Art Moderne de St Etienne.

*Didier Semin

A voir, avant de découvrir une programmation alternant art primitif et art contemporain, du 21 octobre au 4 décembre 2010 à la Galerie Schoffel Valluet - 14 rue Génégaud, Paris 6è -

Et aussi à la Galerie Samy Kinge, 54 rue de Verneuil, Paris 7è

Texte réalisé pour la Galerie Schoffel Valluet

Photo: Prelude to civilization, Victor Brauner

 Je ressors ce texte que j'avais écrit pour Wela il y a quelques temps, à l'occasion de son exposition à Chartres dans le cadre de "Art Pologne Aujourd'hui"

"Lignes et traits, formes et couleurs parfois, l’œuvre de Wela nous surprend d’abord, car contre toute attente, nous sommes en présence… de papier et de crayon. Wela dessine, depuis toujours, perpétuant ainsi la traditionnelle excellence pour les arts graphiques des artistes venant de l’Est de l’Europe. Aux Beaux-arts de Cracovie, au cœur de sa Pologne natale, Wela étudia donc la peinture, la sculpture, tout comme la gravure, et le dessin.

Mais après quelques détours par la gravure –qu’elle pratique toujours à l’occasion-, l’art de la mine de plomb l’emporte sur les autres formes d’expressions, privilégiant la liberté, la spontanéité du geste créatif et le contact direct avec la matière. Wela choisit la simplicité du trait noir sur le blanc du papier, auquel vient parfois s’ajouter un ocre profond, en même temps que la puissance des lignes, travaillées dans l’épaisseur, denses, profondes. L’artiste sait à merveille en entretenir la tension dramatique : fluides ici, là enchevêtrées, précises parfois, floues jusqu’à l’effacement, ailleurs. Sur la surface plane, le dessin prend toute sa matérialité, et l’on pressent le rapport organique, charnel, qu’elle entretient avec lui.

Loin d’être anecdotique, confiné aux travaux préparatoires ou aux fonds d’atelier, le dessin se déploie alors dans des dimensions spatiales et poétiques inhabituelles. Car tandis que celui-ci connaît aujourd’hui un renouveau, et un regain d’intérêt, le travail graphique de Wela s’inscrit avec force dans une volonté très contemporaine de montrer le dessin autrement.

D’abord le sortir du cadre, au propre comme au figuré ! Des polyptiques où le dessin se poursuit de tableau en tableau à ses œuvres les plus monumentales, Wela porte le dessin ailleurs, autrement, le descend des cimaises, l’extrait de l’exiguïté de la galerie. Le voici tridimensionnel, sculptural. Le voici s’invitant dans l’espace public, haut de six mètres, multiplié en cinq cent colonnes, accroché aux arbres ou flottant au vent !

On ne regarde pas une œuvre de Wela, on y pénètre, on s’y engage. Ses installations puisent sans ambiguïté dans le mythe de « l’œuvre totale », dans le désir de l’artiste de produire des univers immergents, l’espace d’un instant. Naissent ces «œuvres à vivre », dans lesquelles les spectateurs sont pris à parti, invités, enveloppés.

Ainsi l’impressionnant « Passage suspendu »*, où, pénétrant dans le dessin, dont l’image se répète, se déforme, se diffracte grâce à une colonne d’acier que l’on peut tourner sur elle même, le spectateur devenu acteur entre dans un monde aux contours inconnus et mouvants. Un monde fictionnel, bien que non narratif, un monde imaginaire, au sens propre, intrinsèquement lié à la sensibilité, celle d’une perception à la fois libérée et hypnotique.

Wela aime en effet à emmener le spectateur dans un entre-deux, subtil déséquilibre entre réalité et irréalité, présence et fugacité, décomposant la vision pour mieux la recomposer.

Ainsi ses colonnes -forme récurrente chez Wela-, à la verticalité visuellement très suggestive, composent des installations combinatoires ouvrant sur des manières nouvelles d’expérimenter l’œuvre dans le déplacement. Amenant le spectateur à se promener dans le dessin, Wela lui offre le moyen de créer perceptions, perspectives et points de vue nécessairement inédits : la déambulation se fait appropriation de l’œuvre, le contexte se mue en subjectivité. Il y a chez Wela une sorte de générosité, un sens du partage, dans cette manière qu’elle a, au travers de ses œuvres métaphores, d’inviter à une interprétation vécue, ressentie.

Car la démarche de Wela ne saurait se réduire à une poétique de la forme. Certes le dessin est plutôt abstrait, dans le mouvement et l’impression davantage que dans la figuration – parfois, Giacometti dessinateur n’est pas loin-, jouant sur les contrastes, les formes, les plans et les espaces. Mais tout cela est sous-tendu par une densité, une épaisseur émotionnelle, une sorte de sérénité emprunte d’une mélancolie qu’on pourrait parfois prendre pour de la solennité mémoriale, mais on aurait –un peu- tort.

Installations urbaines ou environnementales, architecturales ou sculpturales, parfois en contrepoint de la nature…Le charme opère. Avec, au fond, une assez belle économie de moyen et un remarquable sens de la mise en espace, Wela parvient à montrer le dessin, dans une troisième dimension complètement novatrice, et toujours profondément intelligente, efficace, et poétique."

 Il reste encore quelques jours pour découvrir l'exposition "Un rêve utile", curaté (j'aurais envie de dire: évidemment) par Simon Njami, vue d'ensemble de la photographie africaine contemporaine. Dans la sélection, on retrouvera les photographies de Mouna Karray, dont j'ai déjà parlé ici.

Un rêve utile

On  retrouvera Mouna Karray à la Biennale de Lubumbashi, au Congo

Pendant cinq jours, la ville sera transformée en un grand patchwork qui accueillera les œuvres des artistes suivants (sous réserve), sélectionnés sous le commissariat artistique de Simon Njami :

En photographie :

• Adama Bamba (Mali)
• Dimitri Fagbohoun (Bénin)
• Jellel Gasteli (Tunisie)
• Kiluanji Kia Henda (Angola)
• Kiripi Katembo Siku (R.D.Congo)
• Mouna Karray (Tunisie)
• Pierrot Men (Madagascar)
• Zineb Sedira (Algérie)
• Zwelethu Mthethwa (Afrique du Sud)

En vidéo :

• Bili Bidjoka (Cameroun)
• Jimmy Ogonga (Kenya)
• Kader Attia (Algérie)
• Moataz Nasr (Egypte)
• Myriam Mihindou (Gabon)

2ème édition
Rencontres Picha,
Biennale de Lubumbashi
du 13 au 17 octobre 2010

Enfin, on pourra voir ou revoir la très belle série MurMurer, dans le cadre de l'exposition "L’autre bord #1", questionnant le croisement des territoires et les frontières au coeur du bassin méditérannéen, et en prémisse de l'année de Marseille, Capitale Européenne de la Culture.

« Marseille, ville ouverte. Dans un monde où règnent les territoires et les identités, les frontières et les nationalités, Marseille est une rive et un rivage, un bord de mer. Marseille, en ce sens, est une ville sans frontières. La Méditerranée, qui la borde, est l’espace flottant qui, des désirs, quelquefois, comme dans toute odyssée, lorsque la chance sourit, peut faire une réalité."

Seloua Luste Boulbina - Commissaire de l'exposition

                                                                            Note sur la série Murmurer par  Mouna Karray-

 
"Sfax est ma ville natale, cité portuaire et industrielle du sud de la Tunisie.
Depuis quatre décennies, une série de décisions politiques a progressivement transformé des lieux publics de Sfax en lieux interdits et incertains... Ces lieux disparaissent mais aussi réapparaissent cependant que leur limites et frontières résistent curieusement aux changements... Ces limites sont des constructions volontaires ou bien ont surgi, au fil du temps, de manière involontaire. Leurs fonctions sont ambiguës, on ne sait pas si elles barrent un passage ou invitent à un passage indiscret... Curieusement, années après années, ces lieux ont réussi à redessiner le paysage urbain : les enceintes des maisons sont à l’image de ces frontières. "

"L'autre bord" - Du 14 octobre au 7 décembre 2010 // Vernissage le 14 octobre 2010 à la galerie des grands bains douches et le 15 octobre 2010 à la galerie Montgrand, Marseille - http://art-cade.net/art-cade/spip.php?article18

Mouna Karray (1970) vit et travaille entre la France et la Tunisie. Elle entre en 1989 à l’Institut Supérieur d’Animation Culturelle de Tunis. Durant quatre années, elle s’y initie au cinéma, à la vidéo, puis à la photographie. En 1995, elle réalise à Tunis sa première exposition personnelle, Alchimère. Elle obtient une bourse de l’Etat japonais : en 1997, elle s’inscrit à la Nihon University puis au Tokyo Institute of Polytechnics and Arts –, dont elle sortira en 2002 titulaire d’un Master en Média de l’Image, spécialité Photographie. Au cours de ce séjour, Mouna Karray entame de nombreux travaux et participe à plusieurs expositions. C’est à Tokyo aussi qu’elle initie les premiers diptyques du projet Au risque de l’identité, qui se poursuit encore aujourd’hui. Elle réalise en 2004 le commissariat d’une exposition d’art contemporain, « Zones », questionnant la notion de « territoire ». En 2005, Mouna Karray obtient une résidence d’artiste à la Cité Internationale des Arts et s’installe à Paris. Dès lors, elle participe à de nombreuses expositions collectives, en France, en Tunisie, mais aussi à Niamey au Niger ou à Bamako, au Mali (pour les Nouvelles Rencontres Africaines de la Photographie). En 2007, elle développe la série Murmurer, qui, au travers de clichés des murs de Sfax, murs à l’abandon dont on ne sait ce qu’ils furent ni pourquoi ils sont encore debout, réinitie la réflexion, récurrente chez l’artiste, autour des frontières, des limites, physiques ou non, des passages, des dualités et des altérités.

(texte réalisé pour l'artiste,  visible sur le site de l'artiste www.mounakarray.com )